Ciclo de Cinema Moçambicano em Lisboa

in Lisboa Intercultural

Pós-Graduação em Islão contemporâneo, culturas e Sociedades

A pós-graduação envolve o Departamento Antropologia da FCSH-UNL, o Centro em Rede de Investigação em Antropologia (Linha Cultura: Práticas, Políticas e Exibições/ NECI-Núcleo de Estudos em Contextos Islâmicos) e o Instituto de Línguas da Universidade Nova de Lisboa (ILNOVA). Conta com diversos conferencistas nacionais e estrangeiros, em articulação com o programa Próximo Futuro da Fundação Calouste Gulbenkian e com o ciclo de cinema produzido em contextos árabes e muçulmanos –  ﻋﻳﻥ /Olhar – organizado pelo NECI/CRIA.

Público Alvo

Investigadores em ciências sociais e humanas e estudos comparativistas, membros de organizações governamentais em contextos maioritaria ou minoritariamente islâmicos, organizações governamentais e outros agentes nas áreas das relações interculturais nacionais e internacionais, agentes na área da saúde, membros do corpo diplomático, agentes do património e de gestão e animação cultural, professores, jornalistas.

Pós-Graduação em Islão contemporâneo, culturas e Sociedades

Duração: 2 semestres

Horário Pós-laboral

Propinas: 1000 euros

Vagas: 25

Contactos

[email protected]

Número de créditos: 60 créditos

Local de funcionamento:

FCSH-UNL Av. Berna 26-C / 1069-061 Lisboa 

Fundação Calouste Gulbenkian

Candidaturas:

28 Maio a 20 Julho e 10 a 18 Setembro (vagas sobrantes)

Mais informações em:

http://www.fcsh.unl.pt/futuro-aluno/pos-graduacoes

Pós-Graduação em Islão contemporâneo, culturas e Sociedades

Call for Applications for Program Manager at Khoj International Artists' Association

ARThinkSouthAsia invites applications for the position of a Project Manager, based in New Delhi, India. You will report directly to the Director, Pooja Sood.

Responsibilities:

Plan and co-ordinate the successful planning and implementation of ARThinksouthAsia’s flagship 2-week residential workshop programme in Delhi and master class and short courses to take place in India and South Asia

Manage all practical arrangements for the programmes from conception to final realisation in close co-ordination with the Project Director

Prepare budgets, applications and study material. Handle communications, coordination of logistical arrangements, as well as liaising with vendors, partner institutions, faculty and participants

Requirements include:

Prior work experience in cultural management or related fields

Masters or Bachelors degree in relevant fields

Co-ordination, planning and organisational skills with an eye for detais

Excellent communication skills, both written and oral in English, basic knowledge of Hindi

Needs to travel when necessary

Deadline:  June 15, 2012

Find all the details online.

in On The Move.

Coleção Itaú de Fotografia Brasileira

Exposição no Paço Imperial apresenta obras realizadas nos últimos 60 anos.

O Itaú Unibanco, o Itaú Cultural e o Paço Imperial apresentam, a partir de 1º de junho, a exposição Coleção Itaú de Fotografia Brasileira. Com curadoria de Eder Chiodetto, a mostra exibe obras pertencentes ao Acervo Banco Itaú.

Criado há quase um século pelos fundadores do Banco Itaú S.A., o acervo conta hoje com 12 mil obras, entre pinturas, gravuras, esculturas, fotografias, instalações e peças das coleções Itaú Numismática e Brasiliana Itaú. Esse importante conjunto, que é gerenciado pelo Itaú Cultural, cobre toda a história da arte brasileira, com peças referenciais de cada movimento e estilo.

“Nesta mostra, um recorte da Coleção Itaú de Fotografia com obras realizadas nos últimos 60 anos, optou-se por reunir as obras experimentais dos fotoclubes com trabalhos contemporâneos, estabelecendo um espelhamento lúdico. Relações formais, mas sobretudo uma semelhante atitude libertária diante da representação fotográfica, ecoam entre os dois tempos. Salienta-se assim que a evolução de uma linguagem não se dá de forma linear, mas em vertiginosas espirais desenhadas pelo tempo e pela cultura”, afirma Eder Chiodetto.

A exposição é fruto de uma parceria entre o Itaú Cultural e o Paço Imperial, que já proporcionou a realização de inúmeras exposições, graças ao alinhamento da missão das instituições ao fomentar e difundir o cenário artístico nacional.

Coleção Itaú de Fotografia Brasileira

sexta 1º de junho a domingo 5 de agosto

terça a domingo 12h às 18h

in Iatú Cultural

Passe Próximo Futuro

Passe Próximo Futuro

Preçário / Prices

Compra de entradas 

Purchase of tickets

Concerto Inaugural/ Opening Concert   Emel Mathlouthi - €12**                                                                                     

Sessões de Cinema / Film sessions - €3***

Teatro/Theatre Praga - €5*

Teatro/Theatre “Gladys” - €15*

Concerto/Concert Med Fusion Orchester -  €12**

Teatro/ Theatre “El año en que nací” - €15*

Concerto/Concert  Kimi Djabaté - €12**

Teatro/Theatre “Bait Man” - €15*

Concerto/Concert Chelpa Ferro + Pedro Tudela - €12**

Festa da Literatura e do Pensamento do Norte de África / Festival Of Literature And Thought Of North Africa – Entrada livre / Free Admission

Peça/Instalação / Play/Installation  (Daniela Thomas) – Entrada livre / Free admission

Tenda – Entrada livre / Free admission

Concerto/Concert “Inuksuit” – Entrada livre / Free admission

* Espetáculos de teatro para maiores de 12 anos

** Espetáculos de música para maiores de 4 anos

*** Sessões de cinema para maiores de 12 anos

Entrada gratuita para jovens até aos 10 anos no Teatro Praga

Entrada livre – não é necessário levantamento de bilhetes

*Theatre performances open to people aged 12

**Music performances open to people aged over 4 

***Film sessions open to people aged over 12

Theater Praga: Free admission for young people aged under 10

Free admission – no need to lift tickets

Passes / Subscriptions

Haverá à venda na Fundação um Passe “Próximo Futuro” que contemplará todos os espetáculos do Programa “Próximo Futuro” que decorrerão entre 22 de junho a 8 de julho 2012, com um preço fixo de: €46.80 (desconto de 60%). A data de início de compra da assinatura é dia 12 de maio até à data limite de dia 21 de junho. / There will be on sale at the Foundation a Subscription “Próximo Futuro” that will include all shows of the Program "Next Future" to be held from June 22 to July 8, 2012, with a fixed price of: €46.80. The first day for the subscription purchase is May 12 and the deadline for the subscription purchase is June 21.

Passes sujeitos à disponibilidade existente / subscriptions subject to availability.

Bilhetes avulsos / Single tickets

Os bilhetes podem ser comprados em qualquer bilheteira da Fundação ou através do site da Fundação a partir de dia 12 de maio, exceto para a venda de passes, que deverá ser feita apenas nas bilheteiras da Fundação (compras online não obrigam a levantamento de bilhetes, apenas será necessário imprimir o bilhete em formato PDF e apresentá-lo à entrada do espetáculo). / Tickets can be purchased at any of the Foundation’s ticket offices or through the Foundation’s website, starting from may 12,except for  the sale of subscriptions which should be done only at the Foundation’s ticket offices (online shopping does not require lifting tickets, you only need to print the ticket in PDF format and submit it at the entrance of the show).

Na hora que precede o início de cada espetáculo só serão vendidos bilhetes para o próprio dia./ In the hour preceding the beginning of each show, tickets will be sold only for that day.

A venda de bilhetes para o Teatro do Bairro poderá ser sempre realizada através da Fundação e/ou, do Teatro do Bairro, neste caso uma hora antes do início do espetáculo. / Ticket sales for the Teatro do Bairro can always be held at the Foundation and / or, at the Teatro do Bairro, in this case, one hour prior to the show.

Descontos / Discounts

Desconto de 30% / Discount of 30% - Maiores de 65 anos / over 65 years old

Desconto de 50% / Discount of 50% - Jovens até aos 25 anos / people aged under 25 years old

Descontos não acumuláveis / Discounts not cumulative

Sessões de Cinema / Film sessions – Preço único/ Single price

www.bilheteira.gulbenkian.pt

Informações / Information

[email protected]

Tel. (+351) 217 823 529

www.proximofuturo.gulbenkian.pt 

Programa sujeito a alterações

This programme may be changed without prior notice

Notas/Notes: Entrada para todos os espetáculos deve fazer-se pela porta da Rua Dr. Nicolau de Bettencourt, exceto para os espetáculos realizados no Grande Auditório - FCG, que se deverá fazer ou pela entrada do edifício central ou pela porta do “Jardim das Rosas”. / Entry to all shows should be made through the door next to Street Dr. Nicolau de Bettencourt, except for performances held in the Grande Auditório - FCG, which should be done either through the main building entrance or through the door next to the "Jardim das Rosas / Roses Garden".

BILHETEIRA / INFORMAÇÕES

TICKET OFFICE / INFORMATION

Bilheteira / Ticket Office 

• Fundação Calouste Gulbenkian 

Avenida de Berna 45 A - 1067-001 Lisboa 

2ª a 6ª: 10:00 – 19:00

Tel. (+351) 21 782 3700

• Centro de Arte Moderna José de Azeredo Perdigão

Rua Dr. Nicolau de Bettencourt - 1050-078 Lisboa 

3ª a domingo / Sunday: 10:00 – 18:00

Tel. (+351) 21 782 3474/83

e uma hora antes do início dos espetáculos.

and one hour before the start of evening performances.

Celebrating Marriage, Ancestors and Spirits, With Skips, Swivels and Twists

“Don’t be all stiff” was one of many instructions that Chuck Davis issued to the audience at the Brooklyn Academy of Music on Friday. At DanceAfrica, the festival that Mr. Davis has been running for 35 years, audience behavior — down to the mandatory hugging of strangers — is as important as anything that happens onstage. But the instruction is theater. A DanceAfrica audience needs no reminder to loosen up.

Neither do the dancers. United African Dance Troupe, from Queens, set the right tone with “Remember to Love,” a series of Malian and South African dances celebrating marriage. The troupe’s children skipped onstage singing, holding tin cans that they beat together and passed between legs in a fast jumping-jacks sequence. Their elders came on with scarves and strutted their stuff in pairs. The company looked amateur in the best sense, dancing neighbors giving their irresistible all.

At the beginning of the next section, an annual memorial to those who have “made the transition to the ancestral grounds,” Leslie Adjetey Klufio, from the Adanfo Ensemble, was both spectacular and subtle in the way that he added a shoulder roll or a twist of his body at the crest of a jump.

The BAM/Restoration DanceAfrica Ensemble gave its best performance in recent memory. “Tribal Fusion,” choreographed by Youssoff Koumbassa and Karen Thornton Daniels, was an artful composition, with successive trios picking up a swivel and altering it. The whole company was on fire, but what Kishana Flenory did with the movement amounted to incineration.

African drums thundered, a tuba laid down a bass line, and the Washington group Farafina Kan: The Sound of Africa became “Farafina Funkdified.” The dancers responded to the hybrid with the equivalent of sticking in a knife and smiling as they twisted it; such pain was a pleasure.

The energy flagged a bit with the Adanfo Ensemble, from Syracuse. Three men in drag gyrated their hips at high speed: the paunchy Christian Kutte a goofy clown, Mr. Klufio a sexier vision. An ensemble warrior dance of the Ewe-speaking people, despite flashes of spirit, was almost desultory in its severity.

The solo sections of “Fume Fume,” a program note explained, originally represented possession by spirits. Here Eric Ansuade did flips and splits and a handstand. He juggled rings and hats with masterly aplomb. He made water disappear and reappear. It was African vaudeville.

in The New York Times

 DanceAfrica Festival

Cubismo pop a la brasileña

Romero Britto tenía ocho años cuando comenzó a pintar sobre hojas del periódico de Pernambuco de su Recife natal. Se topó con el cubismo a los 20, de paso por Europa, y con el arte pop en Estados Unidos, donde hoy vive. En las últimas dos décadas ha expuesto sus pinturas y esculturas en más de 100 galerías y museos de todo el mundo. Ha retratado a Keneddy, a Bush padre, a Clinton y a Lady Di. Incluso, a los reyes Juan Carlos y Sofía y a la infanta Leonor. Por primera vez, la obra de este referente del cubismo neo-pop tiene su rincón en Madrid.

Se trata de la Pop Gallery 11 (Maldonado 11), donde esta semana se ha inaugurado la exposición permanente enteramente dedicada al artista brasileño: son más de 20 cuadros, 30 esculturas y varias decenas de objetos. Estos últimos, que van desde tazas, bolsos y termos hasta relojes, paraguas y floreros, son detalles de los cuadros vueltos objetos, se venden a precios accesibles y responden a una de las máximas del trabajo de Britto: permitir que su arte llegue a la mayor cantidad de manos posibles.

La misma lógica funciona para su arte en gran formato. Tres de sus obras más célebres, The Big Apple, emplazada en el aeropuerto John Fitzgerald Kennedy de Nueva York, la recreación de la pirámide de Guiza en el Hyde Park de Londres y la escultura Blue, en el aeropuerto internacional de Moscú, tienen sus versiones en pequeña escala para decorar espacios pequeños, incluso en el hogar. Bien lo ha puesto el propio Britto en una frase tan sencilla como contundente. “El arte es demasiado bueno para no compartirlo”.

“Cuando conocí la obra de Britto en Miami quedé absolutamente deslumbrada. No lograba entender cómo había llegado a todos lados, incluso a países fríos y nórdicos y no se conocía en España, donde tenemos un carácter más alegre y desenfadado, más acorde con el color, el optimismo y la alegría que despiden la obra de Britto”, explica la directora de Pop Gallery 11, Paola Casha. “El de Britto es un arte que permite quitar la idea de que el arte es exquisito y que hay que saber mucho para disfrutarlo”, añade enseguida.

La exposición permanente de Britto, (“nuestro buque insignia”, lo describe Casha), se combinará con muestras itinerantes que recorrerán el país. Ya ha habido una primera experiencia en Zaragoza en marzo pasado y se preparan las de Barcelona y Valencia para los próximos meses.

in El País.

SA artist Brett Murray goes viral via picking a lolfight with the ANC.

This situation with artist Brett Murray and Jacob Zuma’s speculative man-part reminds me of the boggart from the third Harry Potter book. In Professor Lupin’s ‘Defence of the Dark Arts’ class Harry & Co learn to defeat the boggart – a creature that takes on the form of one of your fears. The only way to defeat the boggart is by finding a way to laugh at (your fears) while saying the Riddikulus spell. Brett Murray’s speculative depiction of the presidential man-part seems to me a bit like that. Not that JZ is a boggart. But his sex life swag kind of is. It’s therapeutic to laugh at it. In a word… PINNED!

I would imagine that the Riddikulus spell will also work quite effectively against the ANC attempts to stop the painting from being sold via using lawyers. 101 in art appreciation here – you can’t take art personally. Artists may be extremely irritating for all the truth that they just spew with no regard for political correctness (how dare they), but they are also the only people who keep us from slipping into moral decrepitude. As annoying as they are, you kind of have to just let them cut their hair funny, drink too much and exercise their poetic licence via saying inappropriate but insightful things. Murray is just posing an idea. I mean, it’s not as if JZ posed for that picture. It’s not some sneaky mobile phone porn snap hack. It’s not REALLY his penis. It’s just an IDEA. Are we actually having this conversation?

Here’s a quote that seems appropriate:
“It is the mark of an educated mind to be able to entertain a thought without accepting it.” Aristotle
I have but admiration for Bretty Murray, who has manipulated the government into spreading his ideas for him. Behold, an artist / PR Genius:
Behold, a whole bunch of articles detailing the ANC’s PR campaign for Brett Murray’s new ‘Hail to the Thief’ exhibition at the Goodman Gallery in Joburg. One can conclude then, that the best way to go viral in SA is STILL to pick a fight with the ANC. 

in Cape Town Girl

O homem que planta árvores

Pedro Muagura já plantou perto de cem milhões de árvores. Coordena o programa de reflorestação da serra da Gorongosa. Planta árvores até quando vai ao estrangeiro.

Ninguém lhe ordenou que andasse por aí a plantar árvores, mas aos seis anos já lançava sementes pelos caminhos. Pastoreava bois. Os bois não paravam de comer plantas. Pedro Muagura também se servia delas. "Milho não tínhamos, batata usávamos uma vez por mês, arroz não havia. As frutas silvestres sempre existiram. Mesmo que haja seca prolongada, as plantas nativas têm fruta. Fui vendo isso." 

Plantou muitas árvores. Uns cem milhões, contando com as que meteu na terra e com as que meteu na terra quem lhe obedece.

Uma vez, o Presidente da República de Moçambique, Armando Emílio Guebuza, apareceu-lhe em casa: "Por que plantas árvores?" Pedro pensou: "As grávidas precisam de sombra. Os bebés descansam numa cama de madeira. O nosso caixão também é feito de madeira. Nós alimentamo-nos de plantas. Plantas são vida."

Cresceu em Machipanda, província de Manica. Estudou no Instituto Agrário de Chimoio. Fez das plantas o seu negócio. "Antes era eu, a minha esposa, as crianças. As crianças deram uma grande contribuição. Tenho cinco - quatro meninas e um só menino. A mais velha tem 17 anos, o mais novo seis meses. É o Salvador. Salvou-me de ser o único homem no meio de tantas mulheres."

Plantava embondeiros (que dão malambe, um fruto com um miolo seco de sabor agridoce), maçaniqueiras (maçãs pequenas), ximénias (ameixas-do-mato)... As pessoas perguntavam-lhe: "Porquê só plantas nativas?" E ele começou a ter laranjeiras e outras árvores para vender. A empresa cresceu. Agora, 21 funcionários plantam árvores em seu nome. "Num dia só chego a produzir 26 a 27 mil plantas." Números que não estão exagerados, sublinha, porque há trabalhadores que chegam a fazer 1700 vasos por dia.

Sente-se "especial" desde que professores e estudantes lhe começaram a aparecer em casa. Às vezes, até lhe pediam que fosse a escolas ou universidades ensinar a cuidar de algumas espécies. Tornou-se professor. Estudou florestas na Finlândia e fauna bravia na Tanzânia.

Nem fora de Moçambique larga o seu "grande desafio". Plantou uma árvore em Portugal, perto do Aeroporto de Lisboa. "Não tive problemas." Em Heathrow, Londres, não conseguiu. "Foi difícil, mesmo para cumprimentar as pessoas. Dizia: "Bom dia!" A primeira pessoa não respondeu; a terceira quis saber por que estava a cumprimentar. Perguntei se podia plantar, ela disse: "Esquece!""

Plantou na Suécia, Dinamarca, Finlândia, Tanzânia, Zimbabwe, Malawi, África do Sul. Na África do Sul, mostrou que não brinca com isto. "Primeiro falei para os serventes: "Se não regam essas plantas, não vou almoçar aqui." Pensavam que estava a brincar. Falei com o manager. Ele disse: "Vão lá regar." Depois, deram-me uma árvore para plantar."

Quando a recuperação do Parque Nacional da Gorongosa despontou, o plantador de árvores dava aulas na vila homónima. "Fui vendo a relação entre florestas e fauna bravia. Pensei que era melhor fazer práticas no terreno. Depois, pedi ao Ministério de Educação para me juntar ao parque." Está há dois anos a tempo inteiro na reserva. Gere o programa de reflorestação da serra. 

Ainda há um século, o homem não se atrevia a sair do sopé da serra, que atinge 1863 metros de altitude. Reza a lenda que quem tentar subi-la perderá a vida. Baptizaram-na de "Kuguru Kuna N"gozi", que no dialecto local quer dizer "lá no cimo há perigo". Aportuguesada, Gorongosa.

Na guerra civil (1976-1992) e nos dois anos até às primeiras eleições multipartidárias, as pessoas foram subindo a serra em busca de segurança. E a serra sofreu com esse avanço. "Faziam queimadas por causa da guerra, para caçar animais, para preparar áreas para milho, feijão."

Pedro ainda se lembra da primeira vez que sobrevoou a Gorongosa. Terá sido em 2005 - o Governo de Moçambique e a Fundação Carr (EUA) tinham assinado há pouco o memorando de restauração do parque, que haveria de evoluir para a co-gestão. Faltavam partes de floresta tropical, floresta de galeria, savana. A continuar assim, os rios Vunduzi e Muera mingariam. 

Nem é preciso helicóptero. Para ver a devastação basta subir pela picada num jipe de safari, como o engenheiro agora sobe em direcção à cascata de Murombodzi. Consequência de práticas inapropriadas de uso de terras, baseadas no corte e na queima, o que degrada solos, fauna, flora, "tudo". Só em 2010, o Governo alargou os limites do parque de forma a incorporar a serra situada acima dos 700 metros. E ainda ali moram duas mil pessoas.

Pedro aposta nos mais novos. "Ensinar uma pessoa que já não tem dentes a fazer um novo tipo de agricultura é muito difícil." Não desiste delas. Mostra que a água dos rios corre barrenta, que desapareceram poços. Diz-lhes: "Era fácil o feijão germinar aqui. Já não é. Cortaram muito. Temos de reflorestar." 

Na natureza, tudo interage. "As aves lançam sementes. Os macacos comem frutas e, pelo produto fecal, vão dispersando sementes. Tudo vai fazendo a cobertura vegetal. Nas zonas onde se cortam as árvores, os rios vão perdendo caudal. O programa florestal tem por objectivo garantir a sustentabilidade de recurso hídrico do parque." Sem água, não há flora, não há fauna bravia, não há ecoturismo, não há empregos.

O projecto agrega 34 viveiros. Só o ano passado, plantaram 850 mil árvores. Pedro soma 1,2 milhões. Está a contar com o apoio prestado às escolas e comunidades. Recolhem sementes nativas, plantam-nas, cuidam das plantinhas até à hora de as transplantar. "Este ano, o alvo é dois milhões. Na recolha de sementes, a média é seis toneladas. O grupo é muito motivado."

A motivação transparece numa curta conversa com plantadores de árvores como Silvestre Braga, que tem três esposas, 29 filhos, uma dor de cabeça quase permanente. "O problema é que quando cultiva... milho, feijão, mapira, é pouca comida para alimentar as crianças." Vale-lhe o que recebe do parque. 

O plantio mobiliza 55 trabalhadores e à volta de 275 voluntários. O número está em crescendo. Pedro até pensava que iam exigir um salário. Não o fazem. Talvez por sentirem que estão a aprender. Talvez por acreditarem que os melhores poderão vir a ser contratados pelo parque. 

Por vezes, Pedro fica a dormir na montanha. Também os recebe quando vão à vila da Gorongosa. Oferece-lhes água para tomar banho, esteira para descansar. E com esses pequenos gestos vai conquistando aliados. Alguns vêem cortar ou queimar e avisam. 

O país combina justiça tradicional com justiça convencional. "Se destrói a casa do vizinho ao fazer queimada, chama-se a polícia. Se corta uma árvore na nascente do rio, confisca-se o machado e entrega-se a pessoa ao régulo." Cortou uma árvore, tem de plantar 15. "É para educar. Nós, do programa de restauração, entregamos as plantas à pessoa e ela vai abrir as covas e plantar." 

Os fiscais não chegam a todo o lado. "Há áreas que só são acessíveis de helicóptero." E falta educação. "Existem muitas pessoas que não conhecem escola e falar com elas de ambiente, de erosão, de fauna, é muito difícil." 

A muitos parece desnecessário plantar espécies nativas, como chanfuta, amonha, panga-panga ou umbila. Parece mais útil plantar, por exemplo, batata-reno. Na serra, um cacho de banana custa 10 a 15 meticais (28 a 42 cêntimos de euros). Ora, cinco quilos de batata-reno podem ser vendidos a 80 a 100 meticais.

Nem só as bicicletas chegaram à Gorongosa nos últimos tempos. "Os jovens agora querem telefones celulares. Isso tem impacto negativo. As pessoas vão cortando floresta para pôr batata-reno. Desenvolvimento e conservação são assuntos muito contrários." O trabalho não pode parar. "Não vamos chegar à vila sem ver um camião com troncos grandes." Não tarda a encontrar um, atolado. 

in Público

Passe Próximo Futuro

Passe Próximo Futuro

Preçário / Prices

Compra de entradas 

Purchase of tickets

Concerto Inaugural/ Opening Concert   Emel Mathlouthi - €12**                                                                                     

Sessões de Cinema / Film sessions - €3***

Teatro/Theatre Praga - €5*

Teatro/Theatre “Gladys” - €15*

Concerto/Concert Med Fusion Orchester -  €12**

Teatro/ Theatre “El año en que nací” - €15*

Concerto/Concert  Kimi Djabaté - €12**

Teatro/Theatre “Bait Man” - €15*

Concerto/Concert Chelpa Ferro + Pedro Tudela - €12**

Festa da Literatura e do Pensamento do Norte de África / Festival Of Literature And Thought Of North Africa – Entrada livre / Free Admission

Peça/Instalação / Play/Installation  (Daniela Thomas) – Entrada livre / Free admission

Tenda – Entrada livre / Free admission

Concerto/Concert “Inuksuit” – Entrada livre / Free admission

* Espetáculos de teatro para maiores de 12 anos

** Espetáculos de música para maiores de 4 anos

*** Sessões de cinema para maiores de 12 anos

Entrada gratuita para jovens até aos 10 anos no Teatro Praga

Entrada livre – não é necessário levantamento de bilhetes

*Theatre performances open to people aged 12

**Music performances open to people aged over 4 

***Film sessions open to people aged over 12

Theater Praga: Free admission for young people aged under 10

Free admission – no need to lift tickets

Passes / Subscriptions

Haverá à venda na Fundação um Passe “Próximo Futuro” que contemplará todos os espetáculos do Programa “Próximo Futuro” que decorrerão entre 22 de junho a 8 de julho 2012, com um preço fixo de: €46.80 (desconto de 60%). A data de início de compra da assinatura é dia 12 de maio até à data limite de dia 21 de junho. / There will be on sale at the Foundation a Subscription “Próximo Futuro” that will include all shows of the Program "Next Future" to be held from June 22 to July 8, 2012, with a fixed price of: €46.80. The first day for the subscription purchase is May 12 and the deadline for the subscription purchase is June 21.

Passes sujeitos à disponibilidade existente / subscriptions subject to availability.

Bilhetes avulsos / Single tickets

Os bilhetes podem ser comprados em qualquer bilheteira da Fundação ou através do site da Fundação a partir de dia 12 de maio, exceto para a venda de passes, que deverá ser feita apenas nas bilheteiras da Fundação (compras online não obrigam a levantamento de bilhetes, apenas será necessário imprimir o bilhete em formato PDF e apresentá-lo à entrada do espetáculo). / Tickets can be purchased at any of the Foundation’s ticket offices or through the Foundation’s website, starting from may 12,except for  the sale of subscriptions which should be done only at the Foundation’s ticket offices (online shopping does not require lifting tickets, you only need to print the ticket in PDF format and submit it at the entrance of the show).

Na hora que precede o início de cada espetáculo só serão vendidos bilhetes para o próprio dia./ In the hour preceding the beginning of each show, tickets will be sold only for that day.

A venda de bilhetes para o Teatro do Bairro poderá ser sempre realizada através da Fundação e/ou, do Teatro do Bairro, neste caso uma hora antes do início do espetáculo. / Ticket sales for the Teatro do Bairro can always be held at the Foundation and / or, at the Teatro do Bairro, in this case, one hour prior to the show.

Descontos / Discounts

Desconto de 30% / Discount of 30% - Maiores de 65 anos / over 65 years old

Desconto de 50% / Discount of 50% - Jovens até aos 25 anos / people aged under 25 years old

Descontos não acumuláveis / Discounts not cumulative

Sessões de Cinema / Film sessions – Preço único/ Single price

www.bilheteira.gulbenkian.pt

Informações / Information

[email protected]

Tel. (+351) 217 823 529

www.proximofuturo.gulbenkian.pt 

Programa sujeito a alterações

This programme may be changed without prior notice

Notas/Notes: Entrada para todos os espetáculos deve fazer-se pela porta da Rua Dr. Nicolau de Bettencourt, exceto para os espetáculos realizados no Grande Auditório - FCG, que se deverá fazer ou pela entrada do edifício central ou pela porta do “Jardim das Rosas”. / Entry to all shows should be made through the door next to Street Dr. Nicolau de Bettencourt, except for performances held in the Grande Auditório - FCG, which should be done either through the main building entrance or through the door next to the "Jardim das Rosas / Roses Garden".

BILHETEIRA / INFORMAÇÕES

TICKET OFFICE / INFORMATION

Bilheteira / Ticket Office 

• Fundação Calouste Gulbenkian 

Avenida de Berna 45 A - 1067-001 Lisboa 

2ª a 6ª: 10:00 – 19:00

Tel. (+351) 21 782 3700

• Centro de Arte Moderna José de Azeredo Perdigão

Rua Dr. Nicolau de Bettencourt - 1050-078 Lisboa 

3ª a domingo / Sunday: 10:00 – 18:00

Tel. (+351) 21 782 3474/83

e uma hora antes do início dos espetáculos.

and one hour before the start of evening performances.

Nermine Hammam - Icons

Nermine Hammam is a rising figure on the Egyptian art scene. She makes figurative works, pulling elements from painting and photography. She was born in Cairo in 1967 and worked with the famous director Youssef Chahine. She was also the production assistant for the film “Malcom X”. For Photomed, Nermine Hammam has selected a set of inconic and symbolic pictures. In the series “Ma’at”, she presents herself in the guise of characters such as Frida Kahlo and Marlène Dietrich, the embodiments of Amazon warriors who have come to restore harmony and peace. In the series “Alchemy”, she embeds her face in famous paintings and photographs, such as Bonaparte by David, or in the image of Johnny Weissmuller as Tarzan. In her series “Uppekha”, she presents young soldiers from the Arab Spring in Egypt standing in front of the idyllic backgrounds of old postcards. This work documents aspects of the war that are often ignored: not just the screams of pain, but as well the fear of teenagers riddled with anxiety. As modern icons, these images shock us and invite us to thinking about the ideology conveyed by the images posing as reality found in advertissements. Nermine Hammam is a militant artist. With her art, she offers a bittersweet reflection on the social and political reality of our time.

Festival PHOTOMED

Egyptian photography artist, Nermine Hammam, examines the nature and role of the iconic image at the Photomed 2nd edition of the Mediterranean Photography Festival, that runs from May 24 ‐ June 17 2012, at Sanary‐sur‐Mer, Bandol, Ile de Bendor, Toulon, France. As part of this annual group show, Hammam will be exhibiting over 40 images, in the Salle Barthélémy de Don, drawn from four separate series of work: Alchemy (2010), Ma’at (2011), Uppekha (2011) and her latest series, Unfolding (2012). Across these works, Hammam examines the constructed nature of reality and, by extension, that of the iconic image which is fabricated in our collective conscious, achieving a status of near universal recognition and appeal. Each in their own way, her works probe that dual existence of the iconic image as both sign and symbol capable of transcending its initial time‐specific, two‐dimensional state to attain an eternal, quasi‐religious significance becoming an object of worship and of ritual. Hammam’s work also explores the irony of the iconic image that, in its very universality, outlasts both its subject and producer becoming entirely removed from the original events that triggered its creation. In Alchemy (2010) Hammam tackles the iconic image head on. She brings together some of the most iconic images of our time, from Marlyn Monroe to Paul Newman, grafting her own face seamlessly onto the faces of the protagonists depicted. We experience, at once, the pull of recognition and the ‘shock of the strange’ as we examine these famous works only to find the artist looking back at us from every image. Hammam believes that we perceive reality through a series of signs and signifiers drawn from the “underbelly of our collective subconscious.” Alchemy plays with this notion of the constructed nature of perception and points to the role of memory in articulating our experiences of day‐to‐day reality. The work also raises important questions about the artificial nature of religious icons and the belief systems that exist around them. It explores the fabricated nature of identity itself and how we manipulate those aspects of ourselves that we present to others.

Passe Próximo Futuro

Passe Próximo Futuro

Jornal 10: Um Verão Árabe

Já se encontra disponível para download o número 10 do Jornal do Próximo Futuro. Aqui.

Moçambique vai reintroduzir o ensino pré-primário

Três décadas depois da abolição, o governo vai reintroduzir no próximo ano lectivo, o ensino pré-escolar, com o objectivo final de melhorar o ensino no país.

Três décadas depois da abolição, o governo vai reintroduzir no próximo ano lectivo, o ensino pré-escolar, com o objectivo final de melhorar o ensino no país.

Segundo anúncios feitos esta semana pelas autoridades de educação, a medida visa permitir que as crianças se socializem com o sistema, antes de iniciar o ensino primário, contribuindo deste modo, para melhorar a qualidade que segundo opinião geral, está cada vez mais baixa, a todos os níveis.

A Associação Nacional dos Professores saúda a medida, contudo, considera que o Governo deve criar todas as condições prévias, por forma a garantir que os resultados esperados se reflictam na realidade.

Em contacto com a reportagem da Voz da América, a Direcção de Planificação do Ministério da Educação não quis dar detalhes sobre o programa, revelando apenas que o objectivo é  superar a fraca qualidade no ensino primário e facilitar o alcance dos Objectivos do Desenvolvimento do Milénio.

Um dos principais desafios que se colocam a este processo, tem a ver com as infra-estruturas existentes e os professores necessários para concretizar a iniciativa.

O Ministério da Educação diz estar a preparar todo o processo que será conhecido, em devido momento. Para os professores, este desafio deve ser muito bem visto, sob risco de sobrecarregar o sistema e piorando ainda mais os resultados actuais.

in Voz da América

“Um mundo ao qual não conseguimos dar nome” – Carlos Fuentes (1928 – 2012)

O escritor mexicano Carlos Fuentes, nascido em 1928 na Cidade do Panamá, morreu hoje, 15 de maio. Recebeu diversos prêmios por sua obra, entre eles o prestigioso Cervantes, em 1987. De seus romances, destacam-se A morte de Artêmio Cruz e A campanha. Leia abaixo um trecho da última entrevista que cedeu, publicada no jornal El país ontem (a íntegra em espanhol pode ser acessada aqui).

P. Do que trata o seu último livro e o que você vai iniciar agora?

R. No que terminei, Federico en su balcón, Nietzsche aparece ressuscitado em uma varanda às cinco da manhã, e eu começo uma conversa com ele. O livro que vou iniciar, El Baile del Centenario, encerra uma trilogia da Idade Romântica, que cobre desde a celebração do centenário da independência, em setembro de 1910, oranizada por Porfirio Díaz, e a celebração do fim do centenário, em 1920, organizada por Álvaro Obregón e José Vasconcelos, de modo que abrange dez anos da vida no México. Já estou com muitos capítulos, anotações e personagens. Há uma mulher que me interessa muito,  que não quer contar nada sobre o seu passado  e que vai sendo descoberta pouco a pouco, até que chega ao mar e se liberta.

P. Há algo de específico nesse início de século que o atraia?

R. Sou fascinado pelas mudanças que estamos vivendo. Quem diria que as mudanças começariam no norte da África? E daí se estenderia para boa parte da Europa e dos Estados Unidos, onde muitos de meus alunos me dizem: “Sou doutor e não encontro emprego”. Ou… “Meu pai virou classe média e sinto que estou descendo para a classe proletária”. Na América Latina também acontecem mudanças grandes, ainda que lá tenha havido certa estabilidade. Antes, os problemas começavam na América Latina. Agora parece que vão chegar nela. E é um mundo ao qual não conseguimos dar um nome. Se uma pessoa perguntasse a Dante: “Como você se sente vivendo em plena Idade Média?”, ele responderia: “O que é a Idade Média?”. Não podemos dar um nome a essa época, mas sentimos que tudo está mudando. O Renascimento sabia que era o Renascimento, a Idade Média não sabia que era a Idade Média.

P. Como você lida com a internet e as redes sociais?

R. Eu parei no fax; escrevo à mão em uma página em branco com uma caneta, corrijo na página seguinte. A minha esposa que me informa das novidades. Antes, eu dizia: vou pesquisar na Enciclopédia Britânica. Agora, ela fala, não, aperta uma tecla e encontra o que procurava.

in Blog do Instituto Moreira Salles

Escrevo para continuar dançando

Como bailarina, a escritora e crítica Inês Bogéa sempre foi além dos movimentos da dança. Ela criava um mundo imaginário sobre cada peça, envolvida pelas narrativas dos grandes balés. Esse interesse pelas aventuras e particularidades dos personagens a levou a escrever dois livros em que reconta histórias do balé clássico. O mais recente, Outros contos do balé, será lançado amanhã, 12/05, na Livraria da Vila (Fradique Coutinho), em São Paulo. Confira, a seguir, um bate-papo com a autora.

Sua vivência no balé teve início há mais de 30 anos, como bailarina clássica. Como você passou a escrever sobre dança, tendo sido crítica da Folha de S.Paulo por um longo período e autora de livros sobre o tema?

Minha história no balé começou de ponta cabeça, na ginástica olímpica, fazendo estrelas e outros tantos movimentos desse esporte, que tem muito de dança. Depois, passei para a capoeira e, numa das curvas da vida, triste por ter levado uma benção no peito numa das rodas, assisti, na TV, ao Lago dos Cisnes, no colo do meu pai. A sensação de ver as meninas flutuarem nas pontas e as imagens de múltiplas dançarinas de tutu me marcaram. Entrei para fazer balé clássico na academia da D. Lenira, em Vitória. Me formei na metodologia da Royal Academy of Dancing, em Londres. Em 1998, entrei para o Grupo Corpo, e nele fiquei por 12 anos. Viajamos o mundo dançando. Nesse tempo, tínhamos um grupo de estudos de dança. Um texto meu foi enviado para o editor da Ilustrada (Folha de S.Paulo), na época Sérgio Dávila, que me convidou para escrever no jornal. Quando chegou o meu tempo de parar de dançar, pesquisei a história do Grupo Corpo e organizei o livro Oito ou nove ensaios sobre o Grupo Corpo. Esse foi meu ritual de passagem para o outro lado da cena.

Como se dá esse processo de transformar em narrativa escrita histórias dançadas? Como bailarina, você procurava saber as histórias por trás dos movimentos?

Reconto as histórias a partir do movimento da dança; lembro no corpo as sensações e emoções dos personagens que dancei e vivo as histórias dos outros personagens para completar a narrativa. Ao dançar alguns dos grandes balés, procurava saber a história para conhecer mais e criar um mundo imaginário sobre cada dança.

Outros contos do balé é seu terceiro livro infantojuvenil [os dois primeiros são O livro da dança (Companhia das Letrinhas, 2002) e Contos do balé (Cosac Naify, 2007)]. Por que a escolha desse público leitor para suas narrativas sobre dança?

Meus livros são para crianças de todas as idades. São minhas lembranças do prazer de dançar e da alegria de me mover que me levam a criá-los. Escrevo para continuar dançando com leitores de diferentes idades.

Assim como em Contos do balé, em Outros contos do Balé você reconta cinco histórias de coreografias de dança clássica Como você chegou a essa seleção?

Assim como no primeiro livro, a ideia é contar balés de diferentes gêneros, tempos, acentos e cores da dança clássica. Em Outros Contos do Balé você pode ler A Sílfide, marco da dança romântica; O corsário, onde a tônica está na descoberta de terra distantes e exóticas; La Bayadère, inspirada na dança indiana; O Quebra-Nozes, um marco da dança clássica; e O Pássaro de Fogo, um balé clássico moderno. O novo livro dialoga com o primeiro e traz novas perspectivas, nas próprias histórias e nas notas informativas.

Você já dançou algumas das coreografias que compõem o livro? É possível eleger uma favorita?

Dancei A Sílfide, O Pássaro de Fogo e O Quebra-Nozes, em diferentes papeis de solista e de corpo de baile. De cada um, tenho uma história diferente para contar. O bom é estar em cena, dançando.

Neste livro, você apresenta aos leitores os profissionais que normalmente ficam nos bastidores de um espetáculo, mas que são igualmente importantes para sua realização. O que caracteriza, para você, uma montagem impecável?

Para que um espetáculo aconteça, todos têm que dançar juntos. Desde o tempo de abertura da cortina ao início do movimento do bailarino, em diálogo com a música, o figurino, a luz, a cenografia, até os detalhes técnicos – por exemplo, o fechamento da caixa preta, o tempo entre uma obra e outra, movimentos de cena –, tudo tem impacto na percepção do espectador. Uma montagem impecável deve apresentar qualidade em todos esses elementos.

in Blog da Cosac Naify

Morreu o escritor mexicano Carlos Fuentes

O Ministério da Cultura mexicano confirmou o óbito. E segundo a AFP, o presidente Felipe Calderón deixou uma mensagem na sua conta no Twitter: “Lamento profundamente o falecimento do nosso querido e admirado Carlos Fuentes, escritor e mexicano universal. Descanse em paz”. 

O Prémio Cervantes (1987) e Prémio Príncipe das Astúrias (1994) morreu de problemas cardíacos, aos 83 anos. Tinha começado a escrever aos 29 anos e o seu último romance editado, “Adão no Éden”, foi publicado recentemente pela Porto Editora. 

É autor de “O velho Gringo”; “Cristóvão Nonato”, “Constancia e outras Novelas para Virgens”, “Aura”, “A Laranjeira”, “Diana ou a Caçadora Solitária”, “A Campanha”, “Aquilo em que Acredito” (todos editados em Portugal pela Dom Quixote). 

A Porto Editora, depois de ter lançado o seu último romance publicado, tem prontos a publicar dois volumes que reúnem os contos do autor: “Contos Naturais” e “Contos Sobrenaturais”. O editor Manuel Alberto Valente disse ao PÚBLICO que já estão traduzidos, estavam agendados para 2013 mas agora poderá vir a ser antecipada a sua publicação. 

“Carlos Fuentes foi o mais ‘infeliz’ dos três grandes nomes do 'boom' da literatura latino-americana: Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa e ele”, diz Manuel Alberto Valente. "Só que os outros dois ganharam o Prémio Nobel. Do Fuentes falava-se sempre que podia ser um candidato ao Nobel mas infelizmente não o teve". 

Manuel Valente lembra que, também em termos de vendas, foi sempre um autor menos lido do que os outros, Márquez e Llosa. “Pelo menos em Portugal nunca teve um grande sucesso de público. Mas é um autor extremamente importante e o facto de ter tido sempre menos sucesso que os outros dois pode explicar-se por ser o mais político dos três. A obra dele é muito o espelho do México e das suas vicissitudes políticas. É um autor muito marcado ideologicamente e isso talvez tenha contribuído para que não tenha sido um autor tão popular. Mas é indiscutivelmente um dos grandes nomes da literatura latino-americana e da literatura mundial.”

Filho de mexicanos, Carlos Fuentes nasceu no Panamá, a 11 de Novembro de 1928, numa família de diplomatas e passou a sua infância entre a Europa e o continente americano. Estudou na Suíça e nos Estados Unidos; viveu em Quito, no Equador; em Montevideo, no Uruguai; no Rio de Janeiro, no Brasil; em Santiago do Chile e em Buenos Aires, na Argentina, num percurso que acabou em Washington, nos Estados Unidos. Na adolescência, passou a viver no México.

Em 1955, fundou com Octávio Paz e Emmanuel Carballo, a “Revista Mexicana de Literatura”. Era um homem de esquerda, membro do Partido Comunista, próximo de Fidel Castro antes de se afastar depois da prisão do poeta cubano Ernesto Padilla (em 1971). Num ensaio da revista “Tiempo Mexicano”, de 1972, escreveu: “O que um escritor pode fazer politicamente deve fazê-lo também como cidadão. Num país como o nosso, o escritor, o intelectual, não pode alhear-se da luta pela mudança política que, em última instância, supõe também uma transformação cultural”.

Licenciou-se em Direito na Universidade Autónoma do México e no Instituto de Altos Estudos Internacionais de Genebra, e prosseguiu a carreira diplomática de tradição familiar, sobretudo com o trabalho em organismos internacionais, em particular nas Nações Unidas, em Genebra. Em meados da década de 1970, dedicou-se ao ensino e leccionou nas principais universidades mundiais, de Paris a Princeton, Harvard, Columbia ou Cambridge. 

Em 1974, foi nomeado embaixador em Paris e, em 1977, demitiu-se para protestar contra a nomeação para embaixador em Madrid do ex-presidente mexicano Gustavo Díaz Ordaz , que ele considerava responsável pelo massacre dos estudantes no México em 1968. 

Numa entrevista que deu recentemente a Geneton Moraes Neto, do canal brasileiro Globo News, dizia que não trocaria a literatura por nada e que, aos 83 anos, só lamentava não ter tempo para escrever todas as histórias que imaginava. Nessa entrevista em que falava em inglês (era bilingue e escrevia em espanhol porque considerava já existirem escritores suficientes em língua inglesa) revelava ainda que tinha acabado de escrever um novo romance "Federico en su balcón" ( sobre Nietzsche). Dizia também que havia um livro que gostava de ter escrito mas sabia que não o iria conseguir fazer. Era a história do último dia de vida do revolucionário e líder agrário mexicano Emiliano Zapata. Queria começar o livro a partir do momento em que o revolucionário acorda (no dia em que morreu) até ao momento em que é fuzilado. Era uma ideia que Carlos Fuentes tinha a rodar na sua cabeça e que nunca conseguiu concretizar. No entanto, dizia: "Se eu viver bastante, um dia escreverei esse livro!"

“'Adão no Éden’ não é uma novela inovadora no tema, recorrente no trabalho de Carlos Fuentes”, escrevia Fernando Sousa no Ípsilon de 11 de Maio de 2012. “É possível encontrar os mesmos cenários e personagens semelhantes em ‘La tierra más transparente’, a sua primeira obra, de 1958, um texto que é uma espécie de inventário da sociedade mexicana; em ‘Artemio Cruz’ (1962), reflexões-à-beira da morte de um antigo revolucionário convertido num político de esquemas, corrupto e corruptor, que à hora de desaparecer conta o passado com a sinceridade própria de quem já não tem nada a perder; e em ‘La silla del Àguila’, nova radiografia do poder onde Fuentes imagina o seu país no ano 2020.” 

E acrescentava o crítico: “Mas é na sua inspiração literária uma obra apoteótica no estilo que o autor adoptou para nos mostrar o que o México, o México sinistro, lhe mostrou a ele em mais de oito décadas, uma obra que remete por assim dizer para as inaugurais, as dos primeiros anos de escrita, quando a sua estrutura ainda se desenvolvia. Uma obra-mestra.”

No final da entrevista do programa Dossiê Globo News, Geneton Moraes Neto perguntou-lhe se havia alguma pergunta vital para a qual não tinha resposta. Carlos Fuentes respondeu: "Não sei se Deus existe. Mas em breve vou descobrir."

in Público

Câmara Clara

Próximo Futuro no Câmara Clara.

Africultures - Filipe Branquinho

Filipe M.C. Branquinho was born in 1977 in Maputo, Mozambique.

He works as a freelance photographer and illustrator. Hes graduating in Architecture by UEM (Universidade Eduardo Mondlane, Maputo / Mozambique) and attended the same course at UEL (Universidade Estadual de Londrina / Brazil).

His passion for the arts (including photography) was born in the environment they grew up in Maputo, the coexistence with the environment and many of the artistic masters and national benchmarks.

In Brazil the design and illustration appear systematically and consciously, through contact with the artistic disciplines together with architectural training. It is in this context that decides to try to photography as art.

He participated in several group and solo exhibitions in Brazil, Mozambique and South Africa has several works in private collections.

Ler em Africultures.

Ocupações, de Filipe Branquinho, poderá ser vista no Próximo Futuro a partir de 22 de Junho.

Mais Crítica

Mais Crítica

Seminário de Formação para Críticos em Artes Performativas

Visando contrariar o progressivo e notório desaparecimento da crítica de artes performativas do espaço público, quatro instituições lisboetas juntaram-se de forma a criar as condições de produção necessárias para a realização do seminário Mais Crítica. Pretende-se assim promover a multiplicação das vozes críticas existentes no nosso país e o surgimento de novos espaços que possam amplificar o discurso sobre as artes e o impacto que estas têm no terreno das relações sociais em geral.

Mais Crítica tem então como objetivo incentivar o aparecimento e o desenvolvimento de novos críticos na área das Artes Performativas, através de um programa de formação orientado por Liliana Coutinho e Rui Pina Coelho. Esta formação, em regime de prática acompanhada, terá um caráter teórico-prático que motivará, por um lado, a partilha de ferramentas teóricas pertinentes para o exercício crítico e, por outro, a produção escrita, divulgada num espaço online que receberá regularmente os textos produzidos pelos participantes no seminário. Pretende-se que este espaço (um blogue: maiscritica.wordpress.com) contribua para  o indispensável discurso público sobre os objetos artísticos e para a preservação da memória (ameaçada) do teatro e da dança que hoje se fazem.

Com a duração de 10 meses (Setembro 2012 a Julho 2013), este seminário destina-se a qualquer interessado, sendo a seleção feita por dossiê de candidatura. O grupo de formandos será reduzido, num máximo de 6 participantes. O seu caráter gratuito exige que os candidatos selecionados se responsabilizem eticamente pela frequência assídua do seminário. O seu grau de implicação será fundamental para a qualidade da sua formação.

Actividades Previstas

Assistência semanal coletiva a espetáculos, na presença de um ou dos dois tutores, seguida de discussão sobre os mesmos.

Escrita de textos críticos com vista à publicação (cada formando deverá publicar dois textos críticos por mês, sob a tutoria dos formadores);

3.      5 temas/5 conversas: encontro bimestral, em sessões orientadas pelos tutores, com a possível participação ocasional de convidados, para o qual será selecionado um corpus bibliográfico de referência. Temas a abordar: a função da crítica; a crítica e o jornalismo cultural; a crítica e a preservação da memória; as ligações entre a crítica e a criação artística; a crise da crítica e a crise de autoridade: pensar o julgamento e a argumentação; os lugares da crítica: as possibilidades do exercício crítico nos vários media; arte e economia social; etc.

4.      Discussão mensal (sessões de 3 horas) sobre os espetáculos assistidos e sobre os textos publicados, na qual será dado ênfase ao desenvolvimento da capacidade de argumentação, riqueza estilística e capacidade de organização, escrita e oral. A discussão sobre cada um dos espetáculos servirá também para exercitar os instrumentos específicos de análise dos diferentes componentes da cena, visando uma justa adequação às obras em questão.

Para além deste programa, o seminário será complementado pela participação em atividades diversas, tais como a assistência a ensaios, conversas com criadores e intérpretes de obras em cena ou em processo de criação e iniciativas propostas pelas instituições produtoras e abertas ao público em geral.

Candidaturas

A receção de candidaturas será feita até 15 de Junho.

Os candidatos deverão enviar um dossiê composto por Curriculum Vitae, carta de motivação e um texto crítico sobre um espetáculo de dança ou teatro, até 3000 caracteres, para o e-mail [email protected].

Os tutores do Seminário Mais Crítica farão a seleção das candidaturas enviadas, podendo ainda haver lugar a uma entrevista de pré-seleção.

Divulgação dos selecionados a 13 de Julho.

Número máximo de participantes: 6.

Orientadores

Liliana Coutinho é curadora independente e investigadora na área de Estética e Ciências da Arte. Colabora atualmente com And_Lab e com CAM-FCG. É autora de Ana Vieira – o que existe nos interstícios da figura? (ed. Caminho, 2007) e coordenou o 3° número da revista Marte, dedicado à Performance. Escreveu para exposições, catálogos, publicou em revistas como L+Arte, Sinais de Cena e Pangloss e livros, dos quais destaca a participação em António Welington de Oliveira Jr. (org.), A performance ensaiada: ensaios sobre performance contemporânea (Fortaleza: Expressão Gráfica, LICCA, 2012) e Jos de Mul & Renée van de Vall (eds.), Gimme Shelter: Global Discourses In Aesthetics. IAA Yearbook 2011 (Amsterdam: Amsterdam University Press, 2012, no prelo). Doutorada em Estética e Ciências de Arte pela Université de Paris 1 – Panthéon-Sorbonne, prepara atualmente a publicação da sua tese pela editora L’Harmattan. Membro da AICA – Associação Internacional de Críticos de Arte e da IAE – Internacional Association of Aesthetics.

Rui Pina Coelho é docente na Escola Superior de Teatro e Cinema. Mestre em Estudos de Teatro pela Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa, é investigador do Centro de Estudos de Teatro dessa Faculdade e do CIAC – Centro de Investigação em Artes e Comunicação. Publicou Casa da Comédia (1946-1975): Um palco para uma ideia de teatro (Lisboa: Imprensa Nacional – Casa da Moeda, 2009) e Inesgotável Koltès (ESTC/Teatro dos Aloés, 2009). É membro do Conselho Redatorial da revista Sinais de Cena (APCT/CET) e membro do Conselho Consultivo da revista on-line opercevejonline (http://seer.unirio.br/index.php/opercevejoonline, Rio de Janeiro, Brasil).

É membro da Direção da APCT – Associação Portuguesa de Críticos de Teatro e foi crítico de teatro no jornal Público. Realiza dissertação de Doutoramento em Estudos de Artísticos na Faculdade de Letras de Lisboa. Como dramaturgo, tradutor ou dramaturgista colaborou com Trimagisto, Teatro O bando, TEUC, Teatro dos Aloés e TEP – Teatro Experimental do Porto.

Entidades promotoras

Alkantara: www.alkantara.pt

Culturgest: www.culturgest.pt

São Luiz Teatro Municipal: www.teatrosaoluiz.pt

Teatro Municipal Maria Matos: www.teatromariamatos.pt

Blogue: maiscritica.wordpress.com

E-mail: [email protected]

Gilberto Velho (1945–2012): na selva das cidades, no Brasil como em Portugal

No fim dos anos 60, o antropólogo Gilberto Velho foi morar em Copacabana, num daqueles prédios de pequenos apartamentos que serviam as levas recém-chegadas à cidade. Copa, como lhe chamam os cariocas, foi a sua casa e o seu objecto de estudo durante dois anos, e isto resultou num livro chamado “A Utopia Urbana”, publicado em 1973. Para várias gerações de brasileiros e portugueses marcou a descoberta de que a antropologia podia ser também aquilo, a selva da cidade em vez do exótico da selva. E é assim, como um desbravador da vida urbana, e da autonomia dos indivíduos no meio da vida urbana, que várias gerações dos dois lados do Atlântico têm evocado Gilberto Velho desde a sua morte, dia 14, na sequência de um AVC, no Rio de Janeiro. Tinha 66 anos e sofria de problemas cardíacos.

Herdeiro dos investigadores americanos que se debruçaram sobre a cidade, não se limitou a transpôr essa herança para o Brasil. Abriu a universidade a todos os campos possíveis. “A partir dele é que se estudaram prostitutas, militares, bailes funk, astrologia ou políticos”, diz Karina Kuschnir, 44 anos, uma das suas mais próximas discípulas, e autora da fotografia que aqui publicamos, tirada nos jardins do Museu Nacional da Universidade Federal do Rio de Janeiro, instituição onde Gilberto Velho trabalhou durante décadas.

“Não só é o fundador da Antropologia Urbana no Brasil como é talvez a voz mais importante da Antropologia Urbana em língua portuguesa, o seu expoente máximo”, resume Graça Índias Cordeiro, 51 anos, professora no ISCTE, em Lisboa. “Foi o fomentador de uma rede de relações entre Portugal e Brasil ao longo de várias gerações.”

A tal ponto que Graça fala em orfandade, lembrando como Gilberto Velho dava aos amigos o melhor que tinha: “Uma inteligência brilhante, uma perspicácia e exigência penetrante, um sentido de humor implacável, uma sensibilidade muito fina e subtil feita de imensa sabedoria e experiência. Todos os que estávamos mais próximos dele nos sentimos verdadeiramente orfãos, neste momento.”

Numa longa entrevista de vida conduzida por investigadores brasileiros e portugueses (http://cpdoc.fgv.br/cientistassociais/gilbertovelho), Gilberto Velho fala do avô paterno transmontano e da emoção que viveu ao avistar finalmente o castelo de Bragança. Isto para explicar a origem da sua relação com Portugal.

Cronista semanal do “Globo”, Hermano Vianna conta na sua última coluna como Velho “procurava o complexo onde menos se esperava”, do prédio em Copa aos consumidores de droga da classe média. “Foi esse olhar atento para o não convencional que me levou a fazer antropologia”, escreve Vianna, que se doutorou com uma tese sobre funk em 1986, quando o funk era uma aberração para a classe média brasileira. Velho ligava de manhã cedo a ver se os orientandos estavam a trabalhar. “Mas seu controle era paradoxal: no lugar de buscar resultados previsíveis, a disciplina deveria produzir o inesperado.” E acompanhou o então doutorando a bailes funk.

O inesperado também se aplicava aos jantares que Velho organizava, lembra Vianna, onde nunca estavam os convidados que ele dizia. Mas um dia prometeu investigadoras portuguesas de rap e Vianna conheceu mesmo investigadoras portuguesas de rap, conta no “Globo”.

Uma delas foi a antropóloga Teresa Fradique, 40 anos, e Gilberto Vellho acabou por prefaciar a sua tese. “Deu aulas no mestrado que eu fazia e veio do Brasil para fazer a arguição da tese. Iniciou-se aí um diálogo interessantíssimo. Ele tinha uma visão muito aberta e criativa, fez as interpelações correctas. Tinha a capacidade de ver no espaço mais vasto e fragmentado os processos culturais que a antropologia aplica a territórios circunscritos e exóticos.”

Teresa também recorda um controle rigoroso dos orientandos. “O choque que tive quando tentei negociar o prazo de entrega de um artigo e ele foi peremptório! Fiquei espantadíssima. Mas assim que recebeu o artigo foi incrível na resposta. Era leonino no acompanhamento, na vontade que as pessoas cumprissem um programa para depois haver espaço para um debate mais profundo.”

Inédito para Portugal

A antropóloga portuguesa Cristiana Bastos, que viveu no Rio de Janeiro e mantém laços fortes com investigadores brasileiros, recorda o “humor embutido” que encontrou em “A Utopia Urbana”, ao vaguear nas livrarias aí por 1980.

“O que li nessa altura ficou-me guardado e sai de vez em quando no modo como trabalho, como me atiro a coisas menos convencionais sem medo. Alguém me inspirou, deu o tom, e eu continuei a música. Anos mais tarde conheci-o em pessoa, quando fiz um estágio no Museu Nacional. Continuava criativo, estimulante, original, e ficámos muito amigos. Tinha uma relação muito interessante com os alunos e colegas, parecia que estava sempre a gozar mas ia instigando a que criássemos coisas novas, e levava-as a sério, publicava livros compilando capítulos de trabalhos dos alunos.”

“Como professor era inigualável, tinha um carisma e uma capacidade de comunicação oral única”, lembra Karina Kuschnir, que o conheceu quando era mestranda em 1991, e depois se tornou sua assistente. E como autor, os seus livros — além de “A Utopia Urbana”, por exemplo “Desvio e Divergência”, “Individualismo e Cultura” ou “Nobres & Anjos”, sobre a elite carioca consumidora de droga — contam várias edições, “são intensamente lidos”.

Portugal “estava incluído no horizonte dele de forma natural”, diz Karina. “Acho que ele não via isso compartimentado.” O derradeiro exemplo é que o último trabalho de Gilberto Velho vai ter a sua primeira publicação no próximo número da revista “Sociologia, Problemas e Práticas”, editada pelo Centro de Investigação e Estudos de Sociologia do ISCTE-Instituto Universitário de Lisboa.

“Foi ele que teve a iniciativa de escrever este artigo e propor a sua publicação, o que aceitámos, evidentemente, com o maior gosto”, explica o sociólogo António Firmino da Costa. “O texto é sobre as empregadas domésticas no Brasil. Nele Gilberto Velho aborda, da maneira profundamente inteligente e sensível que caracteriza a sua obra, comportamentos humanos e relações sociais, interligando a vida das pessoas e as formas de sociedade. É um texto, ao mesmo tempo, muito pessoal e lucidamente analítico, mais um contributo especialíssimo do autor para o conhecimento do universo social em que vivemos, dos seus vários mundos e das pessoas que transitam neles e entre eles.” Poderá ser lido “dentro em breve, logo que o processo de composição e impressão fique concluído”.

Professor do Museu Nacional, onde trabalhou ao lado de Gilberto Velho, e Vice-presidente da Associação Brasileira de Antropologia, Luiz Fernando Dias Duarte conhece bem o manuscrito. “Estava dirigido ao público português. E tratava de examinar uma dimensão muito interessante da relação entre patrões e empregados domésticos, o que permitia fazer um exame da relação de classes.”

Quem conheça a sociedade brasaileira sabe como essas relações são vividas de uma forma extra-hierarquizada que já não é comum na Europa. Mas Gilberto Velho vai além do aspecto clássico da dominação. “Ele usa a experiência com a sua empregada de várias décadas, a Dejanira, a quem ele chamava Deja. O artigo está dedicado a ela. Estava já aposentada e ele fala do que significou a perda da relação com ela. Todos nós [colegas de Gilberto no Rio] a conhecemos muito bem. Uma empregada doméstica tem um projecto de vida diferente de um professor universitário, mas há espaço para uma mediação. Não se trata de dourar a pílula das relações mas de compreender a sua complexidade.”

Tendo sido um dos primeiros professores de Luiz Duarte, Gilberto Velho influenciou as suas teses de mestrado e doutoramento, sobre classes populares. “Ele era mais um especialista em classes médias, mas tudo isto tinha a ver com a construção social da pessoa, a ideologia do individualismo. Depois fomos colegas 30 anos em salas vizinhas e ele estava muito presente na vida de todos os orientandos e amigos, um esteio constante nos problemas académicos, de família, de saúde.”

Partilharam, por exemplo, a participação na reforma psiquiátrica brasileira. “Tratava-se de denunciar as formas autoritárias de lidar com o fenómeno da perturbação mental, de preservar a capacidade de acção dos sujeitos. A questão da autonomia, da liberdade, era muito importante para o Gilberto. Então temas como drogas, violência ou doença mental eram muito importantes para ele. A Antropologia Urbana é indissociável do Gilberto, mas a questão dos projectos de vida, da complexidade da vida social e das mediações são mais importantes que o facto dele ter criado uma área”.

Num texto de homenagem escrito no dia a seguir à sua morte, a portuguesa Graça Cordeiro resumiu assim o legado de Gilberto Velho do ponto de vista de quem trabalhou com ele: “Aulas, seminários, conferências, lançamentos de livros, projectos de investigação, jantares, conversas, passeios, excursões; onde já não se sabia quem era o historiador, o sociólogo, o antropólogo, o arquitecto, num confortável e bem-humorado diálogo em que todos eram pares.”

Ponte entre Portugal e Brasil será isto.

Alexandra Lucas Coelho, Público, 27–4-2012

Observatório de África e da América Latina: O lugar do design e da moda no Norte de África

O lugar do design e da moda no Norte de África.

Devir Menor

Supersudaca

DEVIR MENOR é um projeto de investigação que se materializa numa exposição e um livro resultantes de uma investigação híbrida entre a arquitetura, a teoria crítica e a prática da materialidade, procurando diagramar projetos e processos de trabalho de arquitetos e coletivos situados no contexto da Ibero-América. A conceção do projeto é uma colaboração entre Inês Moreira (arquiteta e curadora) e Susana Caló (investigadora em filosofia e editora) que procuram experimentar a continuidade conceptual e material do projeto nos seus vários formatos e nos processos de curadoria/edição.

Enunciado a propósito da literatura de Kafka por Gilles Deleuze e Félix Guattari, o conceito de ‘devir menor’ refere­-se a um potencial de transformação e de abertura de espaços dentro de um contexto dominado pela subordinação a uma língua maior ou dominante. O projeto parte deste conceito e explora a sua instanciação em práticas espaciais na Ibero-América. Explorando o que se denomina por ‘práticas espaciais críticas’, o projeto quer ir particularmente ao encontro de conceções de espaço e prática da arquitetura em que os fatores políticos, económicos, sociais e ecológicos intercetam a elaboração projetual e contribuem para um discurso de multiplicidade.

Se, por um lado, a pressuposta unidade ibero-americana – e mesmo da América Latina – é vaga, e assenta tanto em reminiscências coloniais como em posicionamentos estratégicos no âmbito de um mundo globalizado onde se formam blocos competitivos cada vez mais alargados, por outro lado, o próprio território da América Latina, assim como a relação histórica entre a Península Ibérica e a América Latina é também figura de miscigenações, cruzamentos, hibridações, multiplicidade e atravessamentos às formações políticas, culturais e identitárias mais visíveis.

Em DEVIR MENOR exploram-se projetos sensíveis à especificidade das condições contextuais, muitas vezes usando táticas alheias à metodologia tradicional da arquitetura e tecendo uma crítica social e económica operativa, empenhada na transformação e vitalização do seu contexto. O projeto arquitetónico adquire uma proximidade ao quotidiano e uma natureza processual, as modalidades de relação com o contexto vão alterando o próprio projeto e a obra torna-se reflexiva e relacional. Os trabalhos aproximam-se das práticas culturais, caracterizando-se também por uma reconciliação singular que desafia o global e o local; têm uma forte componente espacial e empregam, entre outras, técnicas de reciclagem de materiais, reutilização de recursos existentes, o do-it­yourself, ou experimentam modos de trabalho diversos.

A exposição consta de uma instalação espacial imersiva que explora o potencial dos desenhos, registos, vídeos e imagens dos participantes convidados, privilegiando uma relação informal e intuitiva com o público. Será também exposta uma seleção de 50 publicações de referência, assim como trabalho documental, material e ensaístico produzido especialmente para o projeto. A instalação estabelecerá um diálogo com o edifício da Sociedade Martins Sarmento, um edifício de relevo na cidade de Guimarães, desenhado pelo Arq. Marques da Silva. A edição do livro com contribuições novas de filósofos, arquitetos, urbanistas e sociólogos, pretende firmar criticamente a relação do ‘menor’ com o pensamento da Ibero-América e da América Latina, e com o pensamento da arquitetura enquanto projeto e prática, e configurar especulativamente ideias em torno à proposta do projeto.

Países participantes: Argentina, Brasil, Chile, Colômbia, Cuba, Equador, Espanha, México, Portugal, Venezuela + Bélgica, Itália e França

Devir Menor

Escritor y lector cambiarán la forma de escribir y leer

El año pasado, la Fundación Libro contrató a una consultora para que seleccionase al nuevo director de la Feria del Libro de Buenos Aires, un acontecimiento que cada año por estas fechas y durante 19 días se convierte en el centro del debate cultural y hasta político de Argentina. Había varios requisitos, pero uno de los más tajantes para sustituir a una persona que había estado al mando de la Feria durante más de siete lustros era que el sucesor no fuese menor de 40 años.

Se presentaron unos 400 currículos y, después de un largo proceso, la Fundación escogió a Gabriela Adamo, que había sido periodista, había trabajado con la mítica editorial Sudamericana, donde se publicó por vez primera Cien años de soledad, era traductora del alemán, aportaba 15 años de experiencia en el mundo del libro y tenía, precisamente, 40 años.

El primer año le tocó lidiar con la oposición de un grupo de intelectuales kirchneristas que se negaban a que Mario Vargas Llosa inaugurase la Feria. Y este año, con la controversia por la política del Gobierno argentino sobre importaciones de libros extranjeros. En medio de ese torbellino por donde pasan cada año más de un millón de personas y decenas de debates, Adamo recuerda la principal lección que aprendió junto a la directora de Sudamericana, Gloria Rodrigué: que se puede trabajar muchísimo y, a la vez, ser humano y cálido con quienes te rodean.

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Simetría de sol puro. Poesía africana hoy

Y sin embargo está, desbroza, aclara, evita intermediarios. Me explico: si alguien quiere escuchar a África, sería bueno que leyese en voz alta a sus poetas. Y ello a pesar de que utilicen lenguas heredadas de sus colonizadores. Las palabras serán suyas pero el canto es nuestro, diría Théophile Obenga, dejando así zanjada la cuestión. Si leemos los textos (**), entenderemos el acoso y el sometimiento de sus países, impostando formas de vida ajenas a sus longevas tradiciones.

Pero no nos detendremos ahí, sino que descubriremos que ese es el punto cero del África contemporánea, un punto de arranque que para muchos debe ser un punto y final, ya que es más fácilmente asimilable un continente sumido en la hambruna, en las guerras intestinas o en la visión romántica de las películas made in USA. Este tipo de estereotipos se derrumba fácilmente si acudimos a las propias palabras de sus protagonistas, de los actores y actrices de esa película real que es África hoy.

Precisamente es en ese documental donde los poetas tienen un papel protagonista:“Ser poeta, en nuestros días, es querer con todas sus fuerzas, toda su alma y toda su carne, frente a los fusiles, frente al dinero que también se convierte en fusil, y sobre todo frente a la verdad preestablecida sobre la cual nosotros, poetas, estamos autorizados a mearnos, que ninguna faceta de la realidad humana se vea empujada bajo el silencio de la historia. He nacido para contar esa parte de la historia que lleva cuatro siglos sin comer”.

Las palabras del poeta congoleño Sony Labou Tansi nos permiten sintetizar bien a qué nos estamos refiriendo, a la reclamación de la intrahistoria para el concepto de universalidad. El primer premio Nobel africano, Wole Soyinka también habla sobre ello, esbozando esa teoría de palabras-frente-a-las-armas que otorga una importancia fundamental a la labor de los poetas. Léopold Sédar Senghor decía con razón acerca de ese lazo tenso entre poesía y esperanza: “La poesía no puede morir. ¿Si no quién cantaría la esperanza?”. Centrándonos en ello, la poesía africana de hoy es casi un grito, un grito de resistencia que, de paso, nos aclara conceptos sobre su historia reciente. Un poema de Chenjerai Hove, poeta de Zimbawe, es especialmente aclaratorio:

Parlamento de los niños

La madre se sentó

con el hambre entre sus manos

y ahogó el amor en sus ojos.

Luego las moscas vinieron

a cantarle repulsivas canciones al oído.

Nosotros escuchamos la inagotable historia

De la lucha y el hambre.

Pero la Madre no cantó

al llegar el tiempo del canto

En la historia popular.

Ella sólo señaló a las moscas

Y nos pidió que tarareásemos

la misma canción musitada por las alas.

Cantamos la canción alada

mientras nos uníamos en la búsqueda.

Mosca y niño unidos en una misma canción

Madre y hojas caídas al tiempo

padre ausente,

desconocido.

Mientras ella sondea los zumbidos,

juntos los seguimos

Creamos unión

para develar los motivos de la mosca y el niño.

Así, en nuestros corazones

Están las vaporosas huellas de la mosca

Cuyas alas nos contaron historias

Del sentido de la vida y de a quién pertenecemos.

-Escuchamos en la radio que hay una crisis-

los miembros del parlamento exigen mayores salarios

Y nosotros no somos tomados en cuenta.

Al menos estamos a salvo de promesas ahogadas.

Habremos de debatir

a cámara abierta

con profusión de enfermedades

como Símbolo del electorado de las tumbas

y tasas demográficas ascendientes

como símbolo del electorado de los sobrevivientes.

Perros-gatos-ratas-moscas

Perros-gatos-ratas-moscas

Envíen emisarios a esta cámara

Aunque el debate se torne melancólico

¡Extravíos del lenguaje!

¡Hacen falta espacios!

-Simple ausencia de orden en el recinto-

Luego compartimos nuestros haberes:

Desde bolsillos llenos de sangre

hasta parlamentos de políticos

Juntos sobrevivimos

Al núcleo de largas sesiones

y caducos proyectos de ley

que ahora reptan

donde ayer hubieron de correr.

Publicar todo el poema es un acto de resistencia también, evitar el intermediario entre ellos y nosotros es dinamitar una frontera, uno de esos límites invisibles que tanto separan y tergiversan. De ellos habla Jack Mapanje cuando reivindica que, una vez desaparecida la frontera mental que nos separa, los problemas de ellos como seres humanos son los mismos que los nuestros:

La cabeza

Que realmente duele es

La esposa, los niños,

Parientes y amigos

No admitidos,

La escasez

De espacio para respirar

Y la materia legible,

El ruido

Del papel crepitante

Y la pluma

Impugnada.

La voz de las mujeres también reivindica esta igualdad real, sin paternalismos, sin intermediarios que nos hagan la exégesis de lo que realmente pasa en África. Interesa, entonces, volver a quitar el velo del prejuicio para observar la cercanía con que sus versos nos interpelan. La poeta Agnès Agboton escribe:

Tal vez

Tal vez la noche que se acerca,

tal vez el día que despierta, podamos beber el agua de mi vodún.

El agua de mi vodún

que ha pasado la noche en vela, amor mío, por ti.

Con ello nos concentra en el problema principal del individuo, sea de donde sea. El amor, entendido este como conjunto de relaciones interpersonales, no entiende de colores, ni de fronteras. Esta reflexión tan ingenua es hoy una auténtica transgresión, pura palabra subversiva en tiempos en que la economía humilla lo poco que nos queda como seres humanos. Y es que, en una conversación con un poeta camerunés, Michel Feugain André, este decía que los economistas llevaban poco tiempo existiendo y nos habían traído muchos problemas, mientras que los poetas llevaban desde el principio de la humanidad y solo habían creado belleza. Bajo este prisma, añadió: los poetas africanos lo sabemos bien, la simetría del sol puro es lo único que sigue suscitando nuestro asombro, esa capacidad de sombra que tenemos y con la que dialogamos.

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Conexão Lusófona

Sara Tavares, Yuri da Cunha, Susana Félix, Manecas Costa, Júlio Pereira, Tito Paris, Couple Coffee, Luiz Caracol, Aline Frazão, Pierre Aderne, Costa Neto, Tubias Vaiana e Kay Limak são os nomes confirmados para o festival de encerramento que se realiza no dia 12 de Maio.

Enquadradas na programação oficial da semana cultural da CPLP, as iniciativas da Conexão Lusófona pretendem criar um efeito multiplicador que levem a uma maior dimensão o número de jovens que despertam para o tema Lusofonia.

Seja no âmbito cultural, por meio de novas experiências musicais, literárias e artísticas, seja no âmbito de uma presença mais ativa e consciente na dinâmica da cidadania lusófona.

Música, dança, debates, exposições, poesia e oficinas, com muita interatividade, performances variadas e diálogo geracional, são as notas de referência numa semana que se quer intensa.

Mais informações em Conexão Lusófona.

Cuando la ciudad no tiene límites

Hay días en que la contaminación es tan espesa que no se alcanza a ver el otro lado de la calle. Sus más de 20 millones de habitantes viven en un eterno embotellamiento “y temen tanto a los criminales como a la policía”. “Es un monstruo, un desastre urbano, una pesadilla posmoderna”. Y, al mismo tiempo, México es una de las capitales culturales y uno de los focos creativos más importantes del continente americano.

La reflexión de Rubén Gallo sobre esta ciudad comparte espacio con la del también escritor Suketu Mehta, que habla de su Mumbai. “Personifica las megaciudades del siglo XXI tales como São Paulo, Lagos o Yakarta. En todas ellas hay inmigración incontrolada, chabolismo a gran escala, problemas enormes de infraestructuras, y floración de barracas que pueden ser viveros de toda clase de extremismos. Estamos hablando de megaurbes con retos muy distintos de los que tenían las metrópolis que dominaron el siglo XX, Nueva York, Londres o París”.

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