Little Lucia inspira-se em contos de fadas da sua infância
"Criadores colombianos desfilaram as colecções Primavera/ Verão na maior feira de moda da Colômbia" Lançar o debate e a reflexão para uma consciência ética e ecológica e promover um desenvolvimento sustentável da indústria têxtil é o mote para a edição deste ano da Colombiamoda. Na sua 22.ª edição, este é um dos maiores eventos de moda da América Latina. De 26 a 28 de Julho, a cidade Modellin recebeu os mais importantes estilistas colombianos, que apresentaram as suas colecções Primavera/Verão para 2012. Como nomes da moda internacionais, destacaram-se as presenças dos estilistas Akihito Hira, do Japão, e a dupla italiana Leitmotiv (Juan Caro e Fábio Sasso). Seguindo a linha de orientação escolhida para este ano, Pepa Pombo e a sua filha Mónica Holguín basearam a sua colecção em materiais que não causam danos ambientais. As tendências foram marcadas pelas cores escuras, como o negro e o azul, criando silhuetas sóbrias e elegantes. As referências étnicas e multiculturais resultam numa paleta cromática mais colorida na área dos acessórios. A cor de pele e o bege também tiveram presença nos desfiles. Golas altas, casacos compridos, mangas largas, decotes em V e vestidos curtos acompanhados de cintos largos são as tendências mais marcantes. Olga Piedrahíta foi a estilista que abriu oficialmente o certame. As referências artísticas são importantes para a sua colecção, que encontra no abstraccionismo uma fonte de inspiração para os seus estampados arrojados. A silhueta é de uma mulher urbana, teatral, criativa, provocadora. A marca Little Lucia's, com a colecção "Infashion Blancox", baseou a sua temática em contos de fadas, nomeadamente em princesas e guerreiros. Os acessórios, desenhados por Natalia Criado, são o foco das silhuetas e recorrem ao uso de cores metalizadas, dourados e à transformação de objectos quotidianos em peças criativas. Pode continuar a ler este artigo do jornal DIÁRIO DE NOTÍCIAS (29-07-2011) aqui.
Mário Fernandes, Mónica Calle e René Vidal (fotografia: Bruno Simão)
O reverso do mundo dos media e das actualidades, o reverso das novelas, das notícias, da gestão cultural, da mediação cultural, dos ministérios, dos cursos de escrita criativa, das vernissages, da troika, dos teatros nacionais, dos patrocínios, dos actores de novela, dos festivais multimédia, dos simpósios sobre racismo, alimentação natural, das fotos espectaculares, dos talkshows, dos anúncios dos economistas, o reverso do mundo agora. É sobre ele que Mónica Calle, uma das grandes encenadoras europeias de hoje, trabalha há anos: permanentemente, obsessiva e inteligentemente, decidida, crua, uns dias sem esperança, outros cheios dela. É assim há vinte anos. Agora pode ser visto na casa conveniente “A Missão”, esse texto sobre a revolução, o seu falhanço, a ressaca, a necessidade (a ordem dos factores aqui é arbitrária) de H. Müller. Céptica ou magoada ou cheia de amor a encenadora faz essa coisa brilhante que é pegar no reportório e aniquilá-lo para não o deixar morrer e “A Missão” é de uma actualidade que parece ter sido escrita hoje ou em 1979. Vemo-nos ao espelho, hoje! Com actores sólidos e com corpos que dançam fulgurantes a revolução.
Uma das instalações artísticas do PRÓXIMO FUTURO no Jardim da Gulbenkian, fotografada por Catarina Botelho. A peça chama-se Casulo, é da autoria da artista Nandipha Mntambo (nascida na Suazilândia, actualmente a viver na África do Sul), vencedora do 2011 "Standard Bank Young Artist Award for Visual Art".
O "Casulo" instalado no Jardim é visitável até 30 de Setembro de 2011.
Fundada em 2003, a Kwani Trust é uma rede queniana centrada na actividade literária com o propósito de desenvolver escrita criativa de qualidade e empenhada no crescimento da indústria criativa através da publicação e distribuição da literatura contemporânea africana, oferecendo também oportunidades de formação, produção de eventos literários, assim como o estabelecimento e manutenção de redes literárias globais. Pretendem "contribuir para uma sociedade que usa as suas histórias para se ver a si própria de um modo mais coerente".
Até ao próximo dia 31 de Julho é possível ver em Washington a primeira parte de três da plataforma visual About Change in Latin America and the Caribbean, com trabalhos de artistas da Argentina, Bahamas, Barbados, Belize, Brasil, Dominica, República Dominicana, Guyana, Haiti, Jamaica, Saint Kitts e Nevis, Saint Lucia, Saint Vincent e the Grenadines, Suriname, Trinidade e Tobago e Uruguai.
Saïdou Dicko (Burkina Faso), Le voleur d’ombres, 2005-2009
Em véspera de fim-de-semana lembramos que ainda pode ver a exposição "Fronteiras": mostra central dos 8.os Encontros Fotográficos de Bamako, cuja itinerância internacional inclui Portugal pela primeira vez.
Desde a sua inauguração em Lisboa, no âmbito do Programa Gulbenkian PRÓXIMO FUTURO, já foi visitada por 9.187 pessoas.
Pode agendar uma visita guiada através do Descobrir, sendo que aos Domingos a entrada na exposição é sempre gratuita.
Eis notícia de Miguel Matos sobre estas "Fronteiras":
Também continuam visitáveis, durante todo o verão, as instalações artísticas de Nandipha Mntambo (ÁFRICA DO SUL) e do colectivo Raqs Media (ÍNDIA), para além das intervenções dos artistas Bárbara Assis Pacheco (PORTUGAL), Délio Jasse (ANGOLA), Isaías Correa (CHILE) e Rachel Korman (BRASIL) nos chapéus-de-sol concebidos pela arquiteta Inês Lobo, também no JARDIM Gulbenkian.
"Tour dos Trópicos": David Byrne (músico) e Eduardo Vasconcellos (urbanista)
O primeiro a falar foi o David Byrne que estava lançando o livro "Diários de bicicleta".
Ele como turista gosta de visitar os lugares de bicicleta porque pode ver e apreciar coisas que de outra forma não veria.
Acredita que nosso modelo atual de cidade isola as pessoas, e a cidade na verdade é um lugar de diversidade e troca.
Mostrou com algumas imagens de Frank Lloyd Wright, Le Corbusier e outros, a ideia de cidade do futuro no Século XX. Ela é cheia de 'highways', sem lugares para interação humana ou o encontro de pessoas. São cidades cheias de torres isoladas, acabando com as ruas, uma ideia bastante influente do século passado...
A GM era durante todo esse período a maior corporação do mundo e apoiava as ideias de construção de largos 'boulevards' para muitos carros. Essa configuração é hostil para os pedestres e as cidades hoje são assim graças a essas influências.
As ruas menores tem um modelo mais caótico, pois as pessoas se encontram mais, e você nunca sabe com quem vai cruzar. Na Europa as coisas já estão mudando. Já existem cidades que tem no mesmo espaço em conjunto, bicicletas, carros e pedestres.
O Eduardo também defendeu a mudança na qualidade de vida das cidades. Mas aqui no Brasil elas vão ter que passar antes por um aumento da cidadania da população. As pessoas não conhecem seus direitos nem deveres para poderem lutar por melhores condições. Aqui quem vai a pé ou de 'bike' trabalhar é porque não tem dinheiro, fazem parte de uma classe de baixa renda.
No Brasil também ainda há o mito que todos preferem o automóvel, que faz parte da proposta desenvolvimentista dos anos 70. Assim as classes de renda mais alta, que têm um ou mais carros, ocupam mais espaço público e gastam mais recursos (energia) e poluem mais que as de renda baixa.
É preciso gerar conhecimento para gerar constrangimento ético, para que as pessoas usem mais o transporte público, a bicicleta ou andem a pé. Transformar esse espaço hoje hostil às pessoas e caminhar em direção a uma nova cidade.
A palestra do David Byrne foi bastante esperada, foi legal, mas as pessoas claramente esperavam mais, talvez que ele cantasse?
Praça
'Pensamento Canibal': Eduardo Sterzi e João Cezar de Castro Rocha
Essa mesa faz parte da homenagem ao Oswald, e eles falaram dos desdobramentos da antropofagia depois de seu momento inicial em ‘22.
João Cezar foi primeiro a falar e colocou uma pergunta para depois tentar responder:
“A antropofagia define a sensibilidade do brasileiro (se tiver caráter histórico) ou é universal (questão antropológica)?”
A resposta é e não é. Porque ela tanto pode ser uma teoria sobre a alteridade cultural, quanto foi elaborada num período específico para atender a um problema específico. Foi escrita em São Paulo em 1928.
Uma das questões é que, para assumi-la como universal precisaríamos ainda ter que despir o Oswald de sua “brasilidade”. Por ainda não termos superado um complexo de colonizado, não a transformamos numa teoria universal.
No Manifesto detectamos aspectos locais (necessidade de nos atualizarmos em relação à Europa, a colonização portuguesa), e também aspectos universais.
Assim a antropofagia é de fato uma teoria cultural, mas uma teoria onde as circunstâncias são assimétricas. Ou seja, ela é acionada pelo dominado, por quem está na posição de desfavorecido, por nós e não pelos europeus. Preservamos uma capacidade de seleção, pois ainda precisamos recorrer à Europa, mesmo hoje.
Ressaltou que é preciso se reinventar a crítica cultural no Brasil, que se baseia num modelo de falsa dicotomia entre local versus universal que foi útil até à década de ‘60.
O Eduardo ressaltou que o Oswald é visto como um clássico e assim fica circunscrito a dois períodos de ‘22 e de ‘60. E ele escreveu a vida toda, se aprimorando, até morrer.
Mais que uma teoria da cultura, nos seus escritos tem teoria para tudo: economia, direito, estética, religião.
A ideia da antropofagia não é original e o Oswald também fala isso. Lembraram Catão, Rabelais e em 1919 Picabia com “canibal-dada”...
O que o Oswald fez foi alterar o fluxo das trocas culturais, usando como matéria-prima um conceito que transformou para criar uma teoria. O poeta antropófago só sente a alegria da influência.
Doces
Imagens e textos de Madame de Stael, correspondente em Paraty
Joe Sacco - 2 livros lançados aqui: "Notas sobre Gaza" e "Palestina"
O fluxo das informações é controlado pelos oligopólios da imprensa, por isso ele opta por um jornalismo em quadrinhos. Passa um tempo nos lugares, Bósnia, Palestina, etc... convivendo com as pessoas. Faz os desenhos tempos depois, mais amadurecidos e já mais carregados de sentido. Está preocupado com a realidade dos civis que são os que mais sofrem com a guerra. Suas vidas lhe são retiradas, um dia você tem um futuro no outro não mais. Através dos quadrinhos ele acredita que pode trazer o leitor mais próximo daquela realidade. No desenho ele pode voltar ao passado, pode desenhar de perspectivas que às vezes nao é possivel na fotografia. Em locais muito tensos, onde é proibido fotografar, como check points, ele faz sketchs. Nos quadrinhos pode mostrar repetidamente um cenário ao fundo, enquanto na ação principal apresenta um diálogo dando uma outra dimensão mais dramática, o que não é possivel na escrita.
Ou ainda com múltiplas imagens pode ir para frente e para trás. Uma outra coisa bem legal que ele falou, foi sobre a atividade de jornalista. O jornalismo é visto e ensinado com uma obsessão pela objetividade. Mas na realidade as coisas não são bem assim. As pessoas contam coisas que às vezes são contraditorias, existem vários pontos de vista e a memória engana. Ele mesmo como jornalista de outra cultura tem preconceitos, e tudo isso ele deixa a mostra, dando espaço para eventualmente ser confrontado pelas pessoas das quais ele fala. O jornalismo e juntar informações não são uma ciência e ele quer mostrar essas contradições. É autodidata no desenho e sua influência é Bruegel "The Elder". (Tem tudo a ver!) Foi muito boa essa mesa!
Tenda dos Autores
João Ubaldo Ribeiro - 'alegorias da ilha brasil'
A palestra foi divertida, agradável, ele é incrivelmente bem humorado. Entrevistado por Rodrigo Lacerda, sempre com uma pergunta sobre cada livro. As respostas sempre tinham muita história. Aqui algumas respostas: A primeira pergunta: Parece que Itaparica é o cenário dos livros. Seria uma metáfora do Brasil? Mas ele diz que não sabe, que acaba sendo assim. As ilhas são fictícias. Esse ambiente faz parte da sua formação, é o que conhece. Ele diz ter uma certa insegurança em escrever sobre o Rio. No final os textos saem com cara de Itaparica.
Não se preocupa com a veracidade mas com a verossimilhança. Não é realidade, mas invenção.
Em '63 quando publicou seu primeiro livro, se considerava engajado, político, que mudaria o destino da humanidade e iria ganhar o prémio Nobel... mas a vida não transcorreu assim... (Toda a conversa é falada com bom humor, cheia de risos... Aqui não vou conseguir expressar)
Diz que o escritor escolhe que tipo vai ser, a decisão é sempre de cada um. Para o jovem que deseja ser escritor, é preciso ler muito, ser humilde, obstinado e o resto é um mistério. Sempre existe o imponderável para o êxito profissional, não há receita.
Sobre "Sargento Getúlio", fala ser esse o nome de um dos sargentos do pai, que era chefe de seguranca.
O livro foi comparado ao "Grande sertão veredas," porém ele não concorda. Diz que o seu santo não bate com o do Guimarães Rosa. Reconhece a importância dele na literatura, principalmente por que conhecia bem Graciliano Ramos e sabia do seu sofrimento em traduzir os diálogos do sertão numa prosa mais "culta" e Guimarães Rosa rompeu com isso. Depois de um tempo e já com livros publicados, e: "sabendo que não ganharia o nobel," conta que as pessoas só falavam do Sargento Getúlio. Não queria ser reduzido a esse livro, e "Vencecavalo e o outro povo" título que ninguém nunca lembra, nem ele, partiu da vontade querer escrever: "o retorno do Sargento Getúlio," e queria (isso na gozação), escrever a volta, o filho, a cavalgada todas do Sargento Getúlio. Um desses títulos achou que poderia ser o título para o novo livro. Foi conversar com Jorge Amado que lhe deu um "esbregue"(bronca). Assim o livro de contos ficou com o título de um dos contos.... esse que ninguém nunca lembra. "Vila Real" é um livro que ele adora, mas fica magoado que ninguém leu. Tem universo semelhante ao "Sargento Getúlio" com linguagem mais rebuscada. Um dia implicaram que por aqui só se escreviam livros finos. E essa foi a génese do "Viva o povo brasileiro." Ele queria mesmo era escrever um livro grosso. Conta que não queria entregar os manuscritos de jeito nenhum, não queria mais parar de escrever e reescrever. De tão grande, chegou até a pesar a pilha dos originais. Ainda hoje, se ele abre o livro, acha algo que quer reescrever. O livro não teve nada a ver com querer reescrever a história do Brasil e falar dos oprimidos. Queria só fazer um romance caprichado e grosso para mostrar ao tal fulano que disse que ele escrevia "livrinho." (acho que foi um editor) Para os personagens pensou em canalhas notórios e que se tivessem poder de vida e morte, o que poderiam fazer. Em relação ao "Sorriso do lagarto" disse que tem medo do ser humano pilotando seu próprio destino. Não é otimista em relação a humanidade. Todos somos contraditórios e nossa ruindade tem prevalecido ao longo da história. Sobre a "Casa dos budas ditosos" falou, e brincou com o fato que o livro agrada as mulheres e deixa os homens intranquilos. Ofereceram a ele escolher o pecado. Não escolheu a preguiçaa por ser baiano. Escolheu luxúria e sobre a inspiração disse: "cheque gera inspiração, foi uma encomenda, assim que se geram as obras de arte" (a conversa sempre em tom de humor e risadas e esse foi um desses momentos). Sobre seus personagens ele disse que eles tem vida própria. Quer que casem e eles não casam."Eles só fazem o que querem." Foi divertido, leve, todos aplaudiram de pé. Típico espirituoso bom humor baiano brasileiro.
Telhados
Com James Ellroy
O livro que ele está lançando aqui é "Sangue Errante". Acontece depois dos assassinatos de Kennedy e Martin Luther King e antes de Watergate. É sobre homens ruins amando mulheres poderosas. Para ele o encontro entre um homem e uma mulher é o máximo e depois tudo é resto. A redenção vem através do amor. Os personagens são pessoas ruins, fazendo coisas más em nome do poder.
Ele é um showman. Disse que gosta mesmo de enterter a plateia. Fez várias piadas. Como a venda dos li
vros para cinema ajudaram a pagar os divórcios dele. Não comenta se achou os filmes bons ou ruins, não liga. Não usa a internet nem computador. E diz que tenta "hold his curiosity in" para ficar no tempo dos livros dele. É vidrado em Beethoven. Tem bustos dele por toda a casa.
Quando perguntado o que ele achava de ter sido chamado de Dostoiévski americano responde: "I will take it but never read it, or Tolstoi or any russians, don't know anything about Russia", só alguns pianistas. Perguntaram também sobre a relação entre filmes noir e tragédias gregas com seus livros. Ele respondeu que já tinha namorado uma grega e que os gregos que conhecia eram donos de giro no Queens. Típico americano que nunca tinha vindo ao "third world e até que não é tao mal quanto ele imaginava".
Se diz cristão mas não vai a igreja. Tem um discurso moralista pois apesar de não julgar seus personagens eles fazem coisas ruins, se entregam aos pecados da carne, mas acabam indo para o inferno. A história é de sucesso e apesar daquela coisa típica americana (estava usando camisa florida), não sabia nada do resto do mundo...
Mas a sinceridade com que assumiu o que não conhece da literatura ou do mundo, sem rodeios me fez simpatizar com ele. Além disso tem uma história dark. O livro "Black Dhalia", foi uma maneira de expressar o que sentia pela morte da mãe através do que sentia pela morte da Elizabeth Short. A mãe também foi brutalmente assassinada num crime sem solução. Depois foi morar com o pai, um homem permissivo, se envolveu com drogas, etc... Beethoven é a figura masculina na vida dele. Seu ídolo desde os 12 anos. Disse que sempre quis ser 'novelist', queria uma identidade, os 'cool friends', 'cool car', dinheiro. Não boas razões para fazer arte. Até que deixou isso de lado, largou as drogas, uma história veio e só aí pode escrever.
Terminou recitando um poema para falar "why do I write" de Dylon Thomas.
Imagens e textos de Madame de Stael, correspondente em Paraty
'Ficções da diáspora', com Kamila Shamsie (Paquistanesa - vive em Londres) e Caryl Phillips (Caribenho - vive nos EUA)
O livro "Sombras Marcadas" partiu de uma leitura que ela fez a respeito do bombardeio em Nagasaki. Chamou muito sua atenção o fato de que no momento do bombardeio as pessoas que estavam de kimono preto e branco (que absorve/repele calor), ficarem com as estampas impressas na pele. E seu livro parte da vontade de imaginar a história de uma mulher que passou pelo bombardeio. A narrativa se inicia no Japão, passa pela Índia, Paquistão, acabando na guerra ao terror.
Não me instigou. Ao contrário do Caryl. O livro "A travessia do rio" tem a intenção de contar a história do atlântico a partir de histórias pessoais. Nós no Rio, em NY, África e Europa temos essa história no nosso passado como uma grande narrativa, factual e também abstrata. Ao contá-la do ponto de vista das pessoas, das várias pessoas envolvidas, cria uma situação mais íntima com a qual nos relacionamos mais. O personagem de quem ele mais fala, é um negro que vende seus filhos como escravos, porque perde sua plantação. Falaram também sobre o trabalho do artista. É preciso ser um pouco louco, para achar que suas obsessões privadas possam interessar as pessoas. A arte seria também uma necessidade de entender o mundo (verdade). It's a leap of faith.
Ele (que gostei muito) falou ainda que o trabalho do artista não é curar uma sociedade, mas levantar um espelho, com dignidade, para que a arte nos mostre quem somos.
Texto de Madame de Stael, correspondente em Paraty
"Uma aula de ciência e outra de filosofia": Pola Oloixarac (Argentina) e valter hugo mãe (Angola/Portugal)
O livro dela "As teorias selvagens" parte da ideia de uma guerra cultural. Guerra por significados. Como o conhecimento pertencendo a uma casta separada das paixões "baixas." Ela busca através da ironia dar conta de uma relação privilegiada com o conhecimento. Tenta criar uma imaginação política, pois há uma tradição da literatura política na América Latina ser muito militante e séria, que ela deseja quebrar com seu livro. Mistura tecnologia, luta política no âmbito cultural, junto com uma subjetividade que emerge numa potência selvagem... Parece interessante. E ela tem uma aparente obsessão com a luta política. O valter fala da morte, parece obsecado por ela. Conta que o pai vivia achando que ia morrer até que morre aos 59 anos. Muito simpático, sensivel, fala que busca nos livros que escreve suprir uma falta, algo que não tem na sua vida. Falou muito do outro, da tentativa de entender o outro, da procura pelo outro, como algo que pode ensinar-nos sobre nós mesmos. Seus livros começam sobre um outro e terminam nele, encontrando esse outro dentro de si mesmo. Deixou todos muuuuito emocionados e foi realmente lindo, quando ele leu uma crônica que escreveu para falar da sua relação com o Brasil. Foi tão lindo. Ele chorou, muita gente chorou, tenho certeza que vão por online. E tem que ver. E o livro parece legal mas deve ser triste p'ra xuxu!
Imagem e texto de Madame de Stael, correspondente em Paraty
"O Humano além do Humano": Miguel Nicolelia (Neurocientista) e Luiz Felipe Ponde (Filósofo)
Nicolelis pode ser candidato ao Nobel por suas descobertas sobre o funcionamento do cérebro. Ele mostrou como nosso cérebro pode continuar com consciência a viagem pelo mundo liberto do seu corpo. Pode-se criar ação com as descargas elétricas, para recuperar funções motoras e vice-versa. Isso é uma vitória da ciência brasileira. Quer na Copa que uma criança paraplégica chute o primeiro gole. Ele está muito próximo de alcançar isso. Então foi um debate entre a ciência e o filósofo que acredita que o ser humano não é confiável, que esse projeto de superação vem desde a República de Platão, como um projeto da eugenia. Que depois que os cristãos perdem a fé, surge a fé na ciência para substituir (Nietzsche). Ele coloca que a vida humana não se sabe de onde veio, nem para onde vai e que o homem não se pode confiar em si mesmo. O ser humano não é linear. O sofrimento sempre nos encontra, e sofrer é que nos faz humanos. E a vida dá sempre errado ao final. Foi um debate mas eu acho que as 2 opções não são tão opostas ou distantes. Vêm do mesmo lugar. Essa coisa da vida dar sempre errado tem um algo darwinista, que está ligado a evolução que está ligado na ciência de certo modo e nessa busca por melhorar, ou sobreviver. No final o Ponde diz que não. É que não temos que tentar ir para além do Humano para resolver os problemas, mas que vão se criar outros problemas. Discutiu-se fé versus ciência, como ciência e religião estão próximos, etc... Os 2 eram muito carismáticos, e são também professores, foi legal essa mesa.
Imagem e texto de Madame de Stael, correspondente em Paraty
A primeira de uma série de breves reportagens sobre a mais recente edição da Festa Literária Internacional de Paraty (Brasil), pela nossa correspondente em Paraty, Madame de Stael.
Conferência de Abertura... (Antonio Candido, José Miguel Wisnik)
Antonio Candido que foi muito amigo do Oswald de Andrade e 30 anos mais moço decidiu falar como ele era, ao invés de discutir aspectos da obra ou como ele revolucionou a maneira de pensar o Brasil.
Ele cita algumas razões pelas quais sua obra era difícil de ser conhecida naquela época.
E em primeiro lugar vem a sua personalidade extremamente poderosa, concentrando muita atenção sobre si.
Foi grande ativista cultural e sem ele e Mário de andrade o Modernismo Brasileiro não seria o que é.
Ele tinha uma perceção rápida e expressão sintética. Sua produção jornalística é de altíssima qualidade e era tão importante quanto o resto de sua obra.
A segunda razão é que em '36 por exemplo não haviam livros de Oswald publicados. Não haviam editoras e os próprios escritores tinham que custear sua produção, assim falava-se dele sem ter a obra para ler.
E terceira, ele era extremamente sensível a críticas. De temperamento forte, brigava com qualquer um que se atrevesse a falar mal dele. Assim não se escrevia sobre ele.
Porém assim como podia xingar muito alguém, também ao mesmo tempo elogiava o trabalho.
O que ele gostava era de brigar e desbrigar. Não era rancoroso. E vivia rodeado de gente, todos o adoravam.
O único que nunca mais voltou a falar com ele foi o Mário de Andrade e o Oswald sofreu por isso a vida toda. Nevertheless os 2 se admiravam muito.
Por essas razões sua obra ficou na sombra.
Ele queria devorar o mundo, ver tudo e saber de tudo. Tinha extrema mobilidade de opiniões mas extrema constância nas ideias. Sempre foi um inconformado.
Era muito bem educado atencioso, era só não brigar com ele.
Soube usar a arma do riso, que foi uma arma dos modernistas. Acabaram com a seriedade e mostraram que a alta literatura não é incompatível com a brincadeira.
Todo autor que se faz presente demais por sua personalidade, sua receção literária, renasce anos após sua morte. Hoje ele tem uma importância por ainda ser tão contemporâneo e foi muito reconhecido na geração seguinte.
Wisnik ressaltou os aspectos que fazem Oswald um escritor muito contemporâneo especialmente nos dias de hoje.
Os anos de ‘68 foram intensos. Ele – Wisnik – nesse momento com 20 anos entrando na faculdade de filosofia em São Paulo, estava geograficamente no epicentro dos acontecimentos culturais mais marcantes. Essa foi sua formação.
Era o momento dos festivais de música popular, do “teatro oficina”, do tropicalismo. Os movimentos de arte todos estavam interligados: teatro, cinema, poesia, música e artes visuais e o Oswald ressoou em todas essas frentes.
A ideia da antropofagia que ele deu a entender era um modo de ser brasileiro. Mas não era o que pode ser entendido vulgarmente como devoração pela devoração, uma livre associação, e depois se vomita todas as informações... Como às vezes pode ser confundida a antropofagia.
Era sim uma decisão de rigor, com uma exigência de identidade para se criar algo novo e fresco. Com valor de reflexão e também provocação. Num critério seletivo do que é a cultura do Outro e que a nossa cultura se desloque nessa interação com a alteridade.
Por exemplo, no Manifesto Antropófago: se penso deveria ser para entender o Outro (não como Descartes “penso, logo existo”).
É se colocar diante do outro e estar interessado nele : o antropófago.
A cultura brasileira é feita dessa alteridade e na realidade nossa história de colonizado nos dá grande independência de pensamento.
Tomar para si algo do outro: esse é o mito antropofágico.
"Viento Sur", uma encomenda PRÓXIMO FUTURO à realizadora Paz Encina
La realizadora de “Hamaca paraguaya” presentó recientemente en Portugal su nueva obra, un cortometraje ambientado en el Paraguay de los años 1970.
A cinco años de triunfar en Cannes con “Hamaca paraguaya”, la cineasta paraguaya Paz Encina quedó en la mira de los festivales internacionales, que se interrogaban por su siguiente trabajo. Sin embargo, aunque la artista fue incluida entre los cien “directores del futuro” en el libro “Take 100”, no pudo concretar un proyecto inicial por falta de apoyo para obtener los fondos necesarios. Pero con ayuda de la Fundación Calouste Gulbenkian (Portugal), aquella idea se materializó en “Viento sur”, cortometraje de 20 minutos presentado el 25 de junio en la sala de dicha institución y con buena repercusión en la prensa.
No site do IPRI (Instituto Português de Relações Internacionais) disponibilizam-se artigos de opinião, recensões e working papers sobre a actualidade política sendo, neste momento, também possível consultar o 30.º número da revista editada pelo respectivo centro de investigação. Os temas desta edição incluem vários artigos internacionais sobre as recentes "Revoltas no Norte de África e no Médio Oriente", para além de perspectivas históricas sobre "Os 'ventos da mudança' e a Descolonização".
Para ler o que é disponibilizado parcialmente ou em versão integral, basta ir aqui.
O Festival Internacional de Poesía de Medellín, na Colômbia, já completou o seu 21.º aniversário com a concretização de mais uma edição. Mas esta foi a primeira vez que integrou a Red Nuestra América de Festivales Internacionales de Poesía, adotando uma nova versão que incluiu uma homenagem ao "Espírito da Origem", associado à poesia africana.
De 2 a 9 de Julho de 2011, este reputado Festival voltou a reunir poetas oriundos da América do Sul mas também de outros continentes, para além de directores de Festivais congéneres, entre muitas mais actividades relacionadas com o ensino, escrita e difusão da Poesia. Participaram mais de 90 poetas de 50 nações de todos os continentes, destacando também neste ano a realização da 15.ª Escola de Poesia de Medellín e de um ciclo de cinema africano composto por 7 longas-metragens produzidas no Senegal, Mali, Burkina Faso e República Democrática do Congo.
Aqui é possível conhecer detalhadamente o programa da 21.ª edição do Festival Internacional de Poesía de Medellín e aqui a sua já longa história, desde a sua origem em 1991.
Africa through a lens is a set of thousands of images taken from a broader photographic collection of Foreign and Commonwealth Office images, held at The National Archives. Starting with some incredible early photographs from the 1860s, the images span over 100 years of African history. These images are now available, for the first time, to view online.
Continuar a ler aqui e para ver toda a coleção no flickr (onde as imagens surgem organizadas por países) basta navegar até aqui.
A gallerist at the Armory Art Show recently asked me what it was like to work with artists from developing regions of the world. I didn’t mind this question, but he did it while staring down at me with a look of pity, which felt like a condescending pat on the head. It may have been his healthy 6 foot height that made me feel that way, or it could have been his (mis)assumption of what it means to make art in regions considered “less established” than their North American or European counterparts. Either way, I surmise he was suggesting I had chosen the short straw.
Ironically, we were standing in front of a vast and elaborately interwoven tapestry made entirely of found bottle tops by world-renowned Ghanaian artist El Anatsui. Amongst the likes of William Kentridge and Marlene Dumas, El Anatsui is arguably one of the most prolific contemporary artists to come out of Africa. This made me smile—which soon turned to a full-fledged grin when I glanced over at its $500,000-plus price tag. There is something beautifully ironic about an artist who creates a work using found objects that, in essence, cost nothing, and then through ingenuity and the right positioning is able to enter the higher echelons of the global art market and find legitimization. This may sound vindictive, but I would prefer to think this admiration advocates that the resourcefulness and creativity of such an artwork is just inexplicably worthy.
Para continuar a ler "Art from the Developing World: Differently Indifferent", de Claire Breukel, basta clicar aqui.
FONDO DEL SOL Visual Arts Center is a non-profit, bilingual, community-based museum composed of artists, filmmakers, and educators, who share a common dedication to the art and cultural heritage of the people of the Americas and the great American Diaspora.
As 496 páginas editadas por Punam Chuhan-Pole e Manka Angwafo estão totalmente disponíveis via issuu, por aqui. Para saber mais sobre a publicação basta ir aqui.
This trendsetting Ethiopian-British performance poet gives his unique spin on the colonial gaze, wrapped in his characteristic wit and charm. Renowned poet and playwright. Lemn Sissay is currently artist in residence at The South Bank Centre... Ler mais por aqui.
Até 23 de Julho é possível ver na Delfina Foundation, em Londres, uma individual do artista egípcio Wael Shawky (a viver em Alexandria), dedicada à série Larvae Channel. A exposição enquadra-se no programa "Stop 3 - Alexandria", no qual se incluem diversos eventos relacionados com redes artísticas emergentes, assim como estratégias e projectos que exploram as recentes trajectórias social e cultural desta cidade mediterrânica.
Em Maputo já está a decorrer a 2.ª edição do KUGOMA: o Fórum de Cinema de Curta Metragem de Moçambique, que neste ano termina a 10 de Julho. O primeiro KUGOMA aconteceu entre os dias 10 e 14 de Novembro do ano passado, também na capital de Moçambique, e levou filmes, documentários e curtas metragens até às populações dos bairros.
Nesta edição de 2011 o KUGOMA conta com uma vasta programação de cinema de animação, seções dedicadas à Música, ao Futebol, a filmes para adultos, para adolescentes, além de diversas co-produções que permitem ter alinhamentos temáticos dentro do próprio festival ("Tão Perto, Tão Longe"/LX Filmes, Curtas Africanas, Festival Black & White, etc). Toda a programação, aqui.
Desde logo, a exposição "Fronteiras" (mostra central dos 8.os Encontros Fotográficos de Bamako, vinda do MALI) que, para além das mais de 700 pessoas na inauguração, já foi entretanto visitada por mais de 6.500 pessoas.
Hoje é o último dia da programação de espectáculos do PRÓXIMO FUTURO neste Verão de 2011: há um concerto único em Portugal dos Tshetsha Boys, Nozinja e DJ Spoko ("SHANGAAN ELECTRO") e a última oportunidade para assistir à avassaladora peça chilena "Villa+Discurso", de Guillermo Calderón, com as extraordinárias actrizes Carla Romero, Francisca Lewin e Macarena Zamudio (Compañia Playa).
Hoje, às 21h30, as actrizes Carla Romero, Francisca Lewin e Macarena Zamudio (Compañia Playa/CHILE) sobem ao palco da Sala Polivalente do CAM para a segunda de três apresentações únicas em Portugal da mais recente peça com dramaturgia e encenação do talentoso e premiado Guillermo Calderón:
A programação de espectáculos do PRÓXIMO FUTURO continua amanhã, às 19h00, com o concerto de Nozinja, Tshetsha Boys e DJ Spoko, que foram a revelação (a olhos ocidentais como os nossos) mais bombástica e fascinante da música de dança electrónica ao longo do último ano. A compilação ‘Shangaan Electro’ lançada pela editora britânica Honest Jons correu mundo e, tanto a nível de público como a nível de imprensa especializada, só colheu rasgados elogios. Os bilhetes, a 10 Eur cada, também podem ser adquiridos via on-line.
As actrizes de 'Villa+Discurso': Carla Romero, Francisca Lewin e Macarena Zamudio
ESTREIA ABSOLUTA em Portugal, hoje mesmo (às 19h00) na Gulbenkian, da mais recente peça da Companhia Playa (Chile), composta por duas partes e com encenação e dramaturgia de Guillermo Calderón (autor da inesquecível "Neva", que no ano passado esteve no Próximo Futuro): "VILLA + DISCURSO". E já pode adquirir os seus bilhetes via on-line, antes que esgotem!
A programação do PRÓXIMO FUTURO continua ainda hoje, mas às 22h00, com a exibição do filme "Africa United" (Reino Unido/Ruanda/África do Sul), da realizadora sul-africana Debs Gardner-Paterson, no écrãn gigante do Anfiteatro ao Ar Livre. Os bilhetes, a 3 Eur cada, também podem ser adquiridos via on-line.
