KUONA TRUST Center for Visual Arts in Nairobi, A Embaixada do Reino Unido e da Holanda em Nairobi, apresentam o trabalho final do artista Moçambicano que está em residência artística no Kenya.
A crise ambiental (ou ecológica) são resultados do agravamento da luta de classes. Estamos vivendo um momento histórico de agravamento dos sérios problemas ambientais no mundo. As diversas pesquisas divulgadas nos últimos anos comprovam que a relação do homem com a natureza tem sido extremamente predatória, nos levando a uma crise ecológica nunca vista antes, que além de afectar a dinâmica dos ecossistemas em todo o mundo, coloca em risco a própria manutenção da vida humana na Terra.LIVING ON THE EDGE OF THE WORLD é uma exposição individual do fotografo e videasta Moçambicano Mário Macilau. Uma exposição que integra fotografias em grande formato sobre a falha humana em relação ao tratamento do meio ambiente. A exposição será também composta por uma instalação adaptada que abrange novos vídeos e som ambiente gravados em Nairobi e produzidos pelo mesmo artista.
Hoy hablamos de mujeres que nos invitan a bailar para sobrellevar el calor de este verano y para compensar la entrada anterior, donde solo aparecieron hombres. Música sin mayores pretensiones.
Empezamos con Anbuley. Esta cantante nació en Austria donde sus padres, originarios de Ghana llegaron para estudiar. Creció escuchando las canciones ghanesas que sus progenitores le cantaban, lo que le hizo interesarse por sus raices. Pero fue a raíz de pasar varios años en el país de sus orígenes cuando su concepto de la música cambió. Gracias a ello, ahora podemos disfrutar de temas como este titulado Oleee.
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Nos mudamos a Nigeria con May7ven, que acaba de lanzar el tema Ten Ten (dance for mummy). Musica Azonto, el baile que arrasa en el continente en este momento. Me gusta la energía y fuerza que transmite esta artista. May7ven es un todoterreno: actriz, cantante, bailarina, productora... Le gusta mezclar el rap con rítmos africanos para producir temas tan interesantes como este que nos presenta a continuación.
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Saltamos ahora a Angola donde nos encontramos con Yola Araújo que nos presenta Bip Bip.El tipo de música que esta cantante hace se llama Kizomba y tiene un fondo de rhythm and blues. Su primer álbum, publicado en 2004, catapultó a Yola fuera de las fronteras de su país natal dandola a conocer en todo el continente. Aunque reside en Luanda, suele grabar sus discos en Europa, principalmente en Francia y Holanda.
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Para continuar a ler o artigo completo de Chema Caballero, basta "clickar" aqui.
A reabilitação de estruturas fabris desativadas e a sua integração nos tecidos urbanos com funções associadas a novas economias e novas industrias tem vindo a generalizar-se um pouco por todo o país Com esta iniciativa a Câmara Municipal de Santo Tirso pretende dar início a um processo de reflexão e de partilha sobre a utilidade, potencialidade e gestão destas estruturas, o seu futuro e o impacto que têm ao nível regional e nacional. Pretende-se igualmente dinamizar a cooperação com outras estruturas e projectos similares, nomeadamente as existentes no contexto europeu.
Nowadays, the design and fashion concepts are, directly linked to what happens in the capitalist countries. But, how can it be, to the African creators, who do not have the same resources as their American or European counterparts? It was on this issue (and not only!) that the debate of the African and Latin America Observatory addressed, entitled "The place of design and fashion in North Africa", held in May, at the Calouste Gulbenkian Foundation, in Lisbon, Portugal.
Little by little, fashion begins to grow in Africa. At least it is one of the conclusions that it is drawn from the conference "The place of design and fashion in North Africa", organized by the Africa and Latin America Observatory, which took place at the Calouste Gulbenkian Foundation, in Lisbon, Portugal, last May. Among the experts that were present was Mirian Tavares, from the Research Center for Arts and Communication in Faro, (Centro de Investigação em Artes e Comunicação de Faro), and Sandra Muendane, from the African Center for Development and Strategic Studies (Centro de Estudos sobre África e do Desenvolvimento). The first investigator held and presented an analysis to the photographic work of the Moroccan Majida Khattari, namely to the vision that she has about the role of the veil in the Muslim world and how she "uses photography, facilities and fashion shows as a provocation/ reflection" about it. Meaning, Khattari is inspired on the lives of Muslim women to design her work and thus "establish a dialogue between different cultures within her own culture". An art that includes a goal, according to Mirian Tavares: "to cause unrest and the desire to know more". Already in her speech at the conference, Sandra Muendane held a picture of the functionality of small workshops of African fashion. She has an architecture degree in fashion design from the Technical University of Lisbon (Universidade Técnica de Lisboa), and drew on her experience in parades, exhibitions, workshops and artist residencies in Africa and explained how the creators of this continent work. "The inspiration is the cultural, economic and political social environment in which one lives, because it has a direct effect on our actions", explained the also Mozambican designer, adding that the purpose for these designers is to create "a line of functional and commercial clothing (to sell) and/ or conceptual (to be commented)
Sandra Muendane also mentioned the fact that because there are hardly any institutes specialized in fashion teaching in the African territory, that means that many creators are self-taught or have only a technical training course in sewing. And to illustrate the work done in an atelier, the researcher portrayed a day in a ready-to-wear in South Africa. First the collections are drawn up, "which implies looking for trends and sketch making". Then the "existing materials, which are organized by country, color and gender” are adapted to make the molds, which "are then cut and sewn in the same atelier".
Pieces that attract the upper class The African designer’s creations are disclosed in fashions shows - there are several events, such as the Angola Fashion Business - salons, specialized magazines and even websites. And it is from there that they capture their main customers that, according to Sandra Muendane, belong to the "upper class, between 25 and 60 years old, or foreigners who want to know the African fashion". Sales are mostly made in the designers' own stores, where the prices are around "between 190 and 380 dollars" in the ready-to-ware. And one of the conclusions presented by Sandra Muendane is that fashion, despite being a business like any other, "also serves as an intervention vehicle, because their actors use their natural talent to communicate through design”.
Egypt and Tunisia revolutions on the agenda Fashion and design were not the only debated topics at Gulbenkian. The consequences of the revolutions in Egypt and Tunisia, both occurred in 2011, were also on the agenda of the conference of the Africa and Latin America Observatory. First, with the interventions from Susanne Kümper (German fashion designer) and Omar Nagati (Egyptian architect and urban planner), which have focused on Cairo contemporary fashion and in the ways that artistic and cultural expression are also displayed in the streets of Egypt’s capital, respectively. The aim was to show how these were influenced by the popular uprising of 2011, which put an end to the regime of Hosni Mubarak. And then, Nuno Coelho, communication designer and professor at the University of Coimbra, gave his semiotic perspective on the effects of the Arab spring in Tunisia, which took from the power President Ben Ali and open way to the first free elections in that country.
En medio de la ciudad de Tombuctú, al norte de Malí, se alza una casa de color salmón y líneas simples que en la última década ha guardado dentro un trozo de la historia de España. La que escribió y reunió la familia Kati: alrededor de 3.000 manuscritos del siglo XII en adelante entre los que hay desde tratados de ciencia a relatos sobre el exilio en África de decenas de escritores andalusíes. La entrada de los islamistas en marzo pasado ha causado ya estragos en las principales mezquitas de la ciudad y edificios religiosos, así como en tumbas y mausoleos considerados patrimonio mundial por la Unesco. (...)
A teacher at the Faculty of Fine Arts in Tunis and a cartoon fan, Nadia Khiari was so dismayed by the former Tunisian president Zine al-Abidine Ben Ali's response to the popular uprising in January 2011, she started drawing a cat commenting on current events. Her 'Willis from Tunis' series quickly became very popular.
When Bono edited the Africa issue of Vanity Fair, it included an essay written by Kenyan writer Binyavanga Wainaina. Through that, we became aware of another piece he'd written for Granta a number of years ago called "How (Not) to Write About Africa." Director Jesse Dylan and his company FreeForm worked with Binyavanga and the Beninois actor Djimon Hounsou to create this filmed performance of the essay. Thanks to W Hotels for the location and Kenyan musician Ayub Ogada for the music. Read the entire essay athttp://www.granta.com/Magazine/92/How-to-Write-About-Africa
Contributions from Jananne al-Ani, Francis Alÿs, Najwan Darwish, Emily Jacir,
Olaf Nicolai, Paul Noble, Khalil Rabah, Adania Shibli, Mark Titchner, Sharif Waked.
Co-produced by ArtSchool Palestine & Sharjah Art Foundation
Black Dog Publishing
Publication date: 26th July 2012
Paperback 160 pages 32 colour plus b/w ills 260 x 190 mm Price £19.95
"I read it in one breath. A cunning simplicity of writing the complexity of today’s Palestine, through the alleys, roads, streets, hills, valleys, days and evenings in and around Ramallah, charged me with love of the art of writing, of Palestine... You showed me my place and made me hear my story. I loved the piece without limits."Mourid Barghouti, Palestinian Poet and author of classics memoirs; I Saw Ramallah & I Was Born There, I Was Born Here.
In Ramallah, Running represents Guy Mannes-Abbott's uniquely personal encounter with Palestine, interweaving short, highly condensed texts with longer, exploratory essays at the place. International artists and prominent writers have responded to the texts with newly commissioned works.
The principal text is a series in 14 parts, alternating running within the limits of the city and walking out from it to, along, beyond and off limits, discovering how insidiously mobile those limits are under Occupation. With singular style and compelling force, Mannes-Abbott generates a very special intimacy with a rarely seen or experienced Palestine; the actual place itself, the people in their place.
Jean Fisher contributes a substantial introductory essay, while the poet and critic Najwan Darwish and novelist Adania Shibli have written further captivating responses. Visual contributions include a project linked to a pair of paintings by Francis Alÿs, drawings of stoney aridity with ambiguous structures by Paul Noble, and a searingly intimate journal-based piece by Emily Jacir.
Jananne al-Ani, Khalil Rabah and Mark Titchner contribute varying photography-based projects focused on the place and its relationship to the body and word. Olaf Nicolai contributes an angular text-based project and Sharif Waked highlights the abysmal ambiguities of the political context.
Special thanks are due to Charles Asprey, Zina Jardaneh and Rana Sadik.
En la Royal Academy de Londres se acaba de abrir la exposición Desde París: cierto regusto impresionista que sin duda hará las delicias de los visitantes de “Londres 2012”, por eso de que al público en general –expertos y no tanto- le encantan los Impresionistas. Sea como fuere, en este caso concreto la palabra mágica que despierta la curiosidad y alimenta las colas, “impresionismo”, tiene mucho de reclamo, ya que además de Degas, Monet o Renoir, en la muestra organizada junto al Clark Art Institute, se han colado obras que tienen poco de “impresionistas”, a pesar de que en esta muestra se tome la cuestión un poco por los pelos, reflexionando –se explica- sobre las pasiones de los artistas del movimientos hacia los temas relacionados con el “orientalismo”. Pero, ¿qué queremos decir con el término en el contexto del XIX parisino y hasta qué punto sigue sin enfrentarse críticamente a lo largo del XX, sigue englobando demasiadas propuestas que poco o nada tienen que ver unas con otras? Un caso paradigmático de esos malentendidos, tan arraigados en el XIX, es el fabuloso cuadro del realista Gêrome, El encantador de serpientes, que se exhibe en la muestra y que en su visión colonialista plantea todas las contradicciones que surgen del propio término en éste y en otros discursos desde Occidente. Ahí está el joven, con la serpiente alrededor de su cuerpo desnudo, observado por un grupo que le convierte en parte del exotismo implícito en lo que se escenifica para ser mirado. Redundancia de miradas que aparece sin cesar en las obras de Gêrome –incluidas las de harenes- y que reenvía a una hipotética mirada occidental que, desde una posición de superioridad en la historia que se cuenta desde París, observa las escenas “primitivas” desde fuera, sin contaminarse, con curiosidad, sumergida en la lógica del espectáculo.En el suelo y las paredes se dibujan con la precisión de un collage de deseo las ricas decoraciones que, observadas con detenimiento, pertenecen a culturas diferentes, otra vez reunidas por la mirada del viajero occidental que en la leyenda que más circula es capaz de apreciar lo quizás pasa inadvertido para los autóctonos. Pero, ¿autóctonos de dónde, si en los cuadros de Gêrome los estilos y los detalles se mezclan, si todo se convierte, sencillamente, en otredad, en invención, en “oriental” -que es decir nada de mucho? Esta era la reivindicación del célebre texto de Edward Said, Orientalismo , de finales de los años 70 del XX, en cual el autor y académico norteamericano comentaba cómo en el siglo XIX, desde Europa, Oriente era todo aquello que no era Occidente. Así que cabía todo: el mundo japonés que interesó a los Impresionistas, Egipto o hasta España o Rusia –como comenta Gertrude Stein en su célebre texto sobre Picasso del 1939. Todo se mezcla en la inveosímil fantasía de harén que nadie sabe dónde empieza ni acaba, pero que impregna las imaginaciones hasta bien entrado el XX. Ahora, al volver a mirar el cuadro en la exposición de Londres, recuerdo de pronto cómo la edición inglesa del texto que manejé, hace ya muchos años, tenía de portada esta misma imagen de Gêrome que, vista en el curioso “contexto impresionista” que propicia la Royal Academy, vuelve a despertar mis recelos respecto al término mismo y sus usos. Tal vez por este motivo, por cierto regusto hacia lo “exótico oriental”, lo lejano, lo otro, que sigue intrigando pese a todo, me parece tan interesante la propuesta que la Fundación Miró de Barcelona presenta para la exposición de Mona Hatoum, la artista de origen palestino y nacida den Beirut, aunque exilada en Londres tras sorprenderla allí el estallido de la guerra del Líbano. De hecho, si Hatoum se suele leer con frecuencia unida a la noción de exilio y hasta a ciertas connotaciones geopolíticas relacionadas con la idea del país lejano, culturalmente hablando, de la imposibilidad de volver, de las raíces perdidas y vueltas a narrar -como propone Measures of Distance (1988), un trabajo en el cual, tras la una especie de metafórica cortina de ducha se muestra el cuerpo desnudo y cubierto por los caracteres árabes, las cartas de la madre que se van traduciendo-, en la exposición comisariada por Martina Millà se enfatiza otra posible lectura de la artista, más relacionada con la vanguardia occidental, que prueba el doble origen de Hatoum, ese doble origen que a menudo se suele obviar en favor de sus prácticas más “orientalistas”, las que en el fondo va buscando la avidez de Occidente también en los artistas actuales. La muestra Proyección de Mona Hatoum, ganadora del prestigioso premio Joan Miró -concedido por la Fundación Joan Miró y la Obra Social “la Caixa” y cuya dotación de 70.000 euros ha donado para ayudar a jóvenes artistas a estudiar en la University of the Arts en Londres- desvela de forma clara lo que ocurre con los artistas provenientes de otras culturas e instalados en Occidente: su doble pertenencia, sus dobles influencias. No faltan en la muestra de la Joan Miró alusiones a esa geopolítica, como ocurre en las cartografías o en Bukhara (2009), mapa desdibujado sobre una alfombra “persa”. Sin embargo, el malentendido dura poco, pues la alfombra “persa” se convierte de repente en Turbulence (2012) , la impresionante alfombra de canicas de diferentes medidas, un prodigioso malentendido que poco o nada tiene que ver con lo previsible y el origen: si la pisáramos perderíamos el equilibrio, rodaríamos. Así que ahí están en los dos extremos Gêrome y Hatoum, redefiniendo unas historias que buscan en el caso de Londres refrendar la inercia de la historia y en el de Barcelona quebrarla, igual que ese suelo de canicas que rueda y rueda en una increible metáfora de la transformación.
The West African metropolis has surpassed Cairo in size, according to the New York Times. In a celebration of Lagos and African urbanization, the Financial Times ran a piece by Xan Rice highlighting Nigeria's commercial capital's size, its economic importance, and its government's energy in addressing concrete urban problems. The UN estimated the city's population at 11.2 million in 2011. The New York Times estimates that it is now at least twenty-one million, surpassing Cairo as Africa's largest city. It is clear that whatever the size, and however the city is defined, Lagos is the center of one of the largest urban areas in the world. With a population of perhaps 1.4 million as recently as 1970, its growth has been stupendous. Rice estimates that Lagos generates about a quarter of Nigeria's total gross domestic product. The center of Nigeria's modern economy, Lagos has many millionaires, but Rice estimates that two thirds of the population are slum dwellers. Lagos is fortunate in that one energetic governor, Babatunde Fashola, succeeded another, Bola Tinubu. Tax revenue now exceeds $92m per month, up from $3.7m per month in 1999. Fashola says that tax rates have not increased--but clearly enforcement has. Tax collection, in a system that recalls tax farming in the New Testament or under Louis XIV, is apparently performed by a private company with links to Tinubu. The company retains 10 percent of all revenue collected over a certain threshold (at present, $43m per month). With the revenue, Fashola has launched genuinely impressive transportation and sanitation initiatives that range from construction of a city rail network, bus lanes, and filling potholes to more efficient trash collection. The energy and other initiatives implemented by the city government are in stark contrast to the poor governance and paralysis that characterizes most of the rest of Nigeria. Meanwhile, the city continues to grow explosively. If jobs in the modern economy are to be found, it will require substantial new investment in education. Nationwide, there has been remarkably little for a generation, with the exception of the rapid expansion of the university system--itself underfunded. But, Lagos illustrates what is possible when the government enters into a social contract with its citizens whereby in return for taxes, it provides services.
Regarded as the father of Egyptian caricature, George Bahgoury's political cartoons have featured in Arabic newspapers for decades. Born in Luxor in Upper Egypt, he has lived in Paris since 1970. Here he discusses his life and work, and the problems of being an artist in post-revolutionary Egypt.
El padre de Toumani Diabaté tocaba la kora. Y el padre de su padre también. E incluso multiplicando por 71 generaciones de progenitores la frase seguiría siendo cierta. Cuando Djelimady Waulé, el primer antepasado artista del músico africano, ató su destino al de este instrumento de cuerdas, Cristóbal Colón aún no había emprendido el viaje erróneo más afortunado de la historia. Siete siglos separan Diabaté de Waulé pero ambos comparten una estrella polar. “Para mí la kora es todo. Es mi historia. Le debo lo que como, la ropa que llevo, mi casa”, asegura Diabaté. Y a su fiel aliada le debe mucho también A curva da cintura. Así se llama el álbum que el maliense acaba de componer junto con los músicos brasileños Arnaldo Antunes y Edgard Scandurra, en una colaboración transoceánica que podrá escucharse en directo hoy en Barcelona y mañana en Madrid. “Es un encuentro mágico entre la música de Malí y la de Brasil”, resume Antunes el fruto de está fusión internacional. El big bang de un universo poblado de tambores y cantos africanos, guitarras y melodías brasileñas estalló en 2010 en Río de Janeiro. “No nos conocíamos de nada y nos propusieron que tocáramos juntos en un festival. Solo tuvimos un ensayo al día anterior pero fue maravilloso”, cuenta un entusiasta Antunes. Y Diabaté remata: “Su música me tocó. Solo eran la voz de Arnaldo, dos guitarras y un percusionista pero tenía mucha fuerza”. Tanto que el maliense se puso a improvisar sobre la marcha. Y, según cuentan los tres (entre inglés, español, portugués y muchas sonrisas), todo encajó. De ahí que el flechazo carioca se transformara en luna de miel en el corazón de África. Diabaté invitó a los dos músicos a Malí. Y tras 10 días en Bamako, A curva da cintura ya era realidad. Gracias a su talento, de acuerdo. Gracias a la kora, faltaría más. Pero gracias también y sobre todo a un aliado precioso. “Por el día íbamos a dar vueltas por la ciudad. A las 22.00 nos metíamos en el estudio para grabar. Toumani nos daba un té verde que te hacía estar despierto hasta las cinco de la madrugada”, cuenta Scandurra. De esas noches insomnes salió un álbum de ritmos y coros, para bailar o para escuchar, como recomienda Diabaté, durante un viaje en coche: “Es 50% Malí y 50% Brasil. Es una fusión que crea algo distinto, que jamás se había hecho antes, pero donde las partes no pierden su esencia y cada uno defiende su país”. Aunque, más allá de etiquetas y adjetivos, en el fondo lo que se hace de Malí a Brasil, pasando por cualquier otra esquina del planeta, solo tiene una definición. “Te puede no gustar el jazz, o el house o el género que sea. Pero nadie puede decir: ‘No me gusta la música”, asegura Diabaté. Decir que a él le encanta sería un eufemismo. Para el maliense, la música es igual de importante que la religión o la medicina: “Une a la gente. En un concierto ricos y pobres están juntos y experimentan las mismas sensaciones”. Lo que siente en cambio Diabaté respecto a su país es mucha tristeza. Más allá de ser uno de los Estados más pobres del planeta, Malí sufre desde enero una rebelión de independistas e islamistas, apoyados por Al Qaeda, que ha llegado a autoproclamar un estado independiente del Norte. “Son unos terroristas. Ya hay 300.000 desplazados en todo el país. Y ahora llega la estación de las lluvias y la gente no tiene nada”, se lamenta el músico. Y, acto seguido, anima a cualquier español que quiera ayudar a acudir a la embajada de Malí. Los que quieran acudir a sus conciertos en cambio escucharán el sonido de un árbol genealógico que, desde 1300, nutre sus raíces con las mismas melodías. Tanto que el hijo de Diabaté, de 20 años, también se ha hecho músico. Sobra decir de qué instrumento. Baste con un indicio: ya van 72 generaciones.
Este músico guineense griot propõe um concerto que é representativo da combinação da música tradicional mandinga da Guiné-Bissau com a música actual. O reportório musical projeta-se por um conjunto de músicas que nos falam sobre África, suas problemáticas, seus valores e vicissitudes, homenageando sempre o povo, a alma e o espírito africano de hoje e de ontem. Num concerto representativo da música tradicional mandinga da Guiné-Bissau, Kimi Djabaté vai tocar temas dos dois álbuns já editados, “Teriké” (2005) e “Karam” (2009, que mereceu o 2º lugar na World Music Charts Europe), assim como outros temas que ainda não foram editados. Pretende-se apresentar um concerto alternando entre momentos musicais, que contagiam pelo vigoroso ritmo, e por um estilo mais contemplativo enaltecido através de projeções de vídeo, com imagens sobre a aldeia de Tabato, o berço do músico guineense. Em certos momentos do concerto, Kimi Djabaté vai chamar ao palco outros músicos - seus familiares - que, em conjunto, irão cantar e nobilitar a riqueza da tradição mandinga.
KIMI DJABATÉ (Guiné-Bissau, 1975) é um músico guineense, atualmente a residir em Lisboa. É considerado uma das ligações contemporâneas à preciosa herança da música tradicional griot, que emerge com seus ancestrais na região ocidental de África. A vocação e a primazia na aprendizagem em música tradicional Mandinga fez com que se interessasse, também, por outros estilos musicais como a dança local gumbé, o afrobeat nigeriano, a morna de Cabo Verde e o jazz e o blues americano. Este conhecimento influenciou, anos mais tarde, as composições musicais de que é autor e compositor.
“El año en que nací” parte do mesmo conceito da obra “Mi vida después”. Jovens nascidos durante a ditadura reconstroem a juventude dos seus pais, a partir de fotos, cartas, gravações, roupas usadas, histórias e memórias apagadas. «Como era o meu país quando eu nasci? Como eram os meus pais na época? Quantas versões existem sobre o que aconteceu quando eu era jovem, pois eu não me lembro?» são as perguntas deles. “Mi vida después” foi criado na Argentina, em 2009, e apresentado em Santiago a Mil, em 2011. Em paralelo às apresentações, realizou-se um workshop com o mesmo conceito da obra: apresentar um álbum de biografias fascinantes, de modo a perceber a história recente do Chile. Para a edição de Santiago a Mil de 2012, o grupo de jovens chilenos que fizeram este workshop, liderado por Lola Arias, reconstruiram a história das gerações nascidas durante a ditadura de Pinochet, a partir de suas próprias memórias e documentos.
LOLA ARIAS (Argentina, 1976) é escritora, encenadora de teatro, atriz e cantora na Argentina. Os seus últimos trabalhos foram realizados na Alemanha (“Familienbande”, 2009, e “That Enemy Within”, 2010). Junto com Ulises Conti, compõe e toca música ao vivo. Já gravou dois álbuns (“El amor es un francotirador“, 2008, e “Los que no duermen”, 2011). Publicou “Los posnucleares” (relatos, Emecé), a trilogía teatral “Striptease” / “Sueño con revólver” / “El amor es un francotirador” (Entropia), “Poses para dormir” (drama, Entropia), “Mi nombre cuando yo ya no exista” (teatro, Cierto Pez), “La escuálida familia” (teatro, Libros del Rojas) e “Las impúdicas en el paraíso” (poesia, Tsé-Tsé). A sua obra foi representada em vários festivais internacionais, como Avignon, Festival In Transit de Berlim, Theater Spektakel Zurich e no Spielart Munich.
Med Fusion é uma banda musical fortemente marcada pela revolução tunisina, a chamada revolução do Jasmim, iniciada em fevereiro de 2011. Desde então, não pararam de contagiar o público com os seus ritmos vibrantes e com as harmonias do Norte de África. Numa perfeita relação entre instrumentos tradicionais magrebinos e instrumentos modernos, estes músicos, graduados no Instituto Superior de Música de Sfax (Tunísia), falam sobre temas sociais e políticos e convidam-nos a uma viagem dançante pela alegria e pela celebração. Com uma forte influência da herança mediterrânica, a canção e a melodia têm especial importância, bem como as improvisações instrumentais exuberantes, em particular na secção rítmica. É em tom de homenagem às pessoas que fizeram a revolução, que os Med Fusion dão nome ao seu álbum de 2011 “Parfum du Jasmin”.
MED FUSION (Tunísia, 2007) é uma orquestra que sofre a herança da música mediterrânica, surgindo como repertório tocado pela banda, os seus arranjos contemporâneos e as improvisações, também aspetos característicos do projeto. A orquestra é composta por uma combinação de instrumentos tradicionais árabes (quanou, flauta) e por instrumentos modernos (bateria, baixo elétrico). O grupo atribui muita importância à escolha do repertório, falando de patriotismo e abordando temas sociais e políticos. O seu recente álbum, “Parfum de Jasmin”, é composto por canções originais, assim como por outras do repertório tunisino e mediterrânico. Músicas de jazz, blues, tradicionais são introduzidas suavemente e incluem ainda improvisações da flauta árabe, violino e piano, às vezes tonal, modal, por vezes em ritmos muito variados e, às vezes, tunisinos ou ocidentais.
“El año en que nací” parte do mesmo conceito da obra “Mi vida después”. Jovens nascidos durante a ditadura reconstroem a juventude dos seus pais, a partir de fotos, cartas, gravações, roupas usadas, histórias e memórias apagadas.
«Como era o meu país quando eu nasci? Como eram os meus pais na época? Quantas versões existem sobre o que aconteceu quando eu era jovem, pois eu não me lembro?» são as perguntas deles. “Mi vida después” foi criado na Argentina, em 2009, e apresentado em Santiago a Mil, em 2011. Em paralelo às apresentações, realizou-se um workshop com o mesmo conceito da obra: apresentar um álbum de biografias fascinantes, de modo a perceber a história recente do Chile. Para a edição de Santiago a Mil de 2012, o grupo de jovens chilenos que fizeram este workshop, liderado por Lola Arias, reconstruiram a história das gerações nascidas durante a ditadura de Pinochet, a partir de suas próprias memórias e documentos.
LOLA ARIAS (Argentina, 1976) é escritora, encenadora de teatro, atriz e cantora na Argentina. Os seus últimos trabalhos foram realizados na Alemanha (“Familienbande”, 2009, e “That Enemy Within”, 2010). Junto com Ulises Conti, compõe e toca música ao vivo. Já gravou dois álbuns (“El amor es un francotirador“, 2008, e “Los que no duermen”, 2011). Publicou “Los posnucleares” (relatos, Emecé), a trilogía teatral “Striptease” / “Sueño con revólver” / “El amor es un francotirador” (Entropia), “Poses para dormir” (drama, Entropia), “Mi nombre cuando yo ya no exista” (teatro, Cierto Pez), “La escuálida familia” (teatro, Libros del Rojas) e “Las impúdicas en el paraíso” (poesia, Tsé-Tsé). A sua obra foi representada em vários festivais internacionais, como Avignon, Festival In Transit de Berlim, Theater Spektakel Zurich e no Spielart Munich.
Este músico guineense griot propõe um concerto que é representativo da combinação da música tradicional mandinga da Guiné-Bissau com a música actual. O reportório musical projeta-se por um conjunto de músicas que nos falam sobre África, suas problemáticas, seus valores e vicissitudes, homenageando sempre o povo, a alma e o espírito africano de hoje e de ontem. Num concerto representativo da música tradicional mandinga da Guiné-Bissau, Kimi Djabaté vai tocar temas dos dois álbuns já editados, “Teriké” (2005) e “Karam” (2009, que mereceu o 2º lugar na World Music Charts Europe), assim como outros temas que ainda não foram editados. Pretende-se apresentar um concerto alternando entre momentos musicais, que contagiam pelo vigoroso ritmo, e por um estilo mais contemplativo enaltecido através de projeções de vídeo, com imagens sobre a aldeia de Tabato, o berço do músico guineense. Em certos momentos do concerto, Kimi Djabaté vai chamar ao palco outros músicos - seus familiares - que, em conjunto, irão cantar e nobilitar a riqueza da tradição mandinga.
KIMI DJABATÉ (Guiné-Bissau, 1975) é um músico guineense, atualmente a residir em Lisboa. É considerado uma das ligações contemporâneas à preciosa herança da música tradicional griot, que emerge com seus ancestrais na região ocidental de África. A vocação e a primazia na aprendizagem em música tradicional Mandinga fez com que se interessasse, também, por outros estilos musicais como a dança local gumbé, o afrobeat nigeriano, a morna de Cabo Verde e o jazz e o blues americano. Este conhecimento influenciou, anos mais tarde, as composições musicais de que é autor e compositor.
No Chile, a três mil metros de altitude, astrónomos de todo o mundo reúnem-se no deserto de Atacama para observarem as estrelas. No deserto, o céu é tão translúcido que lhes permite ver até aos limites do universo. É também um sítio onde o intenso calor do sol mantém os restos humanos intactos: múmias, exploradores, mineiros mas também os restos mortais dos presos políticos da ditadura. Enquanto os astrónomos examinam as distantes galáxias em busca da provável vida extraterrestre, no sopé dos observatórios, as mulheres vão cavando o solo do deserto em busca dos parentes desaparecidos.
En 2001, los talibanes afganos dinamitaron dos gigantescas estatuas de Buda en Bamiyan. Aquellas imágenes reflejaron cómo actúan los fanáticos islamistas contra el patrimonio cultural y el sentido histórico. Las presiones internacionales no lograron evitarlo, sino que llevaron a los talibanes a convertir su criminal acción en un acto de propaganda global.
Ahora este afán destructor ha llegado a la ciudad de los 333 santos, Tombuctú, de la mano de Ansar Dine (Defensores de la Fe), un movimiento tuareg. Ansar Dine, que ocupó el norte de Malí con un grupo independentista que posteriormente expulsó, pretende imponer una interpretación estricta de la sharía, la ley islámica según la cual no se debe construir nada sobre las tumbas. De ahí que hayan destruido al menos ya 7 de los 16 mausoleos existentes en la ciudad, y piensen en derrumbar también las tumbas de la dinastía de los Askia en la región de Gao.
De poco habrá servido que el pasado jueves los ministros de la Unesco reunidos en San Petersburgo incluyeran a Tombuctú entre los patrimonios culturales en peligro, un instrumento con poca efectividad ante la guerra y el fanatismo. La destrucción ha proseguido, incluida la famosa puerta de la mezquita de Sidi Yahia, que, según la leyenda, el día que se abriera habría una desgracia. Es una profecía autocumplida, pues la desgracia no es otra que este vandalismo cultural, dictado, según estos extremistas, por una “orden divina”.
Como pide la Unesco ante estos “actos repugnantes”, también deben los musulmanes contribuir a la salvación de este patrimonio, a través de la Organización Islámica para la Educación, la Cultura y la Ciencia y la Organización de la Cooperación Islámica.
Tombuctú, centro universitario islámico de enorme proyección hace siglos, tiene millares de manuscritos antiguos, algunos de ellos preislámicos. Afortunadamente en este caso, parece que están en manos de familias de la ciudad que los guardan celosamente.
Es necesario ayudar al Gobierno de Malí a recuperar estos territorios, con urgencia, por razones geopolíticas, pero también culturales. Aunque el daño está hecho.
