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The Arab spring has focused western attention on the Arab world in an unprecedented way. While events in Bahrain, Libya and Syria have turned progressively more violent, there was a period last year when Arab youth inspired onlookers with their courage and thoroughly modern attitudes. However, for a region of more than 300 million people, and with a rich tradition of folklore and storytelling, the Arab world has been historically underserved by its cinema. Egypt can boast of a proud film-making industry that dates back more than a century but, beyond that, the picture has often been less encouraging.
When I began my career as a film producer in Tunisia in the 1970s, there was nothing remotely resembling an Arab film industry. Potential financiers, particularly those in the petro-dollar fuelled economies of the Gulf, were more focused on infrastructure and defence investments than culture. The region was also woefully lacking in cinemas and, while the Arab world was officially bound by the same language, in reality the 22 countries all had dialects and local customs that frequently remained specific to their own borders. The result was the absence of a genuine pan-Arab market for Arab cinema, with only a handful of film-makers, such as Egypt's Youssef Chahine, receiving international recognition.
Para ler o artigo completo no Guardian, clicar aqui.
Sergio Larraín, retratado em Londres en 1958
Sergio Larraín ,el fotógrafo chileno más reputado, exmiembro de Magnum, falleció el martes a los 81 años en su casa de Tulahuén, Chile. Había dado la espalda a la fotografía de primera línea al inicio de los 70, tras adquirir su prestigio en tan solo dos décadas. Su obra, acogida en museos como el MoMa, está enmarcada en temas como la injusticia social y en retratos a personajes claves de su época, como Pablo Neruda y Pelé.
Para ler o artigo completo no El País, clicar aqui.
Hosni Mubarak's fall from power a year ago stunned the world -- three decades of iron-clad rule ended in 17 days by an unexpected groundswell of popular protests.
A banner headline in the Al-Ahram newspaper said: "The people have toppled the regime."
But in the year that followed, Egyptians increasingly realized that what they ousted was one man, not the military that stood behind him. And they grew bitterly frustrated at what they perceive as the slow pace of change.
Saturday brought another reminder of the powers that be in Egypt as America's top military officer was in Cairo to meet with his Egyptian counterparts.
On the table for discussion was the fate of 16 Americans who are among 43 foreigners working for civil society institutions who are to be tried in Egypt for receiving illegal foreign funding.
Para ler o artigo completo na CNN, clicar aqui.
Tan cierto como que los alias creativos no son ninguna novedad, también lo es que la impunidad tras el seudónimo vive un nuevo auge como dispositivo artístico de la mano de grafiteros, artistas multimedia y otros activistas de la reflexión sobre la identidad.
La mística de los superhéroes también hunde sus raíces en la tradición más ancestral. De la unión de estos dos elementos surge Videoman, superhéroe popular nacido en Ciudad de México de la imaginación delperformer Fernando Llanos.
Interviene tanto en las áreas comerciales como en las deprimidas de las ciudades, armado de un complejo e independiente sistema de proyección de vídeo, que le sirve para convertir las noches urbanas en un calidoscopio de luces y colores.
Para ler o artigo completo no El País, clicar aqui.
Men and women, young and old, all walk slowly now by the empty lot at Eighth and Constitución. Everyone stares. Some stop. Many point or shake their heads with surprise.
“It’s really gone, wow, La Ocho,” they say, referring to the old, wretched jail where drunk Americans and hardened Mexican criminals huddled behind bars amid the stench of vomit and corruption. But was the demolition, which took place last month, good or bad for Tijuana?
Few cities would even ask, in the face of such civic filth. La Ocho, after all, was a holding pen where American teenagers who were caught with a joint or had too much to drink often had to pay a $2,000 bribe for freedom. It was prison on prime downtown property, where gang leaders roamed free on the top floor as peons suffered below in tiny cells with useless toilets.
Para ler o artigo completo no New York Times, basta clicar aqui.
O sono é minha areia
piso nele. É feito feno
engulo ele. É meu planeta
moro nele desde ontem.
Maré que morde esse novelo
que era um homem, nylon
preso pela franja, nylon
verde, musguenta.
Sem risada
coisas acordadas
dizem seu nome.
Depois somem.
Nuno Ramos (1960)
in Junco, ed. Iluminuras, São Paulo, 2011
Escultor, pintor, desenhista, cenógrafo, ensaísta, videomaker. Formado em filosofia na Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da Universidade de São Paulo - FFLCH/USP, de 1978 a 1982. Trabalha como editor das revistas Almanaque 80 e Kataloki, entre 1980 e 1981. Começa a pintar em 1983, quando funda o atelier Casa 7, com Paulo Monteiro, Rodrigo Andrade, Carlito Carvalhosa e Fábio Miquez. No ano seguinte, recebe do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo - MAC/USP a 1ª Bolsa Émile Eddé de Artes Plásticas. Em 1992, em Porto Alegre, expõe pela primeira vez a instalação 111, que se refere ao massacre dos presos na Casa de Detenção de São Paulo (Carandiru) ocorrido naquele ano. Publica, em 1993, o livro em prosa Cujo e, em 1995, o livro-objeto Balada. Vence, em 2000, o concurso realizado em Buenos Aires para a construção de um monumento em memória aos desaparecidos durante a ditadura militar naquele país. Em 2002, publica o livro de contos O Pão do Corvo. Para compor as suas obras, o artista emprega diferentes suportes e materiais, e trabalha com gravura, pintura, fotografia, instalação, poesia e vídeo.
Vencedor do Prémio Portugal Telecom de Literatura em Língua Portuguesa 2009, pelo seu primeiro romance, Ó.
Para ler entrevista de Alexandra Lucas Coelho a Nuno Ramos, clicar aqui.
UNA PREGUNTA A....
Robin Cembalest, directora de la revista Art News
¿Por qué hay tanto interés por el arte latinoamericano en EE UU ahora?
Creo que es porque las tendencias intelectuales internacionales están coincidiendo con las realidades demográficas. La historia del modernismo que se solía contar en este país, en libros de texto y a través de las salas de los museos, era demasiado lineal y superficial, focalizada casi exclusivamente en la creación europea y norteamericana. Ahora que el canon se está expandiendo y los comisarios e historiadores del arte están “descubriendo” estos sorprendentes artistas, que han estado allí todo el tiempo –tanto en América Latina como en Asia, África u otros lugares alejados de las consideradas capitales— los museos, galerías y universidades están presentando visiones más inclusivas, más matizadas y texturadas de la historia del arte. El interés por América Latina es parte de eso.
Para ler o artigo completo, basta clicar aqui.
Palácio Presidencial, Dacar
En annonçant sa candidature à la présidentielle du 26 février, le chanteur Youssou N’Dour a ajouté son nom à une liste déjà longue d’opposants au président Abdoulaye Wade. La vie politique sénégalaise ressemble à un chaudron de déception et de colère sur fond de crise sociale. Mais le mal dont souffre le pays — en panne de croissance — déborde le cadre des clivages politiciens.
Para continuar a ler o artigo de Sanou Mbaye, basta navegar para aqui.
World Press Photo 2011, Samuel Aranda
Bertina Lopes, Pintura, 1980
Fechou-se o pátio, um pátio como um quintal onde a família se sentava e conversava, onde os amigos eram da casa e por isso os seus amigos eram também família. Um pátio solar, sobre Roma, onde Mama B vivia há 40 anos e onde pintava. Uma pátio como um farol, de onde observava o Império, aquém e além mar.
Roma arrefeceu ontem. Ficam as telas, enormes, que ainda há pouco insistia em pintar.
Elisa Santos
« Manière de voir » n° 121 — Février-mars 2012
Cinquante ans après une indépendance particulièrement traumatisante, la bourrasque de la révolution balaie à nouveau tous les clichés. Paradoxalement, l’Algérie, à l’avant-garde dans les années 1960, semble préservée de ces espérances. Illusion d’optique !
A la fin d’une lutte qui aura duré plus de sept ans, de 1954 à 1962, l’Algérie dévastée, meurtrie, affaiblie par le départ de centaines de milliers de pieds-noirs, accède à l’indépendance, fière de sa victoire et animée d’une flamme révolutionnaire. Elle veut bâtir un ordre socialiste nouveau, liquider le sous-développement, mettre en œuvre une réforme agraire, construire un enseignement de masse. Dans les années 1960 et 1970, Alger devient la capitale du tiers-monde et abrite les mouvements de libération qui luttent, souvent les armes à la main, de l’Afrique australe à la Palestine.
La récupération par l’Algérie de ses ressources pétrolières constitue un premier pas dans le combat pour un ordre international nouveau, dont le fer de lance est le mouvement des non-alignés qui cherche, après l’indépendance politique, à arracher l’indépendance économique. C’est le temps des mobilisations, mais aussi celui des illusions. Car, sur le terrain, les projets se heurtent à des difficultés inattendues et, surtout, à l’ordre politique instauré par le Front de libération nationale, qui étouffe la société et freine un développement économique équilibré.
Un printemps qui se fait attendre
Jean-Pierre Séréni
Vocation socialiste et autogestion ouvrière
Robert Gauthier
En 1971, la reconquête du pétrole
Sid-Ahmed Ghozali
Alger, capitale des révolutionnaires en exil
Claude Deffarge et Gordian Troeller
Shéhérazade, une femme à part
François Bouchardeau
Le cinéma, miroir de la société
Mouloud Mimoun
Enfin, le tiers-monde...
Mohammed Bedjaoui
A marche forcée, l’industrialisation
Marc Raffinot
Para ler o artigo completo no Le Monde Diplomatique, basta clicar aqui.
Platos de Ceviche. / SANTI BURGOS
El patriotismo culinario no es perverso y hasta me inspira simpatía, pero quienes sí me parecen malignos y peligrosos son los modernos adalides de la cocina de vanguardia
Sospecho que todos estaremos de acuerdo en que los conceptos de extraño y extranjero suponen unas mínimas nociones acerca de lo normal y lo autóctono, pues sólo desde el idílico orden propio -aborigen o nacional- es posible experimentar pánico, estupor, perplejidad o fascinación hacia lo extranjero. A los niños de la década de los sesenta, por ejemplo, nos enseñaron que lo extranjero siempre era mejor que lo peruano, ya se tratara de ropa, chocolates o películas. Y así, cuando la dictadura del general Velasco suprimió todas las importaciones y especialmente las de juguetes, los niños de mi generación intuimos que había países a pilas y países a cuerda.
En realidad, el temor y la desconfianza hacia lo propio y lo nacional sobrevivieron a pesar de mi formación universitaria, pues cuando mi esposa estaba preparada para recibir una inyección epidural en la médula espinal y así dar a luz sin dolor a nuestra hija mayor en un hospital de Lima, el ginecólogo sacó dos frascos y me preguntó a bocajarro: “Esta anestesia es peruana y esta otra la importamos de Estados Unidos. ¿Cuál le ponemos a su señora?”. En mi descargo debo decir que aunque todos los patriotismos y doctrinas identitarias se me antojan una suerte de opiáceo narcótico, algo me decía que sería más sencillo despertarse de una anestesia extranjera que del patriotismo farmacológico.
EL PAÍS me pide una reflexión acerca del barullo montado a colación (y colisión) de un texto publicado en el blog Vano oficio, donde el escritor Iván Thays opinaba legítimamente sobre cocina, literatura, nutrición e identidad nacional; macedonia de temas que indignó a miles de blogueros peruanos y dejó perplejos a cientos de internautas croatas (“¿por qué Macedonia?”). La verdad es que siempre había pensado que mezclar la gastronomía con la identidad nacional era como preparar un arroz con mango, hasta que descubrí que ese plato se llama Kao Neaw y es bandera de la repostería thai. Por lo tanto, no he vuelto a usar esa expresión para que los tailandeses no piensen que me río de su gastronómica identidad nacional, porque insondables son las recetas del Señor.
Para continuar a ler o artigo de Fernando Iwasaki, basta navegar para aqui.
Antropóloga musical, poeta, pintora, cantautora, bordadora, ceramista, mujer telúrica de fondo trágico y vida fértil, Violeta Parra (La Violeta Parra en su Chile natal) se pegó un tiro en la cabeza en su carpa de La Reina un día como hoy hace 45 años. Le faltaba poco para cumplir 50 años pero el fracaso económico de su utópico proyecto de comuna musical en el campo y el fiasco de su no menos utópico proyecto sentimental junto a sus hijos y un hombre suizo 16 años menor que ella dieron al traste con sus ganas de vivir.
En realidad, como casi siempre, la culpa de que apretara el gatillo no fue de nadie. Era una mujer enérgica y tozuda. Tanto como para cruzar Chile con la única compañía de su guitarra y un cuaderno con el empeño de no dejar morir un legado cultural que sin ella se hubiese perdido en los nichos de los pueblos más remotos. Una mujer infatigable que, sin embargo, y como escribió su hermano Nicanor Parra, último premio Cervantes, resultó ser “un corderillo disfrazado de lobo”.
“Yo nunca le pedí cuentas”, recuerda su hijo Ángel, autor de Violeta se fue a los cielos. En esta novela, publicada en 2006, se basa el filme sobre la vida de la artista (interpretada por Francisca Gavilán), que ganó el pasado fin de semana el máximo galardón del festival de Sundance. “No hay rencor hacia ella. Mi madre fue una mujer revolucionaria, una mujer con mucho carácter. Alguien único que emprendió, junto con su hermano Nicanor, una cruzada que ha determinado el destino de la poesía y del canto popular chileno”.
Ángel Parra vive en París desde que la dictadura le condenó a la cárcel y al exilio. El hijo mayor de Violeta Parra (tuvo cuatro) colaboró con Andrés Wood, director del filme, y también trabaja en un futuro museo dedicado a la figura y la obra de su madre. “Era una mujer de una genialidad absoluta”, afirma Wood. “Por la profundidad de sus estudios y por la claridad que tuvo a la hora de reconocer la cultura popular de su pueblo”.
Para el director, la rica personalidad de Parra (hosca, irónica y vital) está hoy muy presente en las nuevas generaciones chilenas. “Representa una imagen muy fuerte para los nuevos movimientos estudiantiles. Por su irreverencia, su valentía y su incapacidad para permanecer callada. Hay una generación de cantautores muy jóvenes, como Manuel García, Chinoy o Francisca Valenzuela, para los que ella es una absoluta referencia”.
Para ler o artigo completo de Elsa Fernández-Santos, basta clicar aqui.
Wina Miranda says tomatoes can cost up to $16 per kilo
When you think of the world's most expensive cities, the dusty Angolan capital of Luanda seems an unlikely contender
Potholed, chaotic and still scarred by decades of civil war, the city has little of the glitz and glamour of Tokyo, New York or Moscow, and an estimated half of Angolans live on less than $2 a day.
But despite the obvious poverty and sprawling slums, Luanda still manages to boast some eye-wateringly high prices.
A house can be $10,000 (£6,500) a month to rent, a basic meal out for two is easily $50, a hotel room can weigh in at $400 a night and a kilo of imported tomatoes a staggering $16.
A basic saloon car without a driver (which foreigners need to negotiate the difficult traffic and parking) will be $90 a day, but upgrade to a SUV (recommended due to the poor quality roads) and you're looking at $200.
'Expense'
It is prices like these that in recent years have seen Luanda top expatriate-cost-of-living surveys by agencies such as Mercer.
When Wina Miranda moved from Indonesia to Luanda in 2008 with her engineer husband Erwin Santosa, she knew the city was going to be expensive, but she wasn't prepared for quite how expensive.
"Actually the cost of living and the expense was all I found when I Googled Angola," the 34-year-old said.
"There wasn't much else, no pictures or other information, just stories saying how expensive it was here. But actually we didn't know quite how expensive it was until we really came here and experienced it."
Erwin, also 34, works for an international oil company which pays for his family's housing (a compact three-bedroom bungalow inside a private compound in the south of the city), his car and their seven-year-old daughter Obin's international school fees.
Para ler o artigo completo de Louise Redvers na BBC News, basta clicar aqui.
Chimurenga, a pan-African English-language journal, depicts the continent’s horrors, sometimes from very close...I once had coffee in Cape Town with a Cameroonian named Ntone Edjabe. He ran an English-language journal called Chimurenga, but what I remembered from our chat were his vignettes of Lagos (where he’d studied) and Johannesburg (where he went next). In Lagos, he said, you’d be driving down the highway and suddenly see a guy selling cars on the highway. Lagos was crazy, and yet it felt entirely safe. Whereas Johannesburg seemed sane, but never felt safe.
I sent Edjabe some articles, but otherwise forgot about Chimurenga until a recent issue arrived in the mail. (Declaration of interest: I’m proud to say I have an article in it.) I read it and was staggered. I’d always thought the zenith of journalism was The New Yorker, but in parts, Chimurenga is better.
It’s also more surprising: I love well-off media types from New York or London, but by now we do tend to know how they think. By contrast, reading Chimurenga you keep thinking, “Who knew?” Who knew that (as one article recounts) Bloemfontein has a literary scene of authors and critics writing for no money, guided by a Nigerian immigrant, and headquartered in an Afrikaans literature museum? Chimurenga changes your view of Africa, and of journalism.
Para ler o artigo completo de Simon Kuper, basta clicar aqui.
Para compreender o que significa a palavra futuro, é preciso antes saber o que significa uma outra palavra, a qual não estamos mais habituados a utilizar, ou ainda, que estamos habituados a usar apenas na esfera religiosa: a palavra fé. Sem fé ou crença, não é possível futuro. Isto é, há futuro somente se podemos esperar ou crer em algo.
Mas, o que é a fé? David Flusser, um grande estudioso de ciências da religião, e ainda há uma disciplina com esse estranho nome, um dia estava trabalhando sobre a palavra pistis, que é o termo grego que Jesus e os apóstolos usavam para fé. Naquele dia, estava passeando e, por acaso, encontrava-se numa praça em Atenas. Num determinado momento, olhando para cima, viu escrito em grandes letras à sua frente Trapeza tés Pistéos. Surpreendido pela coincidência – a palavra pistis – observou com mais atenção. Depois de alguns segundos se deu conta de que se encontrava simplesmente diante de um banco. Trapeza tés Pistéos significa em grego “banco de crédito”. Foi uma espécie de iluminação. Eis, finalmente, o que significava a palavra pistis, que há meses estava tentando compreender. Pistis, fé, é simplesmente o crédito de que gozamos junto a deus e de que a palavra de deus goza em nós a partir do momento em que nela cremos.
Por isso Paulo pode dizer, numa famosíssima definição, que a fé é “substância de coisas esperadas”. A fé é o que dá realidade ao que ainda não existe, mas na em que cremos e temos fé, porque nela colocamos em jogo o nosso crédito, a nossa palavra. Algo como um futuro existe apenas na medida em que a nossa fé consegue dar substância, isto é, realidade, às nossas esperanças.
Mas a nossa, sabe-se, é uma época de escassa fé. Ou, como dizia Nicolà Chiaromonte, uma época de má-fé; isto é, de fé mantida à força e sem convicção. Portanto, uma época sem futuro e sem esperanças (ou, de futuros vazios e de falsas esperanças). Mas nesta época, muito velha para crer verdadeiramente em algo e muito esperta para ser verdadeiramente desesperada como deveria, o que se faz do nosso crédito? O que se faz do nosso futuro?
(...)
Para continuar a ler a intervenção de Giorgio Agamben (tradução para português de Vinícius Nicastro Honesko, no blogue "Flanagens"), basta clicar aqui.
'Violeta se fue a los cielos', de Andrés Wood y 'Joven y alocada', de Marialy Rivas, premiadas como mejor filme y mejor guion
La organización de Sundance, certamen conocido como la meca del cine independiente, fue la primera sorprendida ante la selección de dos cintas chilenas a competición en su categoría internacional pero la calidad de ambas contendientes quedó probada este fin de semana con la concesión de sendos galardones las dos películas de habla hispana.
En un mar de indies con marchamo estadounidense la película Violeta se fue a los cielos, de Andrés Wood, obtuvo el premio a mejor película en la sección de cine internacional mientras que Joven y alocada, ópera prima de Marialy Rivas, hizo lo mismo en la categoría de mejor guion. "Es un reconocimiento que tomamos en nombre de toda la comunidad fílmica chilena", indicó Wood en un comunicado cuando la actriz Julia Ormond le entregó el galardón en ausencia. En declaraciones a la prensa sobre este hito para la cinematografía chilena, Wood no pudo ocultar su sorpresa asegurando que la selección de la cinta en este certamen internacional que desde hace 32 años se celebra en Park City (Utah, EEUU) fue ya una victoria. "El premio es un regalo más y nos da energía para intentar distribuir la cinta allá", dijo desde Chile a la prensa local en referencia a unos intentos que llevaron a Violeta se fue a los cielos, centrada en la vida de la cantautora chilena, a las puertas de los Oscar y de los Globos de Oro aunque sin resultados.
Para ler o artigo completo de Rocío Ayuso, basta clicar aqui.
El papel de la cultura hispanohablante aumenta veloz en Estados Unidos. No solo númericamente, ya son la minoría mayoritaria, sino como influencia y presencia cultural real. "Y tienen pánico". Esta es una de las conclusiones de la mesa redonda convocada por este diario en su especial EL PAÍS en el Hay Cartagena de Indias 2012, con la participación de cuatro autores nacidos y criados en Estados Unidos y/o muy vinculados a ese país: los escritores Francisco Goldman, Edmundo Paz Soldán y el historiador Morris Berman.
En este vídeo los cuatro invitados dan algunas de las claves de la transformación vivida tanto por la cultura hispana como por la manera como Estados Unidos ha asumido y está asumiendo ese protagonismo emergente. El afloramiento del racismo o la discriminación y las medidas contra los inmigrantes son la expresión del miedo a una situación real. "Los republicanos creen que están en el apocalipsis. Tienen pánico", dicen los invitados.
Para ler o artigo completo e ver o vídeo, basta clicar aqui.
Esta obra discute o papel do design em nossa época, caracterizada ao mesmo tempo pelo excesso de informação e imaterialidade. O autor ressalta que, para que o design seja efetivo no mundo atual, deve-se considerar sua complexidade como “um sistema composto de muitos elementos, camadas e estruturas”. E cita a internet como maior exemplo: uma rede complexa a ponto de não ser inteligível. Seu livro é o oposto: expõe os dilemas dessa complexidade de maneira clara e acessível, tanto para o leigo quanto para o estudioso.
Design para um mundo complexo atualiza a discussão proposta por Design para o mundo real, publicado há quarenta anos, em 1971. Seu autor, o designer norte-americano Victor Papanek, alertava para a perda de sentido do design de matriz modernista crescente e perversamente estetizado em face de um mundo assolado pela miséria, violência e degradação, e conclamava os designers a saírem de seu universo autoreferente para projetarem soluções para o mundo real.
Para saber mais sobre esta obra de Rafael Cardoso, publicada pela Cosac Naify, com ilustrações de Francisco França e capa de André Stolarski, basta navegar até aqui.
Tríptico de recuerdos... y bienvenida
¡Por fin volvió el Hay Festival a Cartagena de Indias!, comenta la gente en la ciudad colombiana. Y sólo ha pasado un año desde la última vez. Se refieren al inicio hoy del certamen cultural y literario creado aquí en 2006, pero fundado en Hay-on-Way (Gales) en 1988 y reproducido en otra media docena de ciudades de todo el mundo. Daniel Samper, Óscar Collazos y Mario Jursich, tres autores colombianos que no se han perdido ninguna de las otras seis ediciones del Hay Festival de Cartagena de Indias ejercen de anfitriones y dan la bienvenida a los lectores que nos siguen en este escenario virtual con el cual queremos llevar a sus ordenadores este evento: EL PAÍS en el Hay de Cartagena 2012. Los escritores nos cuentan las huellas que han dejado en sus vidas esta cita literaria. El resultado es un tríptico de recuerdos y de invitaciones a no perderse esta cita cultural que este año reunirá a más de cien creadores de todo el mundo en 66 eventos diferentes.
Con Samper, Collazos y Jursich abrimos la sección Bitácora coral de nuestro especial en la cual, cada mañana, tres autores invitados al Festival contarán en primera persona sus vivencias en una ciudad que desde hoy y hasta el domingo espera recibir a 35.000 personas en una quincena de escenarios. Por ello este diario ha preparado el especial EL PAÍS en el hay de Cartagena 2012, cuya programación puedes consultar aquí.
Para continuar a ler, é clicar aqui.
Composición de 1958 de Gyula Kosice para 'Grupo argentino Internacional Art Madi' y, a la derecha, portada de '7 pintores abstractos' (1957). / [AUTFOTO]collection gyula kosice / galería pizarro
Frida Kahlo, según su marido, Diego Rivera, es “la pintora más pintor y la prueba mejor de la realidad del renacimiento del arte de México”. Así lo escribió en un largo artículo de 1943. En el Manifiesto Madí de 1947, firmado por Gyula Kosice, Rhod Rothfuss y Arden Quin, quedan claras las directrices para los artistas que lo asuman: “El dibujo madí es una disposición de puntos y líneas sobre una superficie. La pintura madí, color y bidimensionalidad. Marco recortado e irregular, superficie plana o superficie curva o cóncava. Planos articulados con movimiento lineal, rotativo y de traslación”. Son dos ejemplos, elegidos al azar, entre los más de 10.000 documentos del Archivo Digital de Arte Latinoamericano y Latino (en Estados Unidos) del siglo XX puestos esta semana a disposición del público por el Museo de Bellas Artes de Houston (MFAH) y el Centro Internacional para las Artes del Continente (ICAA) en http://icaadocs.mfah.org.
Una labor que ha llevado más de 10 años y 50 millones de dólares (38,5 millones de euros), realizada por un equipo de un centenar de investigadores de 16 ciudades: de Buenos Aires a São Paulo; de Bogotá, Lima, Nueva York a Los Ángeles. La importancia de esta iniciativa estriba en que ha reunido y preservado documentos de una historia que todavía tiene muchos capítulos por fijar. “Se podría argumentar que la historia del arte latinoamericano del siglo XX está aún por escribirse”, afirma Mari Carmen Ramírez, directora del proyecto. “Al proveer acceso a fuentes esenciales provenientes de diversos países y contextos, el Proyecto de Documentos del ICAA pretende establecer las bases para una futura historia comparativa del arte moderno y contemporáneo de los países latinoamericanos”.
El arte latinoamericano vivió con pasión en el siglo XX todos los signos del modernismo. La abstracción o el surrealismo, el geometrismo y diferentes movimientos de acción política o estética, tuvieron su reflejo. ¿Reflejo? Así lo pensaban los propios protagonistas, de alguna manera disminuidos ante el poco aprecio internacional de sus manifestaciones. Se triunfaba en Europa y en Estados Unidos. El éxito local era un premio de consuelo. La proverbial incomunicación entre los propios países latinoamericanos hizo que la mayoría de los documentos surgidos de estas manifestaciones y artistas quedara dispersa. “Estamos ante un testimonio del alto nivel que alcanzó la producción intelectual”, explica la puertorriqueña Mari Carmen Ramírez. “Demuestra que en América Latina no solo se produjo arte, sino pensamiento teórico sobre el cual se fundamenta la producción artística. Se encontrarán muchos casos en que los latinoamericanos se anticiparon tanto en la teoría como en la práctica a desarrollos artísticos importantes en EE UU o Europa”.
Para ler o artigo completo de Fietta Jarque basta clicar aqui.
(Egyptians set off fireworks in Tahrir Square in Cairo to celebrate the first anniversary of
the 25 January uprising against Hosni Mubarak. Photograph: Mohamed Omar/EPA)
A year after the overthrow of Egypt's Hosni Mubarak, protesters return to Tahrir Square to hold the military to account
The final approach to Qasr el-Nil bridge on Zamalek island runs past a series of shaded gardens surrounding the national opera house, a rare patchwork of green amid Cairo's fume-choked Tarmac quilt. Mahmoud Hamdy remembered walking down this same road exactly a year ago to the day, heart pounding and eyes burning, as thousands of anti-regime protesters burst through police lines and struck a fatal blow to one dictator's three-decade aura of invincibility.
"I felt so confident that afternoon, almost dizzy," said the 24-year-old. "But when we reached the bridge there were lines of security troops blocking our way. They were there again on 28 January, making their last stand against the people.
"It was so difficult to pass, but we knew that everything rested on us doing so, everything rested upon us reaching Tahrir."
Twelve months later Hamdy once again found Qasr el-Nil impassable as he tried to make his way towards the capital's main square, the name of which has now become globally synonymous with occupation, resistance and revolt.
This time though it wasn't Hosni Mubarak's hated security forces blocking the way but hundreds of thousands of like-minded fellow citizens, all intent on converging on the same plot of land. They waved flags, held aloft placards, sang and danced and raised their fists in memory of the martyrs, filling first Tahrir, then all the traffic arteries leading into it, and then all the capillaries that branched off from them, until central Cairo – its buildings, its cars and, on Wednesday, its overwhelming volume of people – coagulated into one big revolutionary clot. "These are the Egyptians," nodded Hamdy approvingly. "This is how we speak our mind."
In the 365 days since Egypt's revolution erupted with a breathtaking shudder on to the world stage, the gap between its hopes and its achievements has yawned wide for Hamdy. Like so many others, he watched friends die, first in the struggle to bring down Mubarak and then again in the multiple uprisings that have taken place since, targeting the regime-friendly generals who replaced him.
Para continuar a ler o artigo do correspondente do The Guardian no Cairo – Jack Shenker – basta clicar aqui.
(Menna Genedy, 'Egypt is the Land of Civilization’, 2011)
Countless languid women – abstract and figurative, sensual and monumental, modern and mythological – hang under the high-ceilings of a dustry building which resembles a recently deceased bank. This is Ibrahim Abd El-Rahman’s extensive collection of Egyptian paintings (I mentioned his gallery in my previous post on art in Cairo). Of these, perhaps the most striking are Ibrahim El Dessouki’selegant portraits (often of his wife, also a painter), which tempt comparison with Modigliani and Klimt. This collection of female forms – abstract and figurative, sensual and monumental – suggest certain trends in Egyptian painting and the nature of its buyers.
At Art Corner, a newish gallery in a Zamalek shop, two ink drawings lean casually against a wall. These are, I am told, the work of a French artist Paul Beanti, who came to paint the revolution and was arrested in Tahrir Square. The drawings give his account of arrest, attempted humiliation, striking back with satirical anger. The woman watching the gallery absent-mindedly whilst stringing a set of glass beads, goes to fetch one of Beanti’s paintings from the storeroom. When she returns, and the painting is removed from its bubblewrap, the exposed painting strikes me more than any of the other artists’ paintings on the walls: a composition in bright swathes of roughly applied orange, purple and yellow, the head of a sphinx emerges from within a haze of what looks like marker pen. The artist used sand and soil to give his work its roughness. The work made during his stay suggests he viewed his role as a foreign artist in residence in Cairo as that of agent provocateur (an interview in al-Ahram dutifully mentions that the artist’s main fascination – in his own [admittedly circumcised] genitalia – makes his work unacceptable in Egypt). These paintings look naked, aggressively so, insistently naïve. I wonder what art this revolution really needs.
Para ler o artigo completo de Orlando Reade, basta navegar até aqui.
Dos de los grandes fotógrafos que participan en la exposición 'Foto/Gráfica' en París comentan sus fotolibros, rescatados del olvido por Horacio Fernández (na foto)
Si lo dice el poseedor de una de las mayores colecciones privadas de libros de fotografía, debe de ser cierto o aproximarse a la verdad: "El fotolibro latinoamericano es el secreto mejor guardado de la historia de la fotografía". Martin Parr dixit. Para comprobar la nula presencia de exageración en esa frase, se puede acudir a Le Bal, el centro especializado en fotografía documental inaugurado en 2010 en París, para ver la exposición Foto/Gráfica. Una nueva historia de los libros de fotografía latinoamericanos, el muestrario de tesoros icónicos comisariado por el español Horacio Fernández que fue inaugurado la pasada semana en París.
Se trata de la première mundial de una exposición itinerante surgida a partir del libro El fotolibro latinoamericano, editado por RM y presentado el otoño pasado en Madrid. El público español tendrá que esperar a la primavera –o desplazarse hasta el XVIII distrito parisiense– para admirar esta exposición, que Antonio Sanz ha asegurado para la galería Ivorypress (Madrid) y Lesley Martin para Aperture (Nueva York), y que pasará también por Brasil y Argentina.
Fernández, cuya fotobibliofilia severa impulsó un esfuerzo titánico de documentación apoyado en su red mundial de informantes y oteadores, hace esfuerzos evidentes por quedar en segundo plano, a pesar del hito que supone lograr que Europa descubra las joyas que alberga la América Latina. "La cultura latinoamericana siempre se ha defendido a sí misma como cultura letrada, pero esta muestra confirma la riqueza de la cultura visual en el continente", afirma. "No existe en todo el mundo una relación entre literatura y fotografía tan apasionante".
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Dar Al-Ma’mûn é um centro internacional para residências artísticas, localizado em Tassoultante, uma povoação a 14 km de Marraquexe, no Vale de Ourika. Anualmente o centro recebe entre 15 a 20 artistas marroquinos e internacionais, existindo apoio para a produção das suas obras bem como um programa de visitas personalizadas aos ateliers por profissionais internacionais (críticos, curadores, instituições). Próximo prazo final para candidaturas: 5 Março 2012.
Mais informações em francês, inglês e árabe, no website do Dar Al-Ma’mûn.
