A palavra "cultura" foi uma das mais procuradas no dicionário Merriam-Webster em 2014.
Joshua Rotman traça, na revista New Yorker, a evolução do termo, as suas múltiplas interpretações, conforme contexto, época e corrente de pensamento. Mas porque tantas pessoas querem, hoje, compreender o que significa a palavra cultura? O que é inquietante, actualmente, neste conceito? A que fenómenos está associado? Podemos manter uma única palavra para designar tamanha diversidade?
Here’s my theory: more people looked up “culture” this year because it’s become an unsettling word. “Culture” used to be a good thing. Now it’s not. That isn’t to say that American culture has gotten worse. (It has gotten worse in some ways, and better in others.) It’s to say that the word “culture” has taken on a negative cast. The most positive aspect of “culture”—the idea of personal, humane enrichment—now seems especially remote. In its place, the idea of culture as unconscious groupthink is ascendent.
In the postwar decades, “culture” was associated with the quest for personal growth: even if you rejected “establishment” culture, you could turn to “the counterculture.” In the eighties, nineties, and aughts, it was a source of pride: the multiculturalist ethos had us identitying with our cultures. But today, “culture” has a furtive, shady, ridiculous aspect. Often, when we attach the word “culture” to something, it’s to suggest that it has a pervasive, pernicious influence (as in “celebrity culture”). At other times, “culture” is used in an aspirational way that’s obviously counterfactual: institutions that drone on about their “culture of transparency” or “culture of accountability” often have neither. On all sides, “culture” is used in a trivializing way: there’s no real culture in “coffee culture” (although the coffee at Culture, a coffee shop near my office, is excellent). But, at the same time, it’s hard to imagine applying the word “culture” to even the most bona-fide “cultural institutions.” We don’t say thatMOMA fosters “art culture,” because to describe art as a “culture” is, subtly, to denigrate it. In 1954, when the magazine Film Culture was founded, its name made movie lovers sound glamorous. Today, it sounds vaguely condescending.
This year, there was the rise of the powerful term “rape culture.” (It was coined a long time ago, in a 1975 documentary film called “Rape Culture” that focussed, in part, on an organization called Prisoners Against Rape; Ariel Levy, in arecent piece for this magazine, defines it as “a value system in which women are currency, and sex is something that men get—or take—from them.”) The spread of the idea of “rape culture” hasn’t just changed how we think about rape; it’s changed how we think about culture. Among other things, “rape culture” uses the word “culture” in a way that doesn’t involve, on any level, the idea of personal enrichment. Instead, the term’s weight is placed, fully and specifically, on Williams’s other two aspects of culture: on the subterranean, group-defining norms (misogyny, privilege) that encourage violence against women, and on the cultural institutions (movies, fraternities) that propagate those norms. The term works, in part, because of its dissonance. You can’t see the word “culture” next to the word “rape” without revising your ideas about what “culture” means.
No comparable “culture” term has been invoked in relation to the deaths of Michael Brown, Eric Garner, and the other African-Americans killed, recently, in encounters with the police. But those events have also pushed us to think about “culture” as an inhumane, malevolent force. And I suspect that many of us have also been keeping our own inner ledgers, where we track the ways in which “culture” has seemed, more and more, like the kind of thing you’d want “civilization” to overrule.
Imagem: (da esquerda para a direita) Pedro Juan Gutiérrez, Wendy Guerra, Ronaldo Menéndez e Leonardo Padura. / DANIEL MORDZINSKI
A literatura contemporânea cubana foi tema de destaque do último Babelia, suplemento cultural do jornal espanhol El Pais, que traça o retrato de uma geração que cresceu sob inspiração marxista-leninista e que daí evolui, em vários sentidos. Alguns editam apenas no estrangeiro, e são banidos no seu país, outros publicam em ambos os territórios. Seja como for, as obras destes escritores são marcadas pela insularidade, o insolamento e o espírito crítico.
La literatura ya ha contado los grandes cambios que se avecinan tras el anuncio del restablecimiento de relaciones diplomáticas con Estados Unidos. Los escritores jóvenes ya no tienen la visión de sus padres. A finales del siglo XX una literatura de indagación social y crítica comenzó a narrar el desencanto y la visión de la gente, basada también en el conocimiento de la vida al otro lado del Malecón, el paseo habanero que separa la tierra del mar y cuya esencia es ser frontera orgánica y espiritual del país. Mario Conde, el detective de ficción creado por Leonardo Padura que radiografía moralmente la vida en la isla del Caribe, lleva tiempo recorriendo el mundo y su novela El hombre que amaba a los perros, un relato pormenorizado del asesinato de Trotski, se ha convertido en un éxito. Fue publicada por Tusquets en España.
(...)
En la calle del Obispo, con flamantes librerías, algunas de varios pisos, atendidas por un buen número de funcionarios, tampoco se localizan las últimas novedades. Bolaño o Volpi no existen. En las librerías no hay opciones bajo cuerda, pero en estantes móviles se pueden conseguir revistas culturales históricas como La Gaceta de Cuba o El Caimán Barbudo, entre otras. El escritor Reynaldo González, periodista y uno de los más prestigiosos ensayistas cubanos, perseguido durante casi una década por el régimen por ser homosexual, ve claros signos aperturistas. En su opinión, la mermada industria editorial local no permite muchos dispendios, pero funcionan distintas casas editoriales donde publican lo mismo escritores jóvenes que consagrados como Ana Lydia Vega, Jorge Enrique Lage —su obra Carbono 14. Una novela de culto, publicada en 2010, hace honor a su nombre— y Mirta Yáñez, entre otros. También se editan libros que llevaban años guardados, comoHablando de fantasmas y mucho más, de Esther Llanillo, de 86 años, jubilada tras treinta años como bibliotecaria en la Universidad de La Habana. La narrativa fantástica se codea ya con la histórica, géneros casi marginados en el reino del realismo socialista. "El triunfo de la revolución tuvo tal consenso que arrasó todo. ¡Ojalá se hubiera producido un enfrentamiento ideológico! En los setenta la izquierda estalinista impuso su criterio y los que no estaban de acuerdo tuvieron que abandonar la plaza camino del exilio. Ahora nadie catequiza sobre cómo debe ser el arte, todo eso forma parte de la historia oficial que se convirtió en fracaso. Tampoco al otro lado, la voz del exilio es la misma, muchos tienen hijos que ya ni siquiera hablan español", cuenta Reynaldo González en su residencia habanera, en el barrio del Vedado, una mansión destartalada con un jardín tropical a la entrada que cuida personalmente.
Models of belonging have radically changed with modernity, and allegiances to the nation, to religion, class and tradition have been affected by the global flows, by the creative hybridization of the social, by the claim for rights for new identities (in ethnic, gender or religious terms) and not least by the impact of technological mobility on the lives of individuals and societies. Cultural actors have embraced the change and have been increasingly seeking to reform the very notion of democratic citizenship by dint of creation. As the global flows have helped to question traditional understandings of cultural identity, the notion of citizenship itself has been increasingly reshaped to include new forms of belonging, which often use literature as a mediator in the claim for new legal rights.
On the other hand, a new awareness about the importance of the cultural sector for social and economic sustainability, arising from the role played by the cultural and creative industries has not only given vent to a new professional class, that R. Florida has rightly termed the creative class, but has as well provided new challenges and opportunities for those dissecting cultural work and its meaning making potential.
The idea of culture, either as praxis, as a way of knowledge-production, of individual and collective belonging, as product and as singular creation, cannot do without creativity. While this is undoubtedly true for culture, could the same be argued for the economy? Clearly all human action is marked by some sort of cognitive creativity. One never performs the same task in exactly the same manner, one never thinks twice absolutely alike, and as Derrida contended, repetition does not necessarily mean overlapping. But is this the creativity we wish to consider and does it overlap with creation?
The theme of the V Lisbon Summer School for the Study of Culture focuses on the capabilities of the concept of cultural citizenship as a roadmap for the future, couched in the claim of a new civil contract, sponsored by the arts.
We welcome proposals discussing cultural citizenship from the standpoint of the following issues, amongst others:
- Reforming citizenship in the cultural sector;
- Curating as a strategy of citizenship;
- Globalization and the arts;
- Transglobal flows and literature;
- Literature and new global rights;
- The creative class and cosmopolitan citizenship;
- Cultural policies and entrepreneurship;
- Social media, art and the reform movements;
- Visual culture and the right to look;
Guest Speaker
Marina Abramovic (tbc)
Karl Erik Schøllhammer (PUC-RIO)
Hans Bertens (University of Utrecht)
Luisa Leal de Faria (Catholic University of Portugal)
Esther Peeren (Amsterdam School for Cultural Analysis)
Martin Zierold (Karlshochschule International University)
- More to be announced -
Organization
The Summer School will take place at several cultural institutions in Lisbon and will gather doctoral students and post-doctoral researchers from around the world.
In the morning there will be lectures and master classes by invited keynote speakers.
In the afternoon, participants will be divided into groups (according to their topics) which will function as paper sessions with one permanent chair and two rotating respondents per group. Participants will have 15 minutes to deliver their presentations, after which there will be 15 minutes for questions and discussion of each presentation with the chairs and the other participants.
Participants are requested to send their papers two weeks in advance (date to be announced) in order to be circulated amongst chairs and students.
Abstract and paper submissions
Proposals for 15-minute papers should be sent to [email protected] no later than January 31th, 2015.
Submissions should include paper title, abstract in English (200 words), name, e-mail address, institutional affiliation and a brief bio (max. 100 words) mentioning main research interests and ongoing projects.
REGISTRATION
Registration fees
Participants with paper – 250€ for the entire week
Participants without paper – €50 per session/day | 150€ for the entire week
Criou a sua primeira obra para o Ballet del Colón aos 25 anos, fundou o Ballet Contemporáneo del San Martín, dirigiu o Ballet del Gran Teatro de Ginebra durante uma década, criou coreografias para inúmeras companhias, do mundo inteiro, e teve criadores como Milton Nascimento a compor para si. No espectáculo que apresentou em Buenos Aires, nos dias 19 e 20 de Dezembro, incluiu três obras suas Pléyades , El mar e Pulsos, interpretadas com o Grupo de Danza de la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM), a companhia universitária que dirige há cinco anos. Oscar Araiz, nome incontornável da dança argentina, falou do seu percurso à Revista Clarín:
–Para empezar por algún punto, ya que tu carrera había comenzado incluso antes, ¿cómo llegaste a crear el Ballet del San Martín? –En 1966 estrené con pocos días de diferencia Estancias , sobre la partitura de Alberto Ginastera, con el Ballet del Colón, y La consagración de la primavera, sobre música de Stravinski, para la Asociación Amigos de la Danza, con bailarines reunidos por mí. Dos obras enormes. Y al año siguiente hice Crash en el Instituto Di Tella. El crítico César Magrini venía siguiendo con muy buenos comentarios estos trabajos míos y cuando lo nombran director del Teatro San Martín me llama para que organice una serie de galas. Yo a mi vez le propongo crear una compañía. Me contesta: “No hay antecedentes; pero probá; si sale bien, seguimos”.
–Viniendo de producciones tan distintas, desde el pop de Crash hasta Estancias para el Colón, ¿qué buscabas para esta compañía nueva? –Nunca me puse una etiqueta: ni de clásico ni de contemporáneo. Con esta compañía aspiraba a una cierta continuidad, olvidarme de la necesidad de reunir bailarines para cada nueva obra. Duró poco, apenas tres años.
Danelle Malan é uma ilustradora sul-africana, formada em Belas Artes e especializada em Pintura pela Michaelis School of Fine Art, co-autora de Cottonstar, um webcomics criado em 2008, disponível on line desde 2011 e que em 2012 teve a primeira edição em papel. Uma história distópica, num mundo em grande parte submerso, que imagina uma Cidade do Cabo alternativa, num futuro incerto, protagonizada por Renier du Preez, grumete a bordo do navio CootonStar. Na série de entrevistas do site ArtSouthAfrica a criadores de banda-desenhada, Danelle Malan fala sobre o estado da arte no continente africano, o que distingue a banda-desenhada de outras expressões artísticas e a relação entre os criadores africanos e influências de outros continentes, entre outros temas.
What is the current position of comics and other related media in South Africa and the African continent? Have we arrived or are we still on the journey?
(Speaking only for South Africa as Africa is really huge and I can’t even name half the countries in it!) We are most certainly still on the journey. In fact, I am not sure if there is an end to journeys like this! If you mean, “Are we at international standard yet,” I’d say we are closer talent wise and not so close industry wise. We’re still very insular and few people in South Africa can name local comics other than Bitterkomix and Madam and Eve, and of course the political cartoon greats like Zapiro and Fred Mouton. All of these are closely linked to politics and social commentary. I think a large part of the problem is that people pessimistically still cling to the assumption that if anything was produced in South Africa, it’s of inferior quality. This is obviously not the case, and we need to keep on pushing out high quality work until that perception changes.
What can comics do that other art and literary forms cannot in our local context?
The biggest and most obvious point which I am sure other people will also mention is that pictures are more universally accessible than words. A scene of violence or friendship can be read in any language with no words needed. The use of imagery with words is a great way to open up a piece of writing to an audience that would not normally engage with it. And of course if you add humour, it has the added benefit of bringing home a message or narrative where completely serious art or writing would have missed the mark. People who not normally engage with something are drawn in effortlessly. Humour is inclusionary and has a disarming effect. That is not to say humour won’t piss people off if used in a certain context (like political cartooning), but you get the gist of my reasoning.
Do we draw our inspiration from the USA and Europe rather than the rest of the continent? Should we be engaged more closely with creatives from Africa?
It varies greatly. I know a lot of the local comics producers personally and everyone seems to be doing what they enjoy, and a great deal of that stuff is experimental. On the one hand we have people like the Trantraal brothers and Anton Kannemeyer who draw heavily and directly from the tumultuous landscape that is South African socio-political issues. Then on the other hand we have people like Luis Tolosana whose short, wordless comic Phylo’s Wish deals with issues of poverty, the separation of the classes, and escapism – topics which are extremely relevant to South Africa, but which are at the same time universally accessible, because they are global issues, too. Then you get the other end of the spectrum, where people write pure fantasy which contains little to no humans at all, such as Deon de Lange’s Gofu, and Tomica, for which David Covas Lourenco does the writing. With our own project, Cottonstar, the milieu is still South Africa… but a hypothetical (and by that we mean pretty much completely fabricated) future South Africa in which global warming has covered the world in water and left only a few bits of dry land sticking out. We reference South African culture heavily, but are not limiting ourselves to it, and because the global playing field has changed so drastically, it’s easier to apply artistic license to social and economic issues.
Ephrem Solomon nasceu na Etiópia em 1983. Na sua obra, recorre a acrílicos, pedaços de jornal velho e técnicas de design gráfico, num trabalho que pretende reflectir a forma como vê o mundo e o seu país, retratando frequentemente a solidão, uma temática que considera universal. Em 2014, expôs a solo em Untitled Life na Tiwani Contemporary, em Londres, e em 2012 apesentou Le Rustique Exhibition, em Nairobi, tendo já participado em várias exposições colectivas. Numa entrevista à Afribuku, fala do seu percurso e ideias.
¿Qué relación existe entre Etiopía y su trabajo?
Mi vida real, casi todo mi trabajo refleja mis vivencias que son imposibles de separar o de catalogar.
¿Es usted de aquellos artistas que dedica sus obras a alguien concreto?
Bueno, yo creo que la mayoría de las obras están basadas en los sentimientos que estoy viviendo en ese momento concreto de creación. No son sentimientos controlados o con algún objetivo especial que busque reconocimiento. Cuando creo sólo prevalence la motivación.
¿Sus trabajos son creados a partir de la vida real, fotografías o la imaginación?
La mayoría de mi trabajo nace de la vida real y del ambiente que me rodea como gente, actividades o historias.
¿Hacia dónde cree que va el arte?
Para mí el arte va hacia las emociones porque mis obras surgen de ellas (risas). En este momento el arte está expresando las diferentes situaciones que vivimos en el mundo.
¿Cuál cree que es el papel de un artista en la sociedad etíope?
Nosotros como artistas hacemos nuestro trabajo para dejar una huella. Queremos dejar algo permanente, bello y fuerte. Queremos levantar el espíritu de la gente.
Está disponível online o Caderno de Estudos Africanos, jul-dez 2014, do Centro de Estudos Internacionais do ISCTE, composto por duas partes: uma primeira secção dedica a questões de cariz político e militar e o dossiê tematico “Multinational enterprises in Africa: Corporate governance, social responsibility and risk management”, com contributos de autores nacionais e estrangeiros e nota editorial de ana Bénard da Costa.
Em seis artigos temos dois artigos que se debruçam sobre a Nigéria e dois artigos que focam sobre a participação de atores não estritamente políticos nos governos de estados chefiados por líderes de partidos políticos. Contrariamente também a números anteriores, temos apenas um artigo centrado num país dos PALOP, e apenas um dos artigos é de um autor português. O facto de podermos diversificar e, por outro lado, congregar temáticas em números alternados e de a Revista estar a acolher um número crescente de autores de diversas nacionalidades e continentes que trabalham sobre problemáticas africanistas sob diferentes perspetivas, constituiu para todos os que trabalham e colaboram com esta Revista um motivo de grande satisfação.
La vie d’Ebène Duta é uma banda-desenhada que nasceu no blogue da autora camaronesa Ebyon, e que passou do virtual ao papel através de um crowdfunding. A protagonista das histórias, criada em 2011, é uma jovem africana emigrada na Europa e a bem humorada série narra as suas peripécias, desmontando estereótipos sobre a cultura africana.
Elyon’s, la firma tras la que está Joëlle Ebongue, reconoce a medias que Ebène Duta tiene mucho de ella. Esta camerunesa se licenció primero en filología inglesa y francesa en su país de origen, siguiendo el consejo de sus padres. Después viajó a Bélgica, siguiendo sus propios impulsos, y se licenció en artes gráficas visuales mientras desempeñaba diferentes trabajos. Cuando volvió a Camerún trabajó como grafista y como creativa en una agencia de publicidad hasta que decidió dedicarse a su pasión, como ella misma lo define, “ser autora de comics humorísticos”. Sin duda su periplo en el país europeo está en la base de las aventuras de Ebène Duta, aunque su creadora afirma que se alimenta también de las historias que le cuentan amigos y conocidos y de cosas que lee.
En todo caso, la protagonista de las historietas es una joven africana en Europa que debe enfrentarse a una vida lejos de su lugar de origen y también a cómo ven los europeos a los africanos. La joven Ebène hace frente a problemas de su edad como no sentirse a gusto con su cuerpo o a las complicadas relaciones con los hombres y con sus amigas. En Bélgica, hace frío, hay nieve y, sobre todo, europeos con una visión muy particular de los africanos, como el niño que se pregunta si Ebène es negra desde su nacimiento y al enterarse de que sí, sobreentiende que su país debe ser un lugar muy sucio; o la compañera de clase que se asombra de que una camerunesa hable tan bien el francés. Así que Ebène es la voz de las jóvenes, la de las mujeres, la de las migrantes, la de las soñadoras y la de las africanas y, además de retratar la vida, rompe estereotipos.
A African Photography Initiatives, uma instituição dedicada à recuperação de arquivos fotográficos africanos, organiza, em parceria com as Universidades de Buea (Camarões) e Basel (Suiça), a conferência Validating Visual Heritage in Africa: Historical Photographs and the Role of the “Archive”, cujo objectivo é enunciado desta forma:
The aim of the conference is to stimulate discussions about, and set out an agenda for, the space(s), value, role and future of photographic collections within the broader framework of the ‘Archive’.
À conferência, associa-se o projecto Press Photo Archives Buea, de que resulta uma exposição, com intervenções de artistas contemporâneos sobre o arquivo fotográfico camaronês.
"Ausência Permanente", patente até 17 de Janeiro de 2015 na Smac Art Gallery, é a primeira exposição individual na África do Sul do artista angolano Délio Jasse, nascido em Luanda em 1980 e actualmente radicado em Lisboa, vencedor dos BES PHOTO em 2009. Os trabalhos de instalação apresentados reflectem sobre a (des)ordem da cidade onde nasceu, articulando o passado colonial com o presente e as memórias dos seus habitantes actuais.
'Ausencia Permanente' (Endless Absence) deals with the collapse of the Portuguese empire and the plight of theretornados, the Portuguese who departed Africa for the mother country. In 1975 the colonies had existed for over four centuries, and during that time the Portuguese had struck deep roots – the continent had become home to many successive generations. The settlers often married Angolans and Mozambicans and assimilated their customs, just as many Angolans and Mozambicans were effectively Europeanized by the Portuguese education system. The retornados, often failed to identify with the mother country and its culture. Frequently those who had achieved wealth and social prominence in the colonies, found themselves living in desperately straitened circumstances in Portugal having lost their former status.
The installation of 'Ausencia Permanente' exists in a dim pocket of otherness, insulated from the rest of the gallery. It is a space apart, another country in the geography of the floor-plan, and, at first, it proves disorientating. Your eyes have to adjust themselves to the far lower levels of light before you can take your bearings and see your surroundings. Unfamiliar customs prevail. Instead of clinging to the wall, Delio Jasse’s installation rests on the floor, so that you glance downward into a series of nine open Perspex boxes. These contain black and white photographic prints lying in shallow baths of water, like placentas floating in amniotic fluid, or negatives submerged in developer in a photographer’s darkroom. The latter becomes a metaphor for history, for the emergence of the unforeseen, of events that run contrary to our every expectation. Delio also draws an implicit comparison between the photographic image slowly coming into being as it is processed, and a memory gradually arising from consciousness.
Imagem: Andy Warhol, Queen Ntombi Twala Of Swaziland, 1985
Andy Wharol, o nome incontornável do movimento pop art, chegou ao Cairo em 1956, quando era ainda um artista emergente, num período político conturbado no Egipto. Muito mais tarde, nos anos 80, regressou ao continente para um encontro com a Rainha da Suazilândia Ntfombi Twala, de quem fez um retrato. A Contemporary And publica um artigo em que dá conta do impacto destas experiências.
When Warhol touched down in Cairo, relations between Egypt and Israel were severely strained. The concrete apron at Cairo’s airport had become the stage for a military show of strength by Nasser’s government. “There were soldiers all over the place,” recalled Lisanby. Their plane was surrounded. Passengers were instructed to exit.
“Everyone had their passports removed,” writes Victor Bockris in Warhol: The Biography(2003), “and were marched out of the plane across a runway to the sound of screaming fighter jets, marching soldiers and shouted commands, and ushered into a Quonset hut where they were forced to watch a propaganda film, then marched back onto the plane.”
Warhol, who had originally intended to sightsee in Cairo and Luxor, was indifferent throughout the ordeal – “like a Zombie,” writes Bockris. He disembarked, watched the film, re-boarded the refuelled aircraft, and was in Rome by the next the morning.
The setting of Warhol’s first visit to Africa, an airport, also featured as the dominant location during a subsequent visit. After his first visit to Paris, where Warhol’s presence occasioned the “biggest transatlantic fuss since Oscar Wilde brought culture to Buffalo in the 1890s,” according to poet John Ashbery, Warhol travelled to London and Madrid. He bookended his European tour with a spontaneous visit to Tangier.
This Moroccan port city occupied a special place in the American imagination, in part due to the writings of Paul Bowles who first visited the city in 1931 on the advice of Gertrude Stein, and later settled there in 1947. By 1950, when journalist Charles J. Rolo published his article, “The New Bohemia”, Tangier was at the centre of a heady cultural movement where be-bop men and hipsters celebrated “the virtues of hashish” to slack-jawed Americans.
Timbuktu, de Abderrahmane Sissako, que se passa na histórica cidade do Mali no período de dominação de grupos extremistas islâmicos, foi selecionado para concorrer ao Óscar de Melhor Fime Estrangeiro, pela Mauritânia, tendo sido já distinguido com dois prémios no Festival de Cannes em Maio. Larry Rohter, no New York Times, começa por lembrar o publico que o único realizador africano distinguido pela Academia de Hollywood foi Gavin Hood, pelo filme Tsotsi, em 2005, apresentando depois excertos da sua conversa com o realizador mauritano agora seleccionado, em que este fala do filme e da forma como o chamado "cinema africano" é olhado pelo ocidente.
Q. Do you think there are any special difficulties or burdens you face in being an African filmmaker that an Asian or Latin American director wouldn’t confront? A. Well, that’s what we’re called, “African filmmaker,” in quotes, but is there such a thing? Think about it in terms of Europe. For example you could have a Belgian film nominated for an Oscar, and it will be called a Belgian film, not a European film. But if you have a Mauritanian film that is nominated for an Oscar, suddenly it becomes an African film. And I think that is because the rarity of it leads to this kind of naming. So it’s a burden, but also an opportunity, to represent a continent. Because if it’s a success, it’s a success shared by everyone, and that for me would be the greatest honor, to win for an entire continent. Q.What are your expectations for the Oscar? Would you be content with a nomination? A.I think it’s like being selected for Cannes. Even to be nominated, the nomination itself is a prize. It’s a victory, both for the film and the subject. But for once, I’m not going to be modest. I want to win. Because the Oscar is not for us, it’s for everyone who’s out there. If we get it, it’s almost like the world is opening.
Beatriz Batarda venceu o prémio de Melhor Actriz no Festival de Cinema Luso-Brasileiro, domingo, dia 14 de Dezembro, pelo seu papel no filme Yvone Kane, que estreou em Junho de 2014 no Próximo Futuro.
O prémio, anunciado domingo à noite, foi atribuído pelo júri da competição de longas-metragens da 18.ª edição do festival, que começou no dia 7 apresentando em competição 15 curtas e 10 longas-metragens.
Rodado em Portugal e em Moçambique, Yvone Kane é uma nova colaboração entre Beatriz Batarda e a realizadora Margarida Cardoso depois de A Costa dos Murmúrios (2004). Resultado de uma coprodução luso-brasileira que teve estreia internacional em Outubro no Brasil, no Festival do Rio de Janeiro, o filme conta a história de Rita, uma mulher de luto pela sua filha recém-falecida que volta ao país africano onde cresceu para investigar a verdade sobre a morte de Yvone Kane, uma ex-guerrilheira e activista política.
Tavaziva Tené um espectáculo que comemora 10 anos da companhia de dança do bailarino Bawren Tavaziva, nascido no Zimbabué, conhecido por articular na sua obra coreográfica as danças tradicionais africanas e a dança contemporânea e que confessa ter crescido fascinado por Michael Jackson. O espectaculo oferece uma retrospectiva da sua carreira, que passa por espectáculos como Umdlalo Kasisi (2004), sobre a doença que vitimou a sua irmã e que constitui ainda um grave problema no continente africano, a Sida, o Mandla (2006), uma homenagem a Mandela, ou Sinful Intimacies (2009) que coloca em palco o dialogo entre tradição, cultura e actualidade, entre outros.
Política, sexualidad, libertad o corrupción son algunos de los temas temas que Tavaziva ha llevado a los escenarios en estos 10 años a la par que se ha dejado patente los paisajes, los sonidos y la fauna del continente. Con el trabajo Sensual Africa (2012) se adentró en las danzas de Malawi mientras que en Wild Dog (2009) el coreógrafo puso en evidencia la precaria situación de una de las especies características de África.
“Mi trabajo se enfoca en los seres humanos”, dice rotundo Tavaziva quien además añade que “es un lenguaje que habla más allá del color”. Sin embargo, el coreógrafo afirma que la temática de sus producciones pueden ofender a mucha gente en su natal Zimbabue.
Tavaziva echa de menos su país pero no lo visita desde que realizó My friend Robert(2009), una producción política que retrata la trayectoria presidencial de Robert Mugabe. “Sabía las consecuencias que traía pero tenía que hacerlo”, dice el coreógrafo que no ha ido a Zimbabue desde entonces. “Si voy tendré problemas o me veré envuelto en un accidente. Esa es la manera en la que matan”, explica Tavaziva.
A Revista Cult relembra um autor e obra fundamentais da literatura brasileira: Lavoura Arcaica, de Raduan Nassar, publicada em 1975, poucos anos antes de o escritor abandonar a vida de escrita. O livro e a adaptação ao cinema, em 2001, pelo realizador Luiz Fernando Carvalho são considerados pelo colunista Renato Tardivo «obras indispensáveis sobre embates geracionais, relações de poder, grupos e seu potencial para a exclusão, amor e saudade».
Lavoura arcaica é uma prosa poética que flui de forma assombrosa. Nela, é possível que apenas uma palavra sirva de ponte entre tempos longínquos – lugares distintos. A narrativa, de atmosfera lírica e trágica, consiste na volta de um filho para casa, onde houve uma relação incestuosa com uma das irmãs, Ana. André, o narrador-personagem, costura os estilhaços que assolaram sua família em texto.
É o que o protagonista realiza, dessa vez nas condições de narrador e personagem do filme homônimo, dirigido por Luiz Fernando Carvalho, ao voltar o olhar àquilo que viveu e costurar os flashes de memória em um fluxo mais ou menos contínuo. O filme, de 2001, foi fotografado por Walter Carvalho e integrou a mostra dedicada ao diretor de fotografia no início de outubro deste ano, no Cine Belas Artes, em São Paulo.
A fotografia é um dos pontos altos do filme, que se estende por quase três horas e desenvolve o potencial lírico do romance. “São membranas da memória. São imagens em camadas que ficam guardadas” – dizWalter Carvalho, em Nosso diário (documentário dirigido por Raquel Couto sobre as filmagens de Lavoura arcaica), ao se referir à luz que deveria incidir sobre a personagem Ana, irmã do protagonista com que ocorre a relação amorosa. Segundo ele, não poderia ser uma luz direta, chapada; mas, justamente por se tratar de “membranas da memória” de André, ela deveria ser rebatida, indireta.
In the Year of the Quiet Sun, da autoria de The Otolith Group, é um filme ensaio sobre o ideal do pan-africanismo, que parte de um fenómeno solar que acontece de 11 em 11 anos: durante um destes momentos, entre 1964 e 1965, alguns estados africanos emitiram selos comemorativos das recentes independências. Esta improvável relação é o mote da reflexão, comentada por Tamar Garb, na Contemporary and
These spheres of saturated yellow and red with spiky, radiating rays – reproduced in the film – seem to shine a beneficent light onto the orbiting earth. But down below, despite similar philatelic symbolisation – stars, spheres, roundels and flags proliferate on the commemorative and celebratory stamps of decolonisation and independence – the territorial and political transformation of the unquiet continent far exceeds the capacity of these miniscule propaganda prints to adequately tell its tale.
It is this disjunction between the minute materiality of the postage stamps and the epic events they commemorate that the film dramatises so brilliantly. Taking its formal cue from the period-specific design and display value of these small but significant prints, In the Year of the Quiet Sun blows up the scale of the stamp, allowing it to fill the screen. Stamp and screen become one, flattening out and filtering the archival and documentary footage with which it is interwoven and juxtaposed. The stamps themselves are interesting: we notice their schematic design, the simplified graphics of 1960s commercial art and advertising; and the standardised lettering and modernist fonts which situate them firmly in the American context from which they were generated and distributed. Why, asks the narrator, are the symbols of pan-African liberation and decolonisation designed on Wall Street?
Sandro Mezzadra é sociólogo e professor na Universidade de Bolonha e na Universidade de Western Sydney. Tem feito investigação e produçao académica em torno da globalização, migração e cidadania e é autor do livro Direito de Fuga, publicado em Portugal pela Unipop. Esteve recentemente na Argentina para apresentar a obra La cocina de Marx, e numa entrevista à Clarín falou das migrações entre as chamadas margens para os centros, as questões políticas que envolvem, e uma nova noção de fronteira/muro, que não é já apenas física.
–¿Cuál es la idea de frontera que impera en la Europa actual?
–La idea y la realidad de frontera se empezó a modificar en Europa en los 80 con la posibilidad de una supresión de las fronteras entre los países de lo que hoy es la Unión Europea. Al mismo tiempo creó las nuevas fronteras, lo que se llama fronteras exteriores europeas. En los últimos 20, 25 años el estrecho de Gibraltar devino frontera entre la Unión Europea y África. Lo que significa que el manejo del espacio fronterizo de Gibraltar no es más solamente un asunto español, sino que hay una coparticipación de otros países de la Unión Europea. Después, por un lado, hay una tendencia a cerrar estas fronteras, a militarizar el control y esto produce lo que se ve cada día en el Mediterráneo: un montón de muertos. Por otro lado, hay una tendencia a flexibilizar el manejo de las fronteras exteriores. Hay una tendencia hacia lo que se llama “una exteriorización de la frontera”, estas mismas fronteras se hacen móviles, son desplazadas hacia Africa, por ejemplo, con la involucración cada vez mayor de gobiernos africanos en el manejo de la frontera sur de la Unión Europea, y al mismo tiempo retroactúan hacia el interior del espacio europeo donde los controles fronterizos siguen siendo un asunto cotidiano y donde hay instituciones vinculadas con el control fronterizo, como los centros de detención que están en toda Europa. Se habla de una ubicuidad de las fronteras. En los últimos años la situación cambió por la crisis, porque, este doble movimiento de cierre y de externalización-movilización, tiene mucho que ver con la producción de dispositivos de inclusión selectiva de los migrantes dentro del espacio, de la ciudadanía, del mercado de trabajo europeos. Y es claro que en los últimos años, con la crisis, este dispositivo se hizo mucho más rígido.
–¿Y qué es lo que intentan detener hoy las fronteras? ¿Cuál es el discurso oficial?
–Hay en el discurso un vínculo muy estrecho entre migración y criminalidad, sobre todo en las retóricas sobre la trata y el contrabando. Y hay toda una retórica alrededor de este enlace entre movimientos migratorios llamados ilegales o clandestinos y operaciones de organizaciones criminales que organizan este tránsito con ganancias enormes. Hace años, un político italiano dijo que estamos frente a una nueva trata de esclavos. Pero la diferencia es que la gente que toma estos barcos ilegales para cruzar el Mediterráneo lo hace bajo su voluntad, quiere cruzar. Si fuera posible cruzar legalmente no existiría todo el negocio. La mayoría de los que hoy intentan cruzar el Mediterráneo está ejerciendo su derecho de fuga de la guerra. Se calcula que desde la caída del Muro, más de 20.000 personas murieron en el intento de cruzar las fronteras exteriores de Europa.
Imagem: Daniel Hugo, capa do nº 1 de ComicArtAfrica
Daniel Hugo, ilustrador sul africano radicado na Cidade do Cabo, é autor da primeira capa da ComicArtAfrica, uma publicação que nasceu associada à ARTsouthAFRICA. Nesta entrevista, o criador fala do estado da arte da banda desenhada no continente africano, qual a especificidade do género, inspirações e influências, identidade e traços especificamente sul africanos. BLIKSEM é a exposição que apresenta alguns dos seus trabalhos e de outros artistas, a partir de dia 13 de Dezembro de 2014.
What is the current position of comics and other related media in South Africa and the African continent? Have we arrived or are we still on the journey?
The sad reality is that comics in SA inhabit a fringe position. There seems to be a dismissive attitude from the reading public (apart from a small but loyal following) & the general art establishment. Hence comics are unappreciated & underrated. We have certainly not arrived yet!
What can comics do that other art and literary forms cannot in our local context?
One is able to tell very personal stories visually without constraints like budgets or clients; you are only limited by your imagination & the ability to tell a story with pictures & words. In a local context, I suppose it’s a window into others’ stories, lives & ideas across the language divide. It’s the one thing I believe promotes literacy from a young age.
Do we draw our inspiration from the USA and Europe rather than the rest of the continent? Should we be engaged more closely with creatives from Africa?
I think the whole world draws their inspiration from the US & Europe, as well as Japan, seeing as they produce the most comics in numbers & genres. In terms of stories, I think, although we are infuenced by these Big Three, there is a tendency to draw inspiration from our own surroundings, angstiness & legends. It would be wonderful if there were more cross-pollination with other creatives from the Continent, which is something that the Velocity Graphic Anthology has promoted.
A exposição Uneven Growth: Tactical Urbanisms for Expanding Megacities debruça-se sobre o fenómeno do crescimento urbano e apresenta propostas, a partir de cidades estudos de caso, como Mumbai, Lagos, Hong Kong, Nova Iorque, Istambul e Rio de Janeiro. É a terceira iniciativa na área das questões urbanísticas e arquitectónicas do Museum of Modern Art (MoMA), em Nova Iorque, desta vez com curadoria do português Pedro Gadanho, que pode ser vista até 15 de Maio de 2015.
Assim que se entra nas galerias de Arquitectura do MoMA, ouvem-se sons metálicos, ruídos da cidade, de um bairro de lata, de um prédio em construção. Fotografias e vídeos transportam-nos para Dharavi, bairro-favela de Mumbai; as imagens de um piso ilegal em construção num tecto rebaixado e o ambiente imersivo fazem-nos esquecer que estamos no museu de Nova Iorque.
“De certo modo, interessava-me a quebra de um ambiente típico de museu, possibilitar a entrada num mundo diferente”, confirma Gadanho. Para pensar Mumbai, o curador juntou os URBZ, um grupo local que trabalha activamente com a comunidade em projectos de extensão de edifícios privados, e os POP Lab (Madrid), equipa que se tem debruçado sobre as mega-estruturas ao nível das infra-estruturas. É das diferenças entre os dois grupos que surge uma solução nova para a cidade, que propõe o crescimento da zona “mas sem produzir a típica torre e sem expulsar as pessoas que vivem em Dharavi”.
Esta composição urbana, no fundo, não é assim tão diferente de outras que nascem da pequena estrutura da vila de ruelas apertadas. E Gadanho lembra Alfama, “que hoje se transformou em atracção turística, mas que tem um modelo de funcionamento que não é adequado à lógica moderna de transportes e de acesso, mas que faz parte da cidade”.
Selva Almada, uma das participações argentinas na Feira do Livro de Guadalajara, no México, esteve no Próximo Futuro, na Festa do Pensamento e da Literatura da América Latina, em Junho de 2014.
A autora, originária de Entre Ríos, começou a escrever aos 20 anos e em 2003 publicou o livro de poemas Mal de muñecas e depois os romances El Viento que arrasa (2012) e Ladrilleros (2013). Chicas muertas (Random House), o seu título mais recente, de não ficção, aborda os feminicídos que aconteceram nos anos 80 em várias províncias argentinas e é o tema do artigo do El País sobre a escritora, na Feira Internacional do Livro de Guadalajara.
Almada considera que la violencia contra las mujeres, por desgracia, “es uno de los temas que de alguna manera unifican a América Latina”. Y advierte de que los tópicos llevan a la idea errónea de que Argentina no está dentro de las corrientes de violencia latinas. “Hay una mirada del extranjero sobre Argentina que en realidad es una mirada sobre la Buenos Aires moderna, liberal. Pero en el interior del país hay una sociedad patriarcal machista, quizá no tan evidente como en México, o como lo que a su vez nosotros suponemos de México: el prejuicio de que son remachistas, o qué sé yo, pero Argentina está atravesada por el machismo, y como cada 30 horas muere una mujer asesinada”.
Mutumbela Gogo é um grupo de teatro moçambicano, que evolui a partir da formação de outro, Tchova Xita Duma, e que teve na sua fundação a cumplicidade de escritores como o sueco Henning Mankell e de Mia Couto, que realizou várias adaptações de obras para a companhia. Lucrecia Paco, actriz chave do grupo, protagonista da peça Mulher Asfalto, é o tema de um artigo do site Afribuku.
Hoy en día, Lucrecia Paco es una de las actrices más reconocidas de Mozambique, rompiendo la famosa paradoja de muchos actores que “no son profetas en su tierra” y también fuera de las fronteras del país. Ha sido la portada de la versión en castellano del libro “Tea-bag” de Henning Mankell y su versatilidad a la hora de meterse en la piel de sus personajes y su capacidad de liderazgo, también la han llevado a convertirse en la Directora Artística de la compañía. Polifacética, Lucrecia además es dramaturga y ha dirigido varias obras como Virgens (Vírgenes), que representó en espacios comunes de vecinos de Maputo con el objetivo de alcanzar a otros públicos que no suelen acudir al Teatro Avenida.
Conocida siempre por su compromiso social, una de las obras que protagonizó, Mulher Asfalto, la llevó a actuar en lugares tan diversos como en la calle Bagamayo de Maputo (una calle en el centro de la capital mozambiqueña conocida por sus altos índices de prostitución) o en cárceles de mujeres y hombres en Mozambique y en Argentina. Mulher Asfalto (Mujer del asfalto) cuenta la historia de una prostituta que un día rompe con el silencio en el que vive y pide derecho a la vida. Un proyecto ambicioso cuyo objetivo fue el de dar voz a la realidad que viven muchas personas en Mozambique y en el mundo.
Felipe Fernández-Armesto, doutorado em História pela Universidade de Oxford e professor na Universidade de Notre Dame, em Indiana, publicou um ensaio sobre a importância do imaginário latino-americano nos Estados Unidos, em particular a partir da figura de Zorro, inspirado no mexicano Joaquín Murrieta, emigrante naquele país na época da febre do ouro, no final do século XIX.
La relevancia de El Zorro en la historia de Estados Unidos puede resultar anecdótica, pero para Fernández-Armesto (Londres, 1950) es un ejemplo más de hasta qué punto las raíces hispanas están implantadas en el país, algo que aborda en su nuevo libro Nuestra América: una historia hispana de Estados Unidos (Galaxia Gutenberg en colaboración con la Fundación Rafael del Pino); de ese pasado desconocido en un país cada vez más hispanohablante e hispanocultural, y cuyos ciudadanos han aprendido la historia “como si hubiera ido conformándose exclusivamente de este a oeste”, lamenta el historiador. “Pero no hay tejido posible sin una fuerte urdimbre que la cruce perpendicularmente de abajo arriba. La historia hispana de Estados Unidos constituye esa urdimbre: un eje norte-sur en torno al cual se formó Estados Unidos, que se cruza con el eje este-oeste que suele primar en la perspectiva convencional. Hacer visible la contribución hispana es como inclinar el mapa hacia un lado y ver Estados Unidos desde un punto de vista inusual”.
Imagem: Short Biographies of Some Ethiopian Artists (1991) by Tāyé Tādasa
The Stuart Hall Library, no Institute of International Visual Arts, em Londres, é uma das bibliotecas destacadas pela Contemporary and numa rubrica dedicada a espaços deste género pelo mundo africano. Nela encontram-se raridades editoriais, como por exemplo uma publicação com biografias e obra de artistas da Etiópia.
“I was given this book as a reward for my participation in an art competition which took place here when I was about 13 years old. In general terms, the book was published thanks to the major involvement and full support of a foreigner who was here in Ethiopia during that time. He just wanted to have a collection of biographies of Ethiopian artists that lived and worked during the years between 1869 and 1957. Even though the book was not prepared in a critical format, I can simply say that it is special for one major reason: it is the only book that we still have in which the biographies and work of many Ethiopian artists can even be found. It is a fact that lots of books and catalogues about modern and contemporary Ethiopian artists have been published over time, but none of them have covered such a large number of artists as can be found in that specific book. The book covers Ethiopian artists who worked over nearly a century and it has truly served as a comprehensive reference book for many young Ethiopians who want to know about the historical involvements of Ethiopian artists. Some of the artists referred to in this book are still alive today, working in the country and abroad, and a few of them are still very important, even for the recent history of Ethiopian art.”
O curso em estudos etnico-raciais Fábrica das Ideias, inserido nos Cursos de Inverno Conlab, realizar-se-á entre 26 a 30 de Janeiro de 2015, no ISCTE-IUL, em Lisboa. As candidaturas estão abertas até 15 de Dezembro de 2014.
O curso avançado em estudos étnico-raciais Fábrica de Ideias, iniciado em julho de 1998, é o resultado de uma iniciativa pioneira no âmbito das instituições universitárias brasileiras, cujo objetivo é fomentar tanto o intercâmbio de professores e alunos da pós-graduação interessados na temática dos estudos étnico-raciais e na interface com os estudos africanos, quanto favorecer à incorporação de uma dimensão comparativa e internacional.
O curso Fábrica de Ideias tem sido reconhecido como experiência única no mundo acadêmico, no sentido de sua contribuição ao debate, em nível de pós-graduação e a formação de redes entre docentes e estudantes das mais variadas regiões e países do mundo, principalmente, entre os países da América Latina e da África.
Aproveitando do movimento que levou à produção do Dicionário Critico das Ciências Sociais dos Países de língua oficial portuguesa, publicado em 2014, o curso Fábrica de Ideias na sua edição 2015, realizado pela primeira vez fora do Brasil – no ensejo do CONGRESSO LUSO-AFRO-BRASILEIRO, em Lisboa, cujo tema será “Imaginar e Repensar o Social: Desafios às Ciências Sociais e Humanas nos Espaços de Língua Portuguesa, 25 anos depois” – apresentará, durante cinco dias, uma sessão temática em torno de um verbete que será alvo das reflexões a cada dia.
A Conferência de Abertura estará a cargo do Professor Lívio Sansone (Universidade Federal da Bahia).
Começou dia 29 de Novembro e prolonga-se até 7 de Dezembro, a Feira Internacional do Livro de Guadalajara, no México, um dos eventos latino-americanos mais importantes na área da edição, que tem este ano como país convidado a Argentina.
Fundado há 28 anos pela Universidad de Guadalajara, o certame destina-se a profissionais do ramo mas é simultaneamente um encontro cultural aberto ao público, com autores de todos os continentes, numa semana onde se ouvem diversas línguas, com lugar ainda para mesas de debate sobre temas da actualidade.
O país em fique, a Argentina, além de um programa literário, tem dedicado um ciclo de cinema, iniciativas ligadas às artes visuais e de artes cénicas. Tamara Kamenszain, uma das convidadas da mesa sobre Poesia da Festa da Literatura e do Pensamento da América Latina, é uma das presenças neste encontro.
Entretanto, en el Pabellón Argentino, una mesa de poetas abría el programa literario del país Invitado de Honor. Tamara Kamenszain, Hugo Mugica, Jorge Fondebrider, Rodolfo Alonso y Francisco Garamona se planteaban la encrucijada que el último, coordinador, resumió: “¿Escribimos poesía o la vivimos?”. Daba para una ronda de margaritas, pero fue resuelta con sobriedad mientras a pocos metros Mafalda era reina indiscutida. Cientos de tapatíos –gentilicio de los nacidos en Guadalajara–, se tomaban ráfagas de fotos frente a la criatura de Quino. En el stand de Penguin Random House, donde un cartel lista los 24 sellos que integran hoy el grupo, Claudia Piñeiro renovó su contrato por una novela, aún sin título, que presentará en mayo. No es un policial, adelantan, aunque esconda sí un misterio.
O SPIELART abriu candidaturas a projectos, ATÉ 15 DE FEVEREIRO. Em 2015 subordinado ao tema "Art in Resistance", o festival decorrerá entre 23 de Outubro e 7 de Novembro:
Starting in 2010, the years were surprisingly marked by protests of very different types all across the globe. One novel aspect was that the rebellions took place in countries where one had not previously expected it: In the Arabian realm, in supposedly stabile regions such as Europe and the U.S., also in „emerging“ countries such as Turkey and Brazil, and recently in Hong Kong. In recent years, the SPIELART Theater Festival Munich has repeatedly presented artists and artivists in its programs who participated in the protests or were inspired by them. During the 2015 festival, with ART IN RESISTANCE we want to integrate a level of reflection as well as a reevaluation.
Submissions from every art genre are welcome: Submissions that aspire to have a direct influence on political and social realities with artistic means and/or that work through media campaigns. Submissions that use the political potential of fiction and create symbolic realities. Submissions that work with theater as a realm of possibility in order to design visions, which are independent of their viability or realizability. Submissions that operate with the means of performance and theater to create political interventions in urban spaces. Submissions that deal (in a participative manner) with forms of coexistence, whether they are in a local neighborhood, in Munich itself, or via live stream from somewhere else in the world. Submissions that illuminate the genre of artivism in a documentary manner, or reflect the genre of artivism through the use of new technologies and media strategies
SPIELART é um festival de artes que existe desde 1995, onde se pretende explorar e investigar novas tendências e movimentos no mundo e que, de dois em dois anos, leva até Munique produções, performances, conferências e instalações, muitas das quais em estreia mundial. Pertence a várias redes, como o Theater Festivals in Transition (www.theatrefit.org), WHAT'S NEXT? (2007), CONNECTIONS (2009), e CONNECT CONNECT (2011).
Afrobulles é uma editora dedicada à BD africana, que pretende promover a cultura africana através da banda desenhada e os autores deste género na Europa, criada e dirigida por Alix Fuilu. Além de criações individuais , livros "engagé"e para a juventude, organizam exposições e lançaram a publicação colectiva Couleur Café.
Está disponível online o 
